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Archivos por etiqueta: Arte

Ilustrador Paul Kuczynski

Paul Kuczynski el ilustrador politícamente incorrecto

Ruborizadoras ilustraciones con temas comprometidamente políticos y muy relacionados con lo que sucede en las culturas sociales del mundo y a manera de sátira estas imágenes llevan un fuerte mensaje. Paul Kuczynski es un artista Polaco nacido en 1976 en Szczecin, Graduado en La Academia de Artes Finas en Poznan con una especializacion en artes gráficas;  es reconocido precisamente por la sátira que induce en sus obras. Leer más

Allan Teger BodyScapes SeriesAllan Teger BodyScapes SeriesAllan Teger BodyScapes Series


Photographer Allan Teger created in 1976 this fantastic series called “Bodyscapes”, which consists of unretouched photographs and black and white where the human body, forms and textures are used to represent mountains, valleys and lakes in a symbolic and very attractive.


El fotógrafo Allan Teger creó en 1976 esta fantástica serie llamada “BodyScapes”; la cual se compone de fotografías sin retocar y en blanco y negro donde el cuerpo humano, sus formas y texturas son utilizadas para representar montañas, valles y lagos de una manera simbólica y muy atractiva.


O fotógrafo Allan Teger creou en 1976 esta fantástica serie chamada “BodyScapes”; a cal  componse de fotografías sen retocar e en branco e negro onde o corpo humano, as suas formas e texturas son utilizadas para representar montañas, valles e lagoas de unha maneira simbólica e moi atractiva.

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Urs FischerUrs FischerUrs Fischer


Urs Fischer 1973, Zurich

Individual exposures

2012

“Madame Fisscher,” Palazzo Grassi, Venice: 4/15/12 – 7/15/12
“schmutz schmutz,” Gagosian Gallery, Paris: 4/5/12 – 5/26/12
“Beds & Problem Paintings,” Gagosian Gallery, Beverly Hills: 2/23/12 – 4/7/12
“Skinny Sunrise,” Kunsthalle Wien, Vienna: 2/17/12 – 5/28/12

2011

“dngszjkdufiy bgxfjkglijkhtr kydjkhgdghjkd” (with Cassandra MacLeod), Gavin Brown’s enterprise, New York: 10/22/11 – 11/12/11
“Urs Fischer and Georg Herold,” The Modern Institute, Glasgow: 7/2/11 – 8/20/11
“Untitled (Lamp/Bear),” Seagram Plaza, New York: 4/11 – 9/11

2010

“Douglas Sirk,” Sadie Coles HQ, 4 New Burlington Place, London: 10/6/10 – 12/11/10 
“Oscar the Grouch,” The Brant Foundation Art Study Center, Greenwich, Connecticut: 5/15/10 – 1/3/11

Urs Fischer 1973, Zurich

Fischer comenzó su carrera en Suiza, donde estudió fotografía en la Schule für Gestaltung, Zurich. Se trasladó a Amsterdam en 1993 y tuvo su primera exposición individual en una galería de Zurich, en 1996. Fischers realizó subversivo acercamiento al arte se considera a menudo estar influenciado por los movimientos anti-arte como el Neo-Dada, Lost Art o la Internacional Situacionista. Desde que Fischer comenzó a mostrar su trabajo, a mediados de la década de los noventa, en Europa, ha producido una enorme cantidad de objetos, dibujos, collages e instalaciones de tamaño de una habitación.

Actualmente vive y trabaja en Nueva York

EXPOSICIONES INDIVIDUALES

2012

“Madame Fisscher,” Palazzo Grassi, Venice: 4/15/12 – 7/15/12
“schmutz schmutz,” Gagosian Gallery, Paris: 4/5/12 – 5/26/12
“Beds & Problem Paintings,” Gagosian Gallery, Beverly Hills: 2/23/12 – 4/7/12
“Skinny Sunrise,” Kunsthalle Wien, Vienna: 2/17/12 – 5/28/12

2011

“dngszjkdufiy bgxfjkglijkhtr kydjkhgdghjkd” (with Cassandra MacLeod), Gavin Brown’s enterprise, New York: 10/22/11 – 11/12/11
“Urs Fischer and Georg Herold,” The Modern Institute, Glasgow: 7/2/11 – 8/20/11
“Untitled (Lamp/Bear),” Seagram Plaza, New York: 4/11 – 9/11

2010

“Douglas Sirk,” Sadie Coles HQ, 4 New Burlington Place, London: 10/6/10 – 12/11/10 
“Oscar the Grouch,” The Brant Foundation Art Study Center, Greenwich, Connecticut: 5/15/10 – 1/3/11

Urs Fischer 1973, Zurich

Fischer comezou a súa carreira en Suiza, onde estudou fotografía na Schule für Gestaltung, Zurich.

Actualmente vive e traballa en Nova York

EXPOSICIÓNS INDIVIDUAIS

2012

“Madame Fisscher,” Palazzo Grassi, Venice: 4/15/12 – 7/15/12
“schmutz schmutz,” Gagosian Gallery, Paris: 4/5/12 – 5/26/12
“Beds & Problem Paintings,” Gagosian Gallery, Beverly Hills: 2/23/12 – 4/7/12
“Skinny Sunrise,” Kunsthalle Wien, Vienna: 2/17/12 – 5/28/12

2011

“dngszjkdufiy bgxfjkglijkhtr kydjkhgdghjkd” (with Cassandra MacLeod), Gavin Brown’s enterprise, New York: 10/22/11 – 11/12/11
“Urs Fischer and Georg Herold,” The Modern Institute, Glasgow: 7/2/11 – 8/20/11
“Untitled (Lamp/Bear),” Seagram Plaza, New York: 4/11 – 9/11 Leer más

Richard Phillips

Richard PhillipsRichard PhillipsRichard Phillips

¿Crees que ya está todo dicho sobre un lienzo?
Richard Phillips (1962 EEUU ) no es de esa opinión;.

¿Crees que ya está todo dicho sobre un lienzo?
Richard Phillips (1962 EEUU ) no es de esa opinión; aunque no se limita a seguir pintando ingenuamente, sino que se enfrenta a esta cuestión. Toma sus referencias de artistas pop como Andy Warhol y Mel Ramos, pero en su caso trata la cuestión acerca del estatus y la función de los cuadros. A primera vista, los cuadros de la exposición Michal Friends presentan los motivos típicos que Phillips acostumbra tomar del espíritu del arte pop, muchas de sus obras tienen bases porno. Sin embargo, el elemento central para entender su método tan crítico con la propia pintura es la construcción de la exposición en su faceta de instalación. Como si se tratara de una capilla, las obras están agrupados en torno a uno de muy distintas características, un retrato del influyente crítico Michael Fried. De este modo, Phillips confiere a su instalación una postura perfectamente definida: Fried representa la idea de que el arte que desencadenara una reflexión sobre su consideración perdería la fuerza de sustraernos a la vida diaria. Sin embargo, Phillips coloca al autoritario retrato de Fried en un contexto que cumple con malicia la eshortación del crítico. Los cuadros parecen no romper de manera reflexiva los motivos tomados del porno con su modo de representación afirmativo, si brien habría que incluirlos en los motivos del low art y en una problemática absorción, algo que sin duda indignaría a Fried a más no poder.

¿Cres que xa está todo dito sobre un lienzo?
Richard Phillips (1962 EEUU ) non é de esa opinión;.

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Wolfgang TillmansWolfgang Tillmans

Wolfgang Tillmans (n. 16 de agosto de 1968) es un fotógrafo y artista conceptual alemán que trabaja en Londres y Berlín. Su obra emplea la investigación sobre los conceptos básicos de la fotografía y la realización de instalaciones. Reivindica lo directo y lo auténtico. Ha sido el primer artista no británico en recibir el premio Turner.

Nació en 1968 en Remscheid aunque en 1987 se trasladó a Hamburgo donde estuvo trabajando de telefonista y comenzó su trabajo investigador empleando la fotocopiadora sobre imágenes fotográficas y poco después empezó a documentarse sobre la subculturarave. Durante estos años estuvo publicando sus fotografías en las revistas i-D, Tempo, Spex y Prinz. En 1990 se trasladó aBournemouth para estudiar fotografía y dos años después a Londres. En 1994 se trasladó a Nueva York donde estuvo viviendo un año.

La muerte de su compañero Jochen Klein en 1997 a causa del sida hizo que le dedicara una serie de fotografías como su «última comida o la ventana del hospital». En 1998 estuvo como profesor en la escuela de bellas artes de Hamburgo y en 2003 comenzó a ejercer como profesor en la academia de bellas artes de Frankfort.

En sus exposiciones suele colocar las imágenes sin destacar las obtenidas mediante una cámara fotográfica de la procedente de cualquier otro medio de reproducción como por ejemplo una fotocopiadora. Su primera exposición en España la realizó en 1998 en elMuseo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. En 2002 grabó un documental titulado Ligth para el grupo Pet Shop Boys. En 2009recibió el premio de cultura de la asociación alemana de fotografía.

Wolfgang Tillmans (n. 16 de agosto de 1968) é un fotógrafo e artista conceptual alemán que traballa en Londres e Berlín. A súa obra emprega a investigación sobre os conceptos básicos da fotografía e a realización de instalacións. Reivindica o directo e o auténtico. Foi o primeiro artista non británico en recibir o premio Turner.

Naceu en 1968 en Remscheid ainda que en 1987 trasladouse a Hamburgo onde estivo traballando de telefonista e comenzou o seu traballo investigador empregando a fotocopiadora sobre imaxes fotográficas e pouco despuis empezou a documentarse sobre a subcultura rave. Durante estos anos estivo publicando as suas fotografías nas revistas i-D, Tempo, Spex y Prinz. En 1990 trasladouse a Bournemouth para estudar fotografía e dous anos despois a Londres. En 1994 trasladouse a Nova York onde viviu un año.

A morte do seu compañeiro Jochen Klein en 1997 a causa da sida fixo que lle dedicara unha serie de fotografías como a sua «última comida pola xanela do hospital». En 1998 foi profesor na escuela de belas artes de Hamburgo e en 2003 comenzou a exercer como profesor na academia de belas artes de Frankfort.

Nas suas exposicións soe colocar as imaxes sen destacar as obtidas mediante unha cámara fotográfica das procedentes de cualquera outro medio de reproducción como por exemplo unha fotocopiadora. A sua primera exposición en España realizouna en 1998 no Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. En 2002 grabou un documental titulado Ligth para o grupo Pet Shop Boys. En 2009 recibiu o premio de cultura da asociación alemana de fotografía.

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Robert GoberRobert GoberRobert Gober

Robert Gober (b. September 12, 1954) is an American sculptor. His work is often related to domestic and familiar objects such as sinks, doors, and legs.

Gober was born in Wallingford, Connecticut and studied at Middlebury College,[1] Vermont and the Tyler School of Art in Rome. He lives and works in New York City and is represented by the Matthew Marks Gallery. He is best known for his sculptures, but also has made photographs, prints, and drawings and has curated exhibitions. Most recently, in the Whitney Biennial 2012, he curated a room of Forrest Bess’s paintings and archival materials dealing with the artist’s exploration into hermaphrodism. He also curated “Heat Waves in a Swamp: The Paintings of Charles Burchfield” at the Hammer Museum in Los Angeles in 2009 (which traveled to the Burchfield Penney Art Center, Buffalo and the Whitney Museum of American Art, New York in 2010). He has had exhibitions of his work in Europe, North America and Japan. One of his most well known series of works of sculptures of sinks.

Robert Gober (Wallindorf, Connecticut, Estados Unidos, 1954) es un artista que ha convertido sus propios traumas vitales en obra de arte, en una suerte de camino catárquico para poner en evidencia el miedo humano a la muerte, a la transformación que se sufre con la educación, con la relación con otros seres humanos, y con los elementos represores a los que nos enfrentamos en el día a día, con esas tragedias que a fuerza de cotidianas ya a nadie importan o a las que apenas si prestamos atención.

La familia como ámbito de represión es algo que se pone de manifiesto en la obra de Gober, nacido en el seno de una familia de rígidos principios cristianos, y en ese ámbito recibió una educación que luego toma forma en su obra, por ejemplo, de cuna con los barrotes torcidos en una suerte de alegoría acerca de la represión, del aislamiento. Objetos muchos de ellos que remiten al La fuente de Duchamp, aquel urinario que colocó en posición invertida en una pared dando lugar a una de las obras más subversivas de la historia del arte.
Robert Gober (Wallindorf, Connecticut, Estados Unidos, 1954) é un artista que convertiu os seus propios traumas vitales en obras de arte, en unha sorte de camiño catárquico para poñer en evidencia o medo humano á morte, á transformación que se sufre coa educación, coa relación con outros seres humanos, e cos elementos represores aos que nos enfrentamos no día a día, con esas traxedias que a fuerza de cotidáans xa a ninguén importan ou as que apenas si prestamos atención.

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Won Ju LimWon Ju LimWon Ju Lim


Won Ju Lim (South Korea, 1968) currently lives in Los Angeles, where she teaches at the University of California. His first solo exhibition in Spain took place in 2005 at theDomus Artium, Salamanca. Lim also exhibited his works individually in the galleryspace as Pilar Parra & Romero (Madrid), the DA2 Centre of Contemporary Art(Salamanca), Emily Tsingou Gallery (London), or gallery Max Hetzler (Berlin). It recently took part in collective activities in countries like USA, Switzerland, Austria, Germany and Korea.


Won Ju Lim (Corea del Sur, 1968) Actualmente vive en Los Angeles, donde es profesora en la Universidad de California. Su primera exposición individual en España tuvo lugar en 2005  en el Domus Artium, Salamanca. Lim también expuso sus obras de forma individual en espacios como la galería Pilar Parra & Romero (Madrid), el Centro de Arte Contemporáneo DA2 (Salamanca), la galería Emily Tsingou (Londres), o la galería Max Hetzler (Berlín). Asimismo, recientemente ha tomado parte en muestras colectivas realizadas en países como EE.UU., Suiza, Austria, Alemania y Corea.

Lim es otro ejemplo de la rapidez con la que un artista puede hoy hacer carrera internacional. Terminó sus estudios en el Art Center College of Design de Pasadena hace sólo siete años. Su primera individual es de 2000, y desde entonces no ha dado un paso en falso. Trabaja con una prestigiosa galería californiana, y ha mostrado ya su obra en instituciones de tanta solvencia como la Art Gallery de Vancouver o la Kunstlerhaus Bethanien. Estuvo entre los agraciados por Taschen en su Art Now, y la influyente revista británica Contemporary la incluyó el año pasado en su número especial Sculpture, con lo que se puede dar por seguro su éxito crítico y de mercado. Debemos felicitar a Pilar Parra por la rapidez con la que ha reaccionado a este interés general por la artista, aunque, en un paréntesis, podríamos también sugerirle que, dada su buena conexión con el Domus Artium de Salamanca, donde en fechas recientes se han organizado individuales de Masbedo, Tim White y Won Ju Lim -artistas con los que trabaja la galería-, se distancie más en el tiempo y en la selección de las obras respecto a las exposiciones institucionales (recomendación que extendemos a otras galerías).

Won Lim Ju (Corea do Sur, 1968) actualmente vive en Los Angeles, onde da clases na Universidade de California. A súa primeira exposición individual en España tivo lugar no 2005 no Domus Artium de Salamanca. Lim tamén exhibiu as súas obras individualmente en galerías como Pilar Parra & Romero (Madrid), o Centro DA2 de Arte Contemporánea (Salamanca), Emily Tsingou Gallery (Londres), ou a galería Max Hetzler (Berlín). Recentemente, participou en exposicións en  países como Estados Unidos, Suíza, Austria, Alemaña e Corea.

 
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Takashi Murakami


Takashi Murakami (Tokio, 1962) es uno de los artistas más influyentes del Japón de posguerra.

Cursa estudios en la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio donde obtuvo un Graduado en Nihonga (pintura tradicional japonesa). En 1990 se introduce en el arte contemporáneo bajo la tutela de su compañero y amigo, el artista Masato Nakamura.

En 1993 crea su álter ego Mr. DOB, y comienza a ser reconocido dentro y fuera de Japón por su particular síntesis entre el arte tradicional japonés, las corrientes contemporáneas de su país como el anime y el manga y la cultura americana, fundamentalmente la corriente pop. De ahí que pronto sea denominado el Andy Warhol japonés.

Su obra abarca múltiples formas artísticas, desde la pintura a la escultura, el diseño industrial, el anime, la moda y otros medios y objetos merchandising de la cultura popular. Murakami pertenece a una generación de artistas que comenzaron a destacar durante el auge económico que vivió Japón a finales de la década de 1980 y cuyo lenguaje pictórico recurre a motivos ligados a la cultura popular. Su obra transmite una visión crítica de la sociedad japonesa actual, el legado de la tradición cultural del país, su evolución tras la Segunda Guerra Mundial y su relación con el mundo occidental, especialmente con EEUU.

En sus escritos acuñó el estilo artístico “Superflat”, término que ha servido también para calificar su obra, y que, además de caracterizarse por la bidimensionalidad, critica la propia estructura del arte, desdibujando los límites entre la alta y baja cultura. Su trilogía de exposiciones “Superflat”: Superflat (2000), Takashi Murakami: Kaikai Kiki (2002) and Little Boy (2005) se ha exhibido en importantes Museos de todo el mundo como la Parco Gallery en Tokio, The Museum of Contemporary Art (MOCA) de Los Ángeles, la Fondation Cartier pour l’art contemporain en París o en la Serpentine Gallery de Londres. A lo largo 2008 y 2009 el artista ha sido celebrado con ©Murakami, la gran retrospectiva que  se exhibió en el Museo Guggenheim Bilbao, y que anteriormente fue presentada en el Museum of Contemporary Art (MOCA), el Brooklyn Museum de Nueva York y el Museum für Moderne Kunst de Frankfurt. Instituciones como el Museo de Arte Contemporáneo del siglo XXI de Kanazawa, del Museum of Fine Arts, Boston, del Museum of Modern Art, Nueva York, del San Francisco Museum of Modern Art, de la Queensland Art Gallery y del Walker Art Center, Minneapolis, albergan obra de este polifacético artista que, además de colaboraciones en proyectos de diseño industrial, música o moda, es comisario, mecenas, crítico y precursor de ferias de arte.


Takashi Murakami (Tokio, 1962) es uno de los artistas más influyentes del Japón de posguerra.

Cursa estudios en la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio donde obtuvo un Graduado en Nihonga (pintura tradicional japonesa). En 1990 se introduce en el arte contemporáneo bajo la tutela de su compañero y amigo, el artista Masato Nakamura.

En 1993 crea su álter ego Mr. DOB, y comienza a ser reconocido dentro y fuera de Japón por su particular síntesis entre el arte tradicional japonés, las corrientes contemporáneas de su país como el anime y el manga y la cultura americana, fundamentalmente la corriente pop. De ahí que pronto sea denominado el Andy Warhol japonés.


Takashi Murakami (Tokio, 1962) es uno de los artistas más influyentes del Japón de posguerra.

Cursa estudios en la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio donde obtuvo un Graduado en Nihonga (pintura tradicional japonesa). En 1990 se introduce en el arte contemporáneo bajo la tutela de su compañero y amigo, el artista Masato Nakamura.

En 1993 crea su álter ego Mr. DOB, y comienza a ser reconocido dentro y fuera de Japón por su particular síntesis entre el arte tradicional japonés, las corrientes contemporáneas de su país como el anime y el manga y la cultura americana, fundamentalmente la corriente pop. De ahí que pronto sea denominado el Andy Warhol japonés.

Su obra abarca múltiples formas artísticas, desde la pintura a la escultura, el diseño industrial, el anime, la moda y otros medios y objetos merchandising de la cultura popular. Murakami pertenece a una generación de artistas que comenzaron a destacar durante el auge económico que vivió Japón a finales de la década de 1980 y cuyo lenguaje pictórico recurre a motivos ligados a la cultura popular. Su obra transmite una visión crítica de la sociedad japonesa actual, el legado de la tradición cultural del país, su evolución tras la Segunda Guerra Mundial y su relación con el mundo occidental, especialmente con EEUU.

En sus escritos acuñó el estilo artístico “Superflat”, término que ha servido también para calificar su obra, y que, además de caracterizarse por la bidimensionalidad, critica la propia estructura del arte, desdibujando los límites entre la alta y baja cultura. Su trilogía de exposiciones “Superflat”: Superflat (2000), Takashi Murakami: Kaikai Kiki (2002) and Little Boy (2005) se ha exhibido en importantes Museos de todo el mundo como la Parco Gallery en Tokio, The Museum of Contemporary Art (MOCA) de Los Ángeles, la Fondation Cartier pour l’art contemporain en París o en la Serpentine Gallery de Londres. A lo largo 2008 y 2009 el artista ha sido celebrado con ©Murakami, la gran retrospectiva que  se exhibió en el Museo Guggenheim Bilbao, y que anteriormente fue presentada en el Museum of Contemporary Art (MOCA), el Brooklyn Museum de Nueva York y el Museum für Moderne Kunst de Frankfurt. Instituciones como el Museo de Arte Contemporáneo del siglo XXI de Kanazawa, del Museum of Fine Arts, Boston, del Museum of Modern Art, Nueva York, del San Francisco Museum of Modern Art, de la Queensland Art Gallery y del Walker Art Center, Minneapolis, albergan obra de este polifacético artista que, además de colaboraciones en proyectos de diseño industrial, música o moda, es comisario, mecenas, crítico y precursor de ferias de arte.

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Ernesto NetoErnesto NetoErnesto Neto

Ernesto Neto, one of the great Brazilian contemporary artists.
Ernesto Neto belongs to the large group of artists who follow the path marked by that another generation of Brazilian artists who broke the modern scheme in the late fifties and early sixties, artists like Helio Oiticica and Lygia Clark, try to eliminate the absolute nature of art to bring it to life (in its manifesto Neo-concrete, Oiticica and Clark talk, among other things, the need to see art not as an object but almost as a body). This new notion of artistic creation and experience proposed interaction of the viewer, an argument that is at the center of the aesthetic concerns of Ernesto Neto.

Ernesto Neto, uno de los grandes artistas contemporáneos brasileños.

Ernesto Neto pertenece al amplio grupo de artistas que sigue la senda marcada por esa otra generación de creadores brasileños que rompió con los esquemas modernistas a finales de los cincuenta y principios de los sesenta, artistas que, como Helio Oiticica y Lygia Clark, tratan de eliminar el carácter absoluto del arte para acercarlo a la vida (en su manifiesto Neo-concreto, Oiticica y Clark hablan, entre otras cosas, de la necesidad de percibir el arte no como un objeto sino casi como un cuerpo). Esta nueva noción de la creación artística proponía la experiencia y la interacción del espectador, argumento que se encuentra en el centro de las preocupaciones estéticas de Ernesto Neto.
Ernesto Neto, un dos grandes artistas brasileiros contemporáneos.
Ernesto Neto pertence ao gran grupo de artistas que seguen o camiño marcado por que outra xeración de artistas brasileiros que rompe o esquema moderno a finais dos anos cincuenta e principios dos anos sesenta, artistas como Helio Oiticica e Lygia Clark, tentar eliminar a natureza absoluta da arte para trae-lo para a vida (no seu manifesto neoconcreto, Oiticica e Clark fala, entre outras cousas, a necesidade de ver a arte non como un obxecto, pero case como un corpo). Esta nova noción de creación artística e interacción experiencia proposta do espectador, un argumento que está no centro das preocupacións estéticas de Ernesto Neto.
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Damien Hirst ¿art or speculation?¿Damien Hirst arte o especulación?¿Damien Hirst arte ou especulación?

Born in Bristol and grew up in Leeds. His father, an auto mechanic, left his family when Hirst was 12. His mother, Mary, Catholic, worked for the Citizens Advice Bureau and says he lost control on the performer when he was very young. Hirst was arrested twice for shoplifting. Meanwhile, Damien saw his mother and uncompromising person: she once cut and tidy up your pants punk, and heated in an oven one of their albums of the Sex Pistols to turn it into a bowl of fruit. Damien said: “If she did not like what he was wearing, I quickly picked up the bus stop.” What he did was to encourage his mother’s taste for drawing, his only successful school subject.
His art teacher pleaded that Hirst would allow entry into the sixth grade, where he earned good grades, achieving a level “E” in the subject of art. He attended the University of Leeds, in Art and Design, but the first time I requested was denied admission. He worked for two years in the empowerment of construction sites in London, then studied Fine Art at Goldsmiths, University of London (1986-89), but again was refused a first application. As a student, Hirst worked part time at a mortuary, an experience that later influenced his choice of subjects and materials.

Nació en Bristol y creció en Leeds. Su padre, mecánico automotriz, dejó a su familia cuando Hirst tenía 12 años. Su madre, Mary, católica, trabajó para la Citizens Advice Bureau y afirma que perdió el control sobre el artista cuando éste era muy joven. Hirst fue arrestado en dos ocasiones por robo en tiendas. Por su parte, Damien veía a su madre como persona intransigente: ella en cierta ocasión recortó y adecentó sus pantalones punk, y calentó en un horno uno de sus discos de los Sex Pistols para convertirlo en un bol de frutas. Damien afirmó: « Si a ella no le gustaba cómo iba vestido, me recogía rápidamente de la parada de autobús ». Lo que sí hizo la madre fue fomentar su gusto por el dibujo, su única materia escolar exitosa.

Su profesora de arte suplicó que a Hirst le permitieran la entrada en el sexto curso, donde obtuvo buenas calificaciones, logrando un nivel “E” en la asignatura de arte. Asistió la Universidad de Leeds, en Arte y Diseño, aunque la primera vez que lo solicitó se le denegó la admisión. Trabajó durante dos años en la habilitación de solares de construcción en Londres; luego estudió Bellas Artes en Goldsmiths, Universidad de Londres (1986-89), aunque de nuevo vio rechazada su primera solicitud. Siendo estudiante, Hirst trabajaba a tiempo parcial en una morgue, una experiencia que influyó posteriormente en su elección de temas y materiales.
Hirst ha admitido siempre serios problemas de drogas y alcohol, al menos durante diez años, del periodo de los 90 en adelante: « Empecé a consumir cocaína y a beber… Me trasformé en un balbuceante naúfrago de mierda ». Durante este tiempo fue reconocido por su salvaje comportamiento y actos escandalosos, incluyendo, por ejemplo, colocarse un cigarrillo en la punta del pene delante de los periodistas. Fue un asiduo del elegante Groucho Club, en el Soho londinense, del que fue expulsado y vetado alguna vez por su mal comportamiento.
Nacido en Bristol, e creceu en Leeds. O seu pai, un mecánico de coches, deixou a súa familia cando tiña 12 anos Hirst. A súa nai, María, Católica, traballou para o Citizens Advice Bureau e di que el perdeu o control sobre o cantante cando el era moi novo. Hirst foi detido dúas veces por roubo. Mentres tanto, Damien viu a súa nai, por persoa intransixente: ela, xa cortada e aparcar enriba do seu Punk pantalóns, e quentados nun forno dun dos seus discos do Sex Pistols para transformalo en un recipiente de froitas. Damien dixo: “Se non lle gustou o que estaba usando, eu axiña colleu o autobús.” O que fixo foi estimular o gusto da súa nai para o deseño, o seu tema única escola de éxito.

A súa profesora de arte pediu que Hirst permitiría a entrada na sexta serie, onde obtivo boas notas, conseguindo un nivel “E” no asunto da arte. Estudou na Universidade de Leeds, en Arte e Deseño, pero a primeira vez que lle foi denegado solicitude de admisión. El traballou durante dous anos na capacitación de lugares de construción en Londres, a continuación, estudou Belas Artes en Goldsmiths, University of London (1986-1989), pero de novo foi rexeitado unha primeira aplicación. Como estudante, Hirst traballaba a tempo parcial nun necrotério, unha experiencia que máis tarde influenciou súa escolla de temas e material.

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