Para poder entender el arte actual y las tendencias debemos conocer y comprender su evolución y ciclos hasta llegar al momento actual; este es un muy buen resumen de la historia del arte contemporáneo.







1.4.PINTURA. 9

2.FRANCISCO de Goya y Lucientes (1746-1828) 10

2.1.Vida 10

2.2.Estilo 11


Historical 2.4.temas 14

Religious 2.5.pintura 14

Black 2.6.pinturas 14

2.7.grabados and drawings 14








5.1.Bélgica 23

5.2.Francia 23

5.3.Inglaterra. 23

5.4.Austria. 23

5.5.España. 23







9.1.escultura 27

9.2.PINTURA 27




10.1.Francia. 33

10.2.Inglaterra. 34

10.3.España. 34


11.1.Introducción. 35

11.2.cronología. 36

12.Neoimpresionismo. 39

13.Postimpresionismo. 39

13.1.España. 41





Rationalism 17.ANTECEDENTES OF 44

Rational or functional 18.ARQUITECTURA 45


20.LA architecture between 1945 and 196 49

20.1.Norteamérica. 49

20.2.Francia. 49

20.3.Alemania and Italy. 49

20.4.Holanda. 50

20.5.Brasil. 50




22.1.Antecedentes. 52





24.PANORAMA of European painting from the late nineteenth to the early 61




63 26.2.FAUVISMO


26.4.El Expressionism in Spain and Latin America. 67

CUBISM 26.5.EL 68

Analytical 26.6.Cubismo 69

Synthetic 26.7.Cubismo 70

74 26.8.ORFISMO



Metaphysics 26.11.PINTURA 75


76 27.1.DADAÍSMO


Figure 78 27.3.Surrealismo

80 antiobjetiva 27.4.Tendencia


Geometric 27.6.Abstracción 81

82 27.7.Neoplasticismo

82 27.8.Suprematismo

82 27.9.Constructivismo

Expressive 27.10.Abstracción 83

83 27.11.Tachismo

27.12. «Action Painting» (Action Painting). 84

Signic and gestural 27.13.Pintura 84

85 matérica 27.14.Pintura

Spanish 27.15.Representantes 85



86 27.18.Neofiguración or New Figuration

ART 27.19.POP 86

87 27.20.Hiperrealismo

87 social 27.21.Realismo



Neoclassical art

Surge in mid eighteenth century but remains, along with other trends over the nineteenth century. Major centers: Rome and Paris.

Reaction against the Baroque classicism favored by the Enlightenment. Is an attempt to bring the artistic creation and to develop rational rules universally applicable models: therefore, no creative force and is an art of lack of originality. His approval rating was minimal.

Certain factors contribute to its development:

* The publications of writers advocating the i Greek as a starting point, of all beauty, arguing for an r on the sources of antiquity. Of note is the work of Winckelmann’s History of ancient art «of 176
* The excavation of Herculaneum (1719) and Pompeii (1748).
* The English archaeological expeditions to Greece.
* The creation of the Royal Academies to lead the aesthetics of their time according to classical rules.
* This refers particularly to the architecture without forgetting completely to sculpture and painting.



Reaction against the decorative effects of the Baroque and Rococo.

It draws on the monuments, classic, but it is a copy of them but that recreates.

It is a scholarly and rational architecture. Beauty is a concept based on the purity of the architectural lines in clear geometric forms, as classical. In front of the baroque subjectivity precludes objectivity of beauty based on rationality.

Taste for simplicity and severity, predominates on the decorative architecture. For Winckelmann the beauty of the buildings is its monumentality, symmetry, proportions, subject to the laws of the measure and mathematics.

Uses basic elements of classical architecture: columns, especially the Doric order and Ionic, pediments and domes, vaults, etc..

The decorative themes are also taken from antiquity: garlands, rosettes, egg, meanders.

The most classic building used as a model for neoclassical art is the Greek temple, especially the portico and pediment, used to model and even as civil construction.

Despite their preference for the Greek models break with the «anthropocentrism» of these and tend to the Roman monuments.

The buildings are primarily civilian in nature: museums, schools, libraries.

The urban search paths geometric checkerboard or fried, with spacious avenues and squares. In the city parks.

Within the neoclassical architecture can be studied two types:

An architecture that remains essentially Baroque in the exaltation of power, but it simplifies its entirety. It is called the «baroque vitrubiano» and is the most widespread in Europe and even America.

The «architecture of reason, concerned about the adequacy of function and form. It avoids any décor. Works are planned for industrial or practical in relation to economic and social change: stock markets, libraries, theaters, cemeteries and hospitals. It is more properly considered as neoclassical.

Leaves the interior of the reign of Louis XV and Louis XVI tending to purer forms.

Special importance in the Empire of Napoleon: development of urban and memorials.

JACQUES GABRIEL (1698-1782). Eg Petit Trianon. Palace of Versailles. (1762-1764).

Soufflot (1713-1780). Eg current Church of St. Genevieve Pantheon of Illustrious Men. Paris (1758).

Gondo’ine and Leper. Ex: Austerlitz Column. Vendome Plaza. Paris. (1806-1810).

Vignon (1763-1828). Eg: Church of the Madeleine. Paris.

FONTAINE and Percier. Eg Arc du Carrousel. Paris. (1806-1809).

Chalgrin (1739-1811). Eg Arco de la Estrella. Paris. (1806-1836).


His works are related to the «architecture of reason,» although many of them did not go beyond being mere projects.

It is specially developed in Protestant countries. Was decisive direction Winckelmann. Major centers: Berlin and Munich.

KLENZ LEON VON (1784-1864). Eg Munich Glyptotek. Propylaea. Munich. The Walhalla. Regensburg.

Langhans (1732-1808). Eg Brandenburg Gate. Berlin

Influence of Greek tradition and the Renaissance Palladian architecture: some authors think that the English neo-classicism of the Renaissance is a continuation of the less developed of the Baroque in this country.

Together with the Neoclassical have seen a strengthening of the late Gothic style never totally abandoned in England.

ADAM brothers.

JOHN NASH (1752-1855). Eg: Regent’s Park. London. Cumberland Terrace. London.

WILKINS (1778-1839). Eg: National Gallery. London. (1833).

Smirk (1781-1867). Eg British Museum. London. (1823-1847).
United States.

Neoclassicism runs parallel to the independence and construction of the new country.

Thorton, Bulfinch and WALTER. Eg Capitol. Washington. (1827-1865).

There are several factors that favor the development of neoclassical architecture: the Academy of Fine Arts of San Fernando, founded in 1752 by Fernando VI, reacted against the Baroque art taken as a model the Greco-Roman ideal.

The coming to power of the Bourbons who surround themselves with Italian and French artists too imbued with the spirit of neoclassicism.

The impetus given to architecture and urbanism by Carlos III (1759-1788). Distinctive feature of Spanish architecture from Neoclassicism is the abundance of religious buildings, a consequence of the power of the Church in Spain.

Development planning: planning the Madrid Chamber Prado with fountains and Neptune’s, Apollo and Cybele, new doors are constructed monument like them Alcalá, Toledo, remodel existing cities and towns build new plant as The Carolina and El Ferrol New imposing the regular route.


Although their training is baroque, is considered the initiator of the transition to Neoclassicism.

Juvara collaborator in planning the gardens of the Palacio de Oriente.

Eg Facade of San Francisco el Grande. Madrid. Customs House. Ministry of Finance). Madrid. Puerta de Alcalá. Madrid. (1778). Enlargement of the Palace of Aranjuez. Projects for the development of the Salón del Prado. Madrid.


Evolving from the baroque to classicism Borromini Juvara and Sacchetti. Eg: Church of San Marcos. Madrid. Capilla de la Virgen. Basilica del Pilar. Zaragoza. Facade of the Cathedral of Pamplona. Capilla del Palacio Real. Madrid.

JUAN DE VILLANUEVA (1739-1811). Principal architect of Spanish Neoclassicism. Removed the remains of neoclassical architecture baroque Spanish. Anticipated the functional design and the austerity of shapes and volumes of the «architecture of reason.»

Eg Casita de Arriba. El Escorial. Casita del Príncipe. El Escorial. Home Botanical Garden. Madrid. Museo del Prado. Madrid. Oratory Church of Caballero de Gracia. Madrid. Astronomical Observatory. Madrid: influence of Palladio. Reconstruction of the Plaza Mayor. Madrid. (1790).

Other important works.

Monument Project Dos de Mayo. GONZALEZ VELAZQUEZ. Madrid.

Vistahermosa Palace. Lopez Aguado. Madrid.

Puerta de Toledo. (1813-1817). Madrid. Lopez Aguado.

Theatre loyal. Madrid. Lopez Aguado.

Congress of Deputies. (1843-1850) Pascual y Colomer.


National Library. Madrid. FRANCISCO Jarrett.

Stock Exchange Building. Madrid. E. REPUELLES.

Senate Building. Madrid. ALVAREZ Bouquel.

Facade of the Cason del Buen Retiro. Madrid. Velazquez Bosco.


Rationality prevails calm and serene expression on the irrationality of the rash.

Mimics the style of the great sculptors of antiquity, especially the Greeks. Are taken as models classics because they want to think intellectually about beauty.

Towards realism and expressionism of Baroque sculpture oppose the serenity and beauty of classical sculpture: there is a reaction against the painterly effects, theatricality and the overflowing of the Baroque movement.

Neoclassical artists sought to fulfill the right forms, ideals, there is a tendency to emphasize the value form the outline and the formal beauty of the figures and objects are avoided strong contrasts of light and dark, it gives a representation of a soft modeling polished and smooth.

In general, more interested in purely formal beauty of the spiritual power of the work. So fall in the cold and the excessive uniformity.

Preferred materials: white marble and bronze.

Main events: sculptures, ornamentation of public buildings, memorials, funeral monuments, portraits, etc.
European representatives.

ANTONIO CANOVA (1757-1822). He advocated a return to classic standards. Venetian combines sensitivity with neoclassical idealism resulting in a soft and delicate art. He was inspired by Roman copies of Greek works. Knew no Greek originals until the end of his life.

Great coach: virtuosity in performance.

Topics: mythology, tombs, portraits, eg Mausoleums of Clement XIII and Clement XIV. Venus. Pauline Borghese. Perseus. Eros and Psyche.

ALBERTO Thorvaldsen (1770-1844). Danish, lived and trained in Rome. He became interested in Greek works of the original before it: in his work can be seen the influences of Polykleitos, Phidias and Praxiteles.

Grand and monumental style to represent the heroic. Cold and academic figures due to excessive formal correction.

Eg Jason and the Golden Fleece. Amor and Psyche. Ganymede and the eagle.

Slow and late arrest of neoclassical forms. Marble and bronze moved to the painted wood.

Topics preferably profane, memorials and portraits religious themes lose much importance.

Jose Alvarez Cubero (1768-1827). Influenced by Canova.

Eg Defense Zaragoza. Madrid. (1825). Apolinar. Love sleep.

DAMIAN CAMPENY (1771-1855). Influenced by Canova and although some works have a romantic. Eg Lucrecia dead. (1804).

SINGLE ANTONIO (1787-1861). Eg Daoiz Monument and Velarde. Madrid. (1830). Statue of Cervantes. Madrid. (1835).

Ponciano Ponzano and JOSÉ PIQUER. Mark the transition between Neoclassicism and Romanticism. Eg Fronton court. Madrid. (P. Ponzano).


Triumphs in the late eighteenth century favored by the ethical principles espoused by attacking the character Encyclopedists artificiality of many of the works of the Rococo.

In the absence of pictorial remains of the Greco-Roman, Neo-Classicism was inspired by the sculpture, especially in the reliefs, which will provide a distinctly sculptural pictorial representations neoclassical.

Predominantly academic drawing over color.

Clear and diffuse light.

The basis of beauty is the harmony of proportions and lines.

The main topics are: portraits, mythological and historical paintings.

JACQUES LOUIS DAVID (1748-1825). Representative of the French neoclassical painting. Style cold, severe, balanced, as opposed to the rococo spirit. Take good care of the design: it gives priority to form over color and light. The figures are well-defined contours, as sculptures.

Shallow symmetrical compositions and figures arranged in parallel rows.

Look for heroic themes and nudity as examples of beauty and perfection, whether it is issues of old themes of his time.

Linked to the French Revolution will subsequently appointed official painter of Napoleon Bonaparte: all this will be reflected by it in their paintings.

Ex: The Oath of the Horatii (1784). Rape of the Sabine Women (1789). Death of Marat. (1793). Coronation of Napoleon (1805-1807).

Jean Auguste Dominique Ingres (1760-1867). Disciple of Louis David, but practice a more poetic, almost pre-Romantic. Paint loses its political content of his teacher had.

Highlights the treatment of the female nude and oriental themes. Poorly accepted in France, he worked almost exclusively in Rome. Psychological distress in their portraits.

Ex: Apotheosis of Homer. The Turkish bath. The source (1864).

Girodet, Gros, GERARD.

All of them are followers of David. Presented as a concept in the treatment of pre-Romantic themes.

Sparse roots of the classic. Some painters fantastic and allegorical topics as Fuseli (1741-1825) and

BLAKE (1757-1828). The most common themes remain the landscape. Landscape as Constable and Turner will link with the romantic landscape.

Important role of the Academia de Bellas Artes de San Fernando created in 1752 by Ferdinand VI. Predominant secular painting, manners and acquired great development of fresh air.

Foreign painters:

Anton Raphael Mengs (1728-1779). German, came to Spain by Charles III called 17ó8 staying up, back in 1771 to two years before his death. Initiator, promoter and disseminator of Neoclassicism in Spain.

Practiced portrait and fresco painting with allegorical subjects, religious and mythological. As part of the refinement portrait even though the cold Rococo Neoclassicism itself. Safe and careful drawing.

Eg Gasparini Room. Palacio Real. Madrid. Queen’s chamber. Palacio Real. Madrid. Carlos III.

Spanish Painters:

Bayeu FRANCISCO (1795). Painter to Carlos III. Decorator al fresco.

Ramon Bayeu (1793). Painted genre scenes in cartoons for tapestries.


VICENTE LOPEZ (1772-1850). First painter to Ferdinand VII. It was primarily a portraitist.

Academics, dibujístico style and meticulous sense of color applied like nail polish. Idealized vision of society.

Ex: Portrait of Fernando VII. Portrait of Goya.

José Madrazo (1781-1859). DAVID LUIS disciple, practice a cold and bombastic neo-classicism. Painter and director of the Prado Museum (1838-1857). Topics: portrait, historical, religious, etc.

Of all the eighteenth-century Spanish painters Goya is the most prominent and therefore deserves a special mention and a more thorough sense.
Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828)

Born in 1746 in Fuendetodos (Zaragoza). After making his studies at the College of the Pious Schools of Zaragoza, he entered the workshop of Joseph Luzán (1760). He moved to Madrid in 1763 with the aim of winning the competitions of the Royal Academy of San Fernando and get a scholarship or pension granted to the agency to study in Italy. Fails and in 1770 traveling on your own to Italy, where he learned the art of fresco, the art of composition and the color.

In 1772, decorates one of the vaults of Pilar de Zaragoza and made several pictures for the Charterhouse of Aula Dei.

His marriage in 1773 to Josefa Bayeu sister Bayeu painters, makes it easier to become a cartoonist at the Royal Tapestry Factory of Santa Barbara. Here remain from 1774 to 179 during these years also have access to the Royal Collections and can meet the great masters, especially Velázquez.

In 1780 he was named scholar of San Fernando, featuring on the occasion of his reception at the Academy box «Christ on the Cross», clearly influenced by Velázquez. His fame in the Court is growing and in 1786 he was appointed painter to Charles III. In 1789 Charles IV appointed him court painter. Begins an intense relationship with the Enlightened: Jovellanos, Moratín.

After a serious illness suffered in Cadiz in 1792 is nearly deaf and this has a decisive influence on his painting: lost cheerful and optimistic and becomes more intimate and pessimistic. This change was seen in some paintings of this period as «The Burial of the Sardine, or» mad house. «It also performs two of his most important works:» Los Caprichos «and the» Frescoes of the hermitage of San Antonio de la Florida.

In 1799 Charles IV appointed him first painter to which it reaches the top of the official victory. In these times is when you make the most important paintings of the royal family.

In 1808 came another crisis in the life of Goya: the War of Independence increases pessimism and critical nature. Is bound to be painter Joseph I.

In 1812 his wife Josefa died Bayeu.

The return of Fernando VII in 1814, Goya has problems due to its enlightened and liberal ideas and some of his paintings with the Inquisition and the king himself.

In 1819 he moved to a farm across the Manzanares, the «Quinta del Sordo.» They painted one of his most famous works: The Black Paintings. Suffer a new and serious disease that intensifies his isolation.

Given the escalation of absolutism after 1824 for fear of reprisals by the King, Goya goes to Bordeaux where he will stay, but two short trips to Spain until his death on April 16 of 182

There was a precocious artist. His style was formed and slowly evolving under the influence of the events that played live and that affected him deeply.

His art is in permanent evolution: gradual progress in technology, seeking new forms of expression, continuous correction and deepening.

Goya’s art is full of contrasts gives us representations of joyful celebrations that exalt life with dramatic events and death, scenes of children playing happily and other mysterious and amazing part in covens of witches, portraits of the nobility but also of the enlightened and «nice people» and «majas» symbolizing the popular. Beauty painted with exquisite delicacy, but also learned to reflect the ugly, terrible, monstrous.

In Goya says something that, according to Victor Hugo, is typical of the modern world: the grotesque. Faced with the academic of his teachers and his contemporaries, opposing the neo-classical aesthetic. The picture becomes less important compared to color, inspiration and movement.

Was essentially colorist painter: the essence of painting, for it is the color. He claimed that his real teachers were Velázquez, Rembrandt, and nature itself. The first inherited the love for the psychological portrait; the second, the spiritual depth and paste technique; of his third master, nature, there is abundant evidence in the landscapes of the tapestry cartoons.

But there is another factor, imagination. Goya knew no limits to their powers and this is appreciated for its romanticism. Combines realism with imagination creating, from reality, his own world where fantasy and play a critical role even more important than visual reality.

Create a testimonial art and committed to conducting a review of all social strata: Cut, church, nobility, society in general. Thematically his work is very varied, being present in almost the same gender sludge.

Primarily used the technique of oil applied on different materials (canvas, board, wall, etc..) But also makes fresh, lithographs, etchings, etc.

Type normally used neoclassical compositions, ie tending to geometric and regular management. The figures are grouped into triangles, squares, pyramids. To distinguish good characters in the group portraits created parallel oblique lines. However, in the maturity stage composition seeks freedom, but always keeps guiding lines that avoid the chaos of composition.

In a very general can be distinguished in two ways to Goya:

* Optimistic and happy life:

Rococo cheerful environment issues.

Drawing outline.

Vivid color and light brush strokes applied to a very equal basis.

Geometrically arranged compositions.

* Pathetic pessimistic view of life:

Critical issues, dramatic and dark fantasy.

Drawing broken and even, sometimes, just right.

Application-based color stains, loose brushstrokes luminous vibration.

Greater freedom in the compositions.

Indisputable historical significance of Goya’s contemporary, yet LUIS DAVID is the polar opposite of his painting. Influenced many Spanish painters as ALENZA AND LUCAS and especially French painters of romanticism and realism, especially in MANET and Courbet.

Announces a series of pictorial movements later:

* Romanticism: its individualism, on the psychological distress of his portraits, by the passion and excitement of some of their songs. Eg: The loading of the Mamluks.
* Impressionism: its loose brushwork and vibrant. Ex: The Milkmaid of Bordeaux.
* Expressionism: its disregard for how to achieve greater expressive value. Ex: The black paintings. Disasters of War.
* Surrealism: For the fantasy world it represents. Ex: Nonsense and whims.


* Cartoons for tapestries:

More than cartoons are actually oil paintings. Make 54 during his stay at the Royal Tapestry Factory.

Try the popular themes of Madrid: street parties, processions, games and more. There are scenes full of grace and poetry.

The popular characters appear dressed in traditional costumes of nice people and pestles.

Use light colors, a wide range of color and blurs the boundaries which makes the work of the weavers. Be seen in them a clear evolution:

* In the first, coinciding with the reign of Carlos III, around 1776, used flat colors, sharp picture and hunting issues.
* Later, Carlos IV, around 1780, performs traditional themes and color-stained celajes rococo influence. Maintains a central geometric composition with trees that make a diagonal and architectural backgrounds. Works:

* The umbrella.
* The Crockery.
* The Swing.
* The Four Seasons.
* The blind man.
* The puppet.

* In his last cards, the influence of the Enlightenment, makes topics that manifests some social criticism, as «The Wedding.»

* Portrait:

Gender was the most cultured, posing for Goya people from all walks of life: kings, nobles and celebrities. He felt a special predilection for the female portrait.

It is characterized by its realism and honesty, reflecting perfectly portrayed, but sometimes manifests the interest, sympathy or indifference to the Goya was portrayed.

Evolved from the elegant and static portraits of the early years until 1800 to run around loose brushstrokes base, short and light, drawing lines based on broken, discontinuous and greater insight.

Excellent treatment of the qualities of clothing, objects, etc. Works:

* Carlos III hunter.
* Family of the Duke of Osuna.
* The tyrant.
* Francisco Bayeu.
* Josefa Bayeu.
* The pestles.
* Countess of Chinchón.
* Family of Charles IV (1800).
* Fernando VI.
* Self-Portrait.
* Mariano Goya.
* The Milkmaid of Bordeaux (1827).

historical themes

Key issues on the War of Independence, distinguished by their expressionism, a real indictment of the cruelty and barbarity of war.

His compositions are complex, full of movement and action. Works:

* The Colossus.
* Dos de Mayo or the Charge of the Mamelukes (1814).
* On May 3 or the shooting of the Moncloa (1814).

religious painting

It was not much cultivated by Goya and performs both as a fresh canvas. While some paintings too are guilty of scholarship, others have a deep religious feeling. Works:

‘Christ on the cross, Academia de Bellas Artes de San Fernando.
* Fresh from San Antonio de la Florida, Madrid (1798).
* Last prayer of Saint Joseph of Calasanz (1819).
* Prayer in the garden.

black paintings

They are named by both the color used (white, black, ocher, golden-green), for his dark significance pessimistic, gloomy and hopeless. Are macabre scenes of witchcraft and difficult to interpret, expression of an interior world barren and terrible, mind-boggling.

Fantasy and imagination unleashed presided over its execution. Works:

* Coven.
* Old eating soup.
* The Fates.
* Saturn devouring his son.
* Dog buried in sand.

prints and drawings

They are highly expressive and full of vigor. Through them take a critique of society and politics of the era and mixes them pessimism, humor and satire.

* Caprichos:

* Includes a total of 80 films and started its implementation in 1797, being published in 1799. For fear of the Inquisition them up and gave it to Carlos IV.
* They are inspired by his own imagination, popular prints, in the sayings of the people and magic books.
* Use a broad form, a solid composition, a sharp contrast in black and white which accentuates the effects of light.
* The second part of the collection, from «The Sleep of Reason» is invaded by a horrible and grotesque animals, devils and monsters. Works:

* The Sleep of Reason Produces Monsters.
* What is the coconut!
* God’s forgiveness and his mother.
* What a sacrifice!

* Disasters of War:

* Made between 1810 and 1819, depict scenes of what he saw, what you have, or simply what you think. Works:

* Rightly or wrongly.
* Great achievement! With dead!

* Bullfighting:

* Published in 1816, constitute a veritable encyclopedia of the art of bullfighting.

* Nonsense:

* Made between 1820 and 1822, expressed a fantasy world of dreams.
* It is the most personal work of Goya seems to announce surrealism.


Location chronological and spatial changes:

* Ideological: the development of liberalism.
* Economic, industrial revolution. Expansion of capitalism.
* Policy: implementation of Liberalism: gradual replacement of absolute monarchies and constitutional systems, development of nationalism, colonial expansion.
* Social: Final substitution of society by class estates. Development of the bourgeoisie. Formation of the proletariat: the «social question» and the labor movement.
* Culture: Scientific Advances. Application of sound principles and experimental.


* A key aspect of this century is the great force that presents the political, ideological, economic and social rights and their enormous impact on the art world.
* They develop a large number of artistic movements that respond to rapidly changing political, economic and social development.
* Rebellion against reason and the academic of the previous century.
* Numerous scientific advances that affect the different artistic movements.
* The nineteenth century man discovers the civilizations unknown or poorly studied: CHAMPOLLION trip to Egypt, investigations in the Middle East, home of prehistoric studies by Boucher de Perthes, a triumph of archeology began in the eighteenth century with the discoveries of Pompeii and Herculaneum, etc.
* Nationalism fosters a love of folklore, as customary, especially during the Romantic period.



A mismatch with painting and sculpture.

* The architecture is affected by the profound social changes operated by the Industrial Revolution. Must respond to new demands of society:
* Technological advances and the invention of new machinery for the production require the construction of new factories to replace the traditional craft workshops.
* The economic and trade development raises the need to build a new type of buildings in line with the new requirements, bridges and public works, museums, libraries, pavilions for international exhibitions, population growth in large cities causes urban problems.
* The nineteenth century is presented as contradictory in the field of architecture: the aesthetics of form precludes the aesthetics of function. Throughout the century, two major lines of action defined the task of architecture: architecture, art and architecture-engineering. Some architects try to link the two trends by searching the memory of past styles means they investigate new materials such as iron (Viollet le Duc), or worrying about purely aesthetic possibilities of engineering (Eiffel).
* The architecture will benefit from movements such as Romanticism and colonialism are taken as models of medieval buildings and other exotic cultures.
* Play a major role in the development of architecture of new materials. Some, such as iron, were known in antiquity, but its use is essential since the nineteenth century. Complementing the glass is used. The cement will not make its appearance until the late nineteenth century so as to reach its real importance in the twentieth century.
* The main problem is the architecture is to find a new style as it is put into question the artistic value of Neoclassicism. The inference from this search is the appearance of «Eclecticism» is copied to other earlier styles, mainly gothic, but does not create a new architectural language.
* The architecture of the XVIII century can be divided into the following four sections:

* Architecture historicist or eclectic.
* Architecture of the new materials.
* The Chicago School.
* Modernism.
* Special mention study of urbanism.



* Also known as a time of «revivals.»
* It is, in essence, a movement that aims to revive romantic character and imitate construction types and styles of the past, especially the Middle Ages.
* Several factors contributed to its implementation:
* The romantic reaction against neoclassicism cold.
* The desire to find in the past the roots of one’s personality in an era of profound historical imbalance.
* The rejection of the new technique dehumanizing.
* Reasons nationalist politicians who sought excitement and revive find the origins of civilization itself.
* There are significant differences between the historicist architecture of the various nations: their importance did not reach the same size in all of them, nor resurrected the same styles. As more jobs were those of medieval origin, especially the Gothic, but also build structures neoegipcias, neohindúes, neochinas, Neo-Mudejar, etc.
* This historicist architecture does not differ from the architecture of the new materials: there was construction using iron and glass architectural forms of the past, and, moreover, was historicist architects whose research paved the way for modern architecture .
* Historicism employs one or another style as the building’s function. This meant thinking about how something subordinate to the function, which prepared the advent of new architectural concepts.
* This historicism is also seen in the literature include authors such as Walter Scott, Victor Hugo, Gustavo Adolfo Becquer, etc.


EUGENE Viollet le Duc (1814-1879). Great scholar of the Gothic style.

Recommends the use of iron in Gothic structures very suitable, he said, for new buildings required for the industrial society.

Restorer of medieval buildings: cathedrals of Amiens, Vezelay, Saint Chapelle in Paris, etc.

They are also built in France as the neo-Byzantine buildings SACRE COEUR Paris.

It was where more acceptance was the Gothic style that was considered national: in 1818 it was to enact a law on compulsory use the perpendicular Gothic for all new churches were built.

BARRY (1795-1863) and Pugin (1812-1852). Example: Reconstruction of Parliament in London.

RUSKIN (1818-1900). Neogoticismo great theorist of «The Seven Lamps of Architecture.»

SCOTT (1811-1878). Example: Monument to Prince Albert. Kensington Park. London.

Neohindúes buildings are also constructed as an example of colonial influence among them the Royal Pavilion in Brighton (1818) J. NASH.

At that time in Spain there is a total disorientation combined classical forms with medieval and Renaissance elements.

Was raised, primarily, the plateresque, Mudejar and Gothic.

Highlights several important buildings:

Schools Aguirre. Madrid. AYUSO RODRÍGUEZ. (Neomudéjar).

Bank of Spain. Madrid. E. ADARO. (Neo-Renaissance).

Monument to Alfonso XII. Parque del Retiro. Madrid.

Almudena Cathedral. Madrid. Launched by the Marques de Cubas and continued Chueca Goitia.

Church of San Ginés. Madrid.

Church of San Jerónimo el Real. Madrid. Narciso Pascual y Colomer.

Plaza of Spain. Sevilla.


The use of new materials not accompanied by the creation of a new architectural language: it continues to use solutions and elements of the past.

Confrontation between architects and engineers: the first are considered creators of beauty without connecting to the changing needs of industrial society, the second looking at all troubleshooting, utility, apart from cosmetic concerns.

As a result of the above works will be entrusted to one or the other depending on the nature of them.

Materials: iron, cast glass, steel, reinforced concrete.

The advantages of using these new materials are many:

Until the use of new materials architecture was based on the elevation of walls through the juxtaposition of solids. The new materials change this situation by shifting the weight of the building and the balance on a framework whose holes are filled after the other materials.

The invention of beams, arches and brackets, both metallic and concrete, allow a spacing of the support points of the construction and perfectly ordered more thrust.

The removal of such load-bearing walls and the reduction of the vertical structure sustainer enables freedom of composition and distribution of the broad areas covered.

Vaults can be lifted and large-scale multi-story overlay maximizing the buildable space.

The new materials allow faster and cheaper.

Consequently, the height of the building, increasing the area covered and the extent of the volume originated, all create a revolution in the world of architecture.

During the first half of the nineteenth century, iron is used only for utilitarian reasons, not for aesthetic purposes, from the second half of the century is beginning to raise voices in defense of the aesthetic value of iron.

Types of works.

* Bridges.

The first iron bridge dating from the eighteenth century. Iron are made by adapting the methods from the stone building.

In the first quarter of the nineteenth century they made suspension bridges.

Example: Bridge over the River Severn. England. (1779). Sunderland Bridge. England. (1793). Bristol Suspension Bridge. England. (1832). Pont des Arts. Paris. (1801-1803). Austerlitz Bridge. Paris. (1806).

* Buildings.

Of varied type: factories, railway stations, department stores, markets, malls, libraries, etc..

In the late eighteenth century began to use iron supports in the interiors of buildings. The walls were still made of traditional materials (brick, stone, etc.).

Then the entire structure is made of iron, although at first only applied on the interior. The walls become exclusively on elements of enclosure. Apply to outdoor when combined with glass.

The glass was also widely used for certain buildings such as shopping malls, greenhouses.

To generate new materials used for construction of an industrial building, for aesthetic reasons such buildings are excluded from the traditional type, when using the iron structure, it is masked with masonry using traditional architectural forms .

Horeau perpetrators (1801-1872).

He defended the use of new materials without hiding, but could not implement their projects. Example: Project «Les Halles Centralles.» Paris.

Labrouste HENRI (1801-1875).

Using iron and glass and is manifested in his desire to find rational architectural form derived from the function. Example: Library of Santa Genoveva. Paris. (1843-1850). National Library. Great Reading Room. Paris. (1868-1878).

C. BRODRICK. Example: Corn Exchange. Leeds. (1860-1863).

Barlow and ORDISH. Example: Cover of St. Pancras station. London. (1863).

G. MENGONI. Example: Galleria Vittorio Emanuelle. Milan.

BRUNET and Bellanger. Engineer and architect, respectively, assist in the construction of new buildings. Eg wheat market. Paris. (1811).

James Bogardus (1800-1874).

American who has the idea of replacing the exterior walls of the buildings facades of cast iron combined with glass.

RICARDO VELAZQUEZ. Eg Crystal Palace. Parque del Retiro. Madrid.

* International Exhibitions.

They develop from the second half, the nineteenth century as a sign of industrial and commercial progress of the liberal economy.

The pavilions are built of prefabricated iron components may be assembled and disassembled as needed. This is the reason that many of these flags are not preserved today.

The first exhibition dates from 1851 and is held in London, other important were those of Paris in 1855 and 188

Palacio de Cristal. London. (1851)

* It covered an area of 7000 m. Based on the system of greenhouses. Built of prefabricated units and modular: cheaper construction. It was later dismantled.
* Palace of Industry. Paris. (1855). Made by Cendrier and Barrault. Beats light (inner width of the ship) at Paxton.
* Living Machine. Paris. (1889). Made by Duterte and CONTTANCIN. Huge interior space covered without intermediate columns. Was removed in 191
* Torre. Eiffel. Paris. (1889). Author: GUSTAVO ALEJANDRO EIFFEL. (1832-1923). Widely criticized at the time, is a symbol of the city of Paris.


A mid-nineteenth century in the U.S. occurs a strong architectural impulse. Factors facilitating this development are:

* The American practicality.
* The existence of new urban needs.
* The great development of the technique.
* Part of the European heritage but plan cities with large boulevards and tall buildings much higher than that of European buildings.
* Its advantage over Europe is not subject to any tradition and can design buildings according to current needs.

The starting point is the Chicago fire in 187 wants to rebuild the city is non-combustible materials: iron and concrete and refractory ceramic facades.

Subordinate to the function space. Dispense almost entirely of decoration. Skyscrapers are built helped by:

* The need to maximize the sun given the price.
* The discovery of the elevator and the telephone.
* The use of overlapping metal armatures that allow many plants.
* The streamlining of bureaucratic and social life concentrated in one area of the various services.

The Chicago School imposed a new aesthetic that changed the face of cities.

A. RICHARDSON (1838-1886). Labrouste Disciple. Eg Marshall Stores. Chicago. (1877).

William Le Baron Jenney (1832-1907). Initiator of the school: first builder of skyscrapers.

Replaces the outer walls by metal structures that can open large windows.

More concerned about functionality than aesthetics. Vertical and horizontal balancing an academic sense. Example: Home Insurance. Chicago. (1883-1885).

LOUIS SULLIVAN (1856-1924). Principal representative of the school.

Laid the foundations of functionalism of modern architecture. He is credited with the phrase: «Form follows function», the foundation of our rational and functional architecture.

Window created the kind of landscape as much success in the twentieth century. Eg Auditorium. Chicago. (1887-1889). Wainwright Building. Saint Louis. Guaranty building. Buffalo.

Surge in Belgium developed between 1890 and 1910. When you receive is called ART NOUVEAU in a completely circumstantial: Van de Velde had decorated in Paris in 1895 a store called «L’Art Nouveau.»

It spreads rapidly across Europe, thanks to magazines and received different names:

* Spain: Modernism.
* France and Belgium: Art Nouveau or Style Metro.
* Austria: Sezessionstil.
* England: Modern Styl.
* Germany: Jugendstil.
* Italy: Liberty.

Consideration by schools is very difficult due to the great originality of the artists but they all have in common is their desire to create new forms. Several factors contribute to its appearance:

* The new middle class enriched and refined, eager for an art rooted in the past but more elegant and better than the historicist architects or engineers of iron.
* Romantic movements that advocate the use of a free and creative imagination, of subjectivism and defense of pleasure they bring the arts.
* The Fatigue historicism.
* Reaction against the architecture resulting from the new technique becomes the decoration as an attempt to create a fine art and friendly.
* Images of Morris and Ruskin who advocate integration of the various arts and craft turn methods.
* Your immediate predecessor is the English movement «Arts and Crafts» (Arts and Crafts), which advocated the manufacture, by methods crafts, decorative objects and common use much care the aesthetic quality of the designs used in its implementation.
* Individualism and creative imagination.

Modernism seeks on the one hand, to a new art, no relation to the art forms of antiquity, but usually is filled with historical memories, on the other hand, want to take advantage of modern technology but reacting against vulgarity and ugliness of manufactured goods.

There is a desire inclusive of all arts. Try to abolish the traditional separation between so-called «major arts (architecture, sculpture and painting) and» minor arts «or applied. All must join to set up a building.

They are used new materials produced by industry, mainly glass and iron, along with others that provide character to the buildings (tiles, glazed bricks, graffiti, etc.)..

The decor takes a close-in modernist architecture:

* It is characterized by imitating nature in a more or less abstract. The decorative motifs are taken from the flora and fauna, winding stylized floral stems, buds, trees, peacocks, octopus, dragonflies, dominated by curves and undulating lines, asymmetry, arabesques, etc.., Use these issues are not so traditional but trying to create a new decorative language.
* The building is designed like a living being sinuous surfaces, the asymmetry in the distribution of windows and doors, decorative motifs, all contribute to produce the sensation of movement.
* The colors is another characteristic of modernism.
* Modernism anticipated some of the architectural solutions of the twentieth century: the desire of the structural elements become visible and function as essential parts of the decorative system.


Victor Horta (1861-1947). Creator of the modernist style. It was the first to realize the possibilities and decorative iron. Curved structural elements like plant stems.

Eg Solvay House. Brussels. (1895). Casa del Pueblo. Brussels. (1897-1900.) Now destroyed.

HENRY VAN DE VELDE (1863-1957). Architect, decorator and painter. 190th in Germany led in the School of Arts and Crafts in Weimar, the famous Bauhaus years 3 also led the first journal of modern design: the Werkbund.

Ex: Museum Folkwang. Hagen.

HENRI GUIMO) (1867-1942). It is considered more as an architect designer: handmade works by drawing each of the decorative elements and then pass the iron. Preference for use of this material, but uses materials of different colors to give more variety to the decor.

Example: Metro stations. Paris.

Charles Voysey (1857-1941).

Charles Harrison Townsend (1852-1928).

CHARLES RENNIE MACKINTOSH (1868-1928). Precursor of rationalism: it creates the space based on very simplified volumes. Example: School of Fine Arts. Glasgow.

OTTO WAGNER (1841-1918). Preference for flat surfaces and geometric structures. Absolute freedom in the pursuit of space and the distribution of the interiors. He ended by proclaiming the primacy of structure on the decoration.

Eg metro station (Karlsplatz and Schombrunn). Vienna. Majolica House. Vienna. Postal Bank. Vienna.

JOSEPH M ª OLBRICH (1867-1908). Orthogonal structures. Eg Secession Building. Vienna.

The main center is Catalonia: Industrial development and existence of a strong commercial bourgeoisie.

ANTONIO GAUDI (1852-1926). Considered by Chueca Goitia as the most brilliant architect of European modernism.

He began practicing architecture medieval character, evolving into a more functional architecture and evaluating the integration in the same sculpture, painting and applied arts.

Their paths are of great originality lavishes undulating surfaces and parabolic arches, columns tilted, etc. Everything seems to come alive. Live and intense chromaticism.

He is the architect who created most daring sculptural forms to auctions of towers, chimneys, etc.. In its decorative themes highlights the love of nature: plant forms, animals, etc. Use all types of materials: concrete, stone, iron, mosaics.

Example: Casa Vicens. Barcelona. (1880). Güell Palace. Barcelona. Teresian College. Barcelona. (1888-1890). Park Güell. Barcelona. (Started in 1889). Casa Batlló. Barcelona. (1905-1907). Casa Mila (La Pedrera). Barcelona. (1905-1910). Temple of the Sagrada Familia. Barcelona. (1883-192O). Unfinished. Archbishop’s Palace. Astorga. House of Boots. Leon.

LLUIS Domenech i Montaner (1850-1924). Example: Palace of the music. Barcelona.

Joseph Puig (1867-1957). Eg Terrades House. Barcelona.


The Industrial Revolution brought profound changes in the cities, especially in manufacturing. Population growth and the concentration of large masses of people quickly become the macro-cities.

There was, however good answers urban, prevail in the planning of cities purely speculative: utilitarianism and production reasons.

The city was divided into two distinct areas:

* The workers’ districts, located around the factories and housing configured crowded, lacking the minimum living conditions and hygiene.
* The residential areas of the wealthy bourgeoisie with wide avenues and green spaces.
* The need to adapt the city to the new means of transport.


Utopian visions.

* They want to create new cities in line with industrial development and better living conditions for workers.
* They had a testimonial value than technical: the projects were not viable because they were based on the construction of new plant cities, forgetting the old urban areas where many people lived and could not be demolished.
* If you influence, indirectly, in the proposed widening of the old cities.
* Background: C. Nicolas Ledoux.

ROBERT OWEN (1771-1858).

CHARLES FOURIER (1772-1837). Eg phalanstery.

JEAN BAPTISTE GODIN (1817-1889). Eg Familisterios: renunciation of common life.

Large urban transformation.

The most accepted was the path in grid, both for economic reasons, land speculation, for socio-political reasons, better management of the population.

Baron Haussmann (1809-1891), mayor of Paris, carried out the reform of the city center between 1853 and 1870.

Grid Layout: To facilitate traffic to quickly quell any revolutionary type of street fighting, to facilitate military parades, to prevent outbreaks of epidemics and create large areas of ride (the boulevards, etc.)..

Boulevards were performed with rides in the center: a major contribution to urban planning.

Some criticize the work of Haussmann so is the destruction of the medieval town, while others praise it because it kept baroque vision of the great prospects.

Decisively influenced the increases in other cities such as Florence, Vienna, Brussels, etc.

It follows CERDA ILDEFONSO plan (1816-1876), held in 1859. Was guided by the ideas of movement and communicability, drawing large diagonals.

Something similar takes place in Madrid (barrio de Salamanca) in 1860 (Carlos María de Castro), San Sebastian, Bilbao, etc..
-Linear City project.

Arturo Soria y Mata (1844-1920), attempts to reconcile the benefits of life in the country (many green areas) with those of a big city. His project is based on the design of a lane bordered by a narrow band urbanized, and whose growth was only longitudinal. Attached particular importance to public transport.

Was implemented in 1882 in Madrid but it was finalized and distorted gradually.
Garden City Project.

HOWARD published in 1898 a book entitled «Tomorrow» which it set out its ideas for a new type of planned city. Its aim was to build small towns, surrounded by land for cultivation, linked together by fast routes.

They had to be small (no more than 3,000 people) and self-sufficient, which gave them a strong identity. He based his project in the defense of collective ownership of land as a means of avoiding speculation and excessive growth of cities.
Industrial city project.

TONY GARNIER (1869-1948) published in 1917 an industrial city project.

Divide the city according to their functions: work, residence, recreation areas, roads, etc.. The industrial zone was placed on the outside and the core of the city was placed where the public buildings, hospitals, libraries, etc..

Planned in a linear manner to allow expansion. Rationalistic planning anticipates the XX century: houses on stilts, garden terraces, rectangular management, etc.
Draft futuristic city.

Sant’Elia ANTONIO (1888-1916) imagines the modern world based towers of glass and transport interconnections at different levels. His plans never materialized, but have a decisive influence on architects and planners of the twentieth century.

General characteristics

The picture nineteenth-century European sculpture was not very bright except for some very specific artists such as Rodin.

Two factors may be causes of the delay of sculpture in relation to painting:

* Increased control over the sculptors Academies: sculpture turns into a formalist art, completely meaningless.
* Limitations inherent to sculpture: there is no continuous evolution and you can see a historical-evolutionary isolation.

The dominant trend was that imposed by the Neoclassic style. The authors move. Within a certain eclecticism that hinders their membership of a particular movement.

Remain the last eighteenth-century artists as Canova and Thorvaldsen.


It starts at the end of the first quarter of the nineteenth century (1830). Reaction against the coldness and stillness of the neoclassical sculptural: a sculpture stands more lively and passionate.

The model tends to rough surfaces and grand gestures. It uses a painting technique (chiaroscuro effects) and is intended to capture the movement and passion. They avoid the contours so that the color is the protagonist.

Small statuettes to decorate the interiors of the town houses and memorials are also held.

Topics: those who stress the nationalist fervor, monuments to famous people and literary themes that represent the national glories.


FRANCOIS RUDE (1784-1855). Nationalist. Evolved toward realism. Eg, La Marseillaise. Arco de la Estrella. Paris.

Gragera JOSEPH (1818-1897). Eg Statue Mendizabal.


Especially interested in the surrounding reality: nature inspires the sculptor. Issues of social content. Popular types.


Jean Baptiste Carpeaux (1827-1875). Considered as the initiator of Realism. It breaks with the classical academic art resurrecting a funny, based on French Rococo. Greater accuracy in representations. Cares about capturing movement. Example: The Dance. The opera. Paris.

MEUNIER. Ie, the stevedore The Blacksmith.

Auguste Rodin (1840-1917). Main European sculptor of the nineteenth century breaks completely with the Neo opening the way for twentieth-century sculpture.

* Unfinished appreciated as an essential part of reality. He used the technique of «non-finite» learned of Michelangelo.
* Powerful modeling of rough surfaces.
* Captured the importance of light in sculpture: Multiply the plans to achieve chiaroscuro effects. Consummate master of the movement.
* It was beyond realism, his work can be classified as prints.
* Topics: mainly those connected with the man.
* It evolved into the symbolism and expressionism.

Ie, the thinker. The Burghers of Calais. (1886). The kiss. The Bronze Age. (1876). Cathedral.

Ricardo Bellver (1845-1924). It is an eclectic romantic-realistic. Barroquizante in its forms, knows how to capture the drama of his figures. Example: The Angel broth. Parque del Retiro. Madrid.

Agustín Querol (1860-1909). Follow Rodin but lacks the strength and expression. Soft modeling: the forms vanish. Eg Quevedo Monument. Madrid. Tomb of Cánovas del Castillo. Pantheon de Atocha. Madrid.

LLIMONA JOSEPH (1864-1934). Example: Despair.

Mariano Benlliure (1862-1947). Practice almost impressionistic realism. High quality art: detail, expression, movement.

Example: Monument to General Martinez Campos. Joselito Mausoleum. Statue of Goya (Museo del Prado)

General features.

The nineteenth century was a century contradictory, profound social changes that impact the art world, especially in painting.

Artistic trends happen rapidly: was replaced by Neoclassicism, Romanticism (1830), the latter happens Realism (1848) and finally imposes Impressionism (1875) which marks the beginning of modern art.

It is difficult to classify artists in these styles, especially when it comes to romance and realism are concerned.

Paris became the principal artistic center.

Exhibitions that are important are called Salons are held contests and prizes that modify the relationship between artists and the public.

In Spain, the landscape painting is not very bright and is not in tune with the rest of Europe. From Goya, there is no other figure that matches its importance. In this situation influences the political instability, economic and social development of Spain during these years.

Continue to Neoclassicism of the eighteenth century will have a short duration in the nineteenth century with the emergence of revolutionary painters announce Romanticism.

Concern for the drawing, diffused light that covers the entire table, back to the classics, historical and mythological, idealized figures.

Remain the same artists who worked at the end of the century before: Louis David, Ingres, Reynolds, Gainsborough, Bayeu, Goya, Vicente López.


Ideological movement started around 1830 that affected all areas of European society. He wanted to capture through the arts (literature, music, painting, etc.). The revolutionary principles that were buried in 1815.

There is an identification of art with nationalism and what it represents in terms of the revival of traditions and values of each people. It is a reaction against art severe, stiff and cold of Neoclassicism: the Romantic artist is going to proclaim their freedom from academic guidelines.

Individualism. It puts sentiment to reason by rejecting the rationalism of the Enlightenment. Taste for theatrical gestures able to call the attention of the viewer. Subjective concept of beauty.

Against the primacy of color and line drawing: vibrant, bright colors and light that destroys the form. Dynamic compositions: the movement becomes convulsive and dramatic gestures. It uses a touch loose, vibrant, to give greater expression to the pictures.

Topics varied:

* Historical: Medieval, contemporary, with a political or fatalistic.
* East: its exoticism.
* Landscape: the subjective interpretation is a great way to express the mood.
* Portraits: representing characters with a melancholy, sadness or loneliness.
* Religious: with great symbolic value.


Theodore Gericault (1791-1824).

Considered as a painter of transition can be classic for the importance it attaches to the drawings and preferred romantic pathos and movement. Tendency to realism in the performances. Example: The Raft of the Medusa. Epson Derby.

Eugène Delacroix (1798-1863). Its formation is neoclassical but their preferences are directed toward Rubens and the Venetians. It is the main representative of French Romanticism. Attaches absolute primacy over the drawing to color.

Abandon the earthy colors and uses vivid colors, pure, bright. Violent contrasts of color. Use color freely, in an arbitrary manner, without complying with the objectivity of nature. By the color highlights the composition and gives a sculptural, relief, painting.

Loose brushstrokes and vibrant that enhance the feeling of movement.

Historical, literary, symbolic and fantastic. In historical themes take an interest in medieval subjects by contemporaries. Freedom in the issues.

Enter oriental themes in romanticism from a trip to Morocco in 1832: you are interested in these issues not only for its iconography but by the brightness of color.

Eg Dante in Hell (1822). Massacre of Chios. (1824). Wars between Muslims and Greeks). Death of Sardanapalus. (1827). Exotic topic: Liberty Leading the People. (1830). Decoration of the Church of Saint Sulpice. Paris.

CAMILLE COROT (1796-1875).

Anticipates Impressionism. Landscape: the landscape can reach such importance that can be considered as direct precedent impressionist landscape. His landscapes have a modern sense, surpassing the historic landscape design practiced in its infancy.

Strongly influenced by English landscape painters Constable and Turner: in 1824 in Paris held an exhibition of two artists who will be vital for the new conception of landscape.

Corot technique evolved slowly until it reaches its final consecration in 1855 on the occasion of the First International Exhibition of Paris.

It is based on reality but not the copy but also carries a poetic recreation of it, is a trend slightly idealizing nature.

Colorful soft: he said that color is an additional charm which must be used with discretion. It is based on the color values, ie, tonal gradations due to light and distance.

The real star of the picture is light: light effects are those that determine aesthetic forms of nature, through gradations of light gets to make the colors more or less depth, thereby obtaining the spatiality of the table.

The composition is organized by fields of light. Clear Light appears dematerialize objects: the contours are blurred, as if wrapping the fog, creating an effect of atmosphere.

Defend painting outdoors to capture the changes of light that makes him a precursor of Impressionism. Ex: Colosseum in Rome. Chartres Cathedral. The Bridge at Narni. (1826).
Barbizon School

To this school belongs Corot. History of Impressionism. There is as such from 1830 to 1850.

Barbizon is a small town near Paris where they meet a group of painters who want to implement the ideas of Rousseau on the return to nature.

Defend the theme of landscape with a concept based on direct observation of nature, without idealization, to the extent that some of his photographs appear, are not interested in the glimpse of Impressionism.

Were focused on atmospheric changes, the effects of distance and the effects of light as it filters through the trees.

THEODORE ROUSSEAU (1812-1867). Creator of the school: radical opposition to official art. It focuses on the landscape elements apart from humans or animals. Like to represent light colored by the shadows, reflections of the vegetation, misty environments. Small strokes and vibrant.

Eg rock oak. (1861).

Jules Dupré (1811-1884).

NARCISO DIAZ DE LA PEÑA (1807-1876). Great colorist.

Charles Francois Daubigny (1817-1878). It is surely the closest to Impressionism.

The nineteenth-century landscape painting is the moment of maximum splendor of English painting and his greatest contribution to the history of painting.

They are interested in capturing the fleeting impressions of light and color, the melancholy atmospheres, foggy or crepuscular. Characteristic of the English landscape is the rich color and light effects.

Constable and Turner have a strong influence on French painters, are considered as precedents of Impressionism.

JOHN CONSTABLE (1776-1837). He practiced outdoor painting anticipation Corot and the Impressionists. It captures the light in the picture: at a given time represents the reflections and movement of light. Get special lighting effects.

Pay special attention to the cloudy skies, the cloud shadows on the ground, rain and wind.

It represents the same landscape under different lighting and atmospheric conditions. Apply the color with great ease to get more intense lighting effects. The material, sometimes very thick and greasy, it is sometimes applied with a spatula. His pictures look sketched.

Eg Salisbury Cathedral. The Hay Wain. Waterloo Bridge.

WILLIAM TURNER (1775-1851). Evolved toward greater freedom in interpretation, in the colorful and art: his paintings become something completely imaginary.

In his landscapes nature wins loses shape and light: the forms are dissolved in the middle of a colored light. Attaches more importance to the atmospheric effects like rain, thunder, fog.

It was the first to apply the colors juxtaposed, ie without mixing, getting chromatic harmonies and beautiful optical effects. It anticipates the impressionist painting.

Example: Rain, Steam and Speed, distorts even the reality (1844). Battle of Trafalgar. Snowstorm.

The Nazarenes.

Also called «Brothers of St. Luke,» are composed of a group of German painters who meet in Rome around 1810 to lead a monastic community life character. This is its most romantic.

Taken as a reference point for artists before Raphael and this will relate to the «Pre-Raphaelites» English. A hybrid art practice with a strong sense of religiosity.

Appreciate the shape and design but the color and the simple and balanced compositions.



Outside the Nazarenes also highlighted the landscape that represent the importance of man against nature, fantastic. Stresses FRIEDRICH (1774 -1840) with his work «The Wreck of Hope.»

Romantic painting was a big development: Goya’s influence remains. Stresses both portrait and landscape painting and customs.


MARIA ESQUIVEL ANTONIO (1806-1857). Melancholy and sentimental atmosphere surrounding the figures. Smooth surfaces, compositions academic. Example: Reading.

Federico de Madrazo (1815-1894). A pupil of Ingres. Fame as a portraitist: elegance in the figures.

It evolves from drawing up the study of academic quality and the blurring of contours. He also made history paintings. Ex -. Marquesa de Montejo. Gertrudis Gómez de Avellaneda. Countess of Vilches.


Genaro Pérez Villamil (1807-1854). Mix the landscape with the themes of medieval architecture. Interior of Gothic buildings.


Alenza LEONARDO (1807-1845). Reflects the «black Spain», satirizing the customs: the influence of Goya on this costumbrismo pessimistic.

Topics: popular scenes, bullfights, etc.. Eg the Galician Currita.

EUGENIO LUCAS (1824-1870). It also pursues a custom pessimistic processions, jails, executed. Gives the representation a mysterious atmosphere.

Fully identified with Goya have sometimes been attributed to this work of Eugenio Lucas.

Apply color on small, fast strokes, emphasizing more the stain around the edge. Eg Bullfight.

BÉCQUER Valeriano Domínguez (1834-1870). Costumbrismo cheerful and optimistic. Regional scene painter, especially Andalusia. Example: Dance of villagers.


Trend displacing Romantic painting from about 1848 but held to 187 is a bridge between Romanticism and Impressionism.

There are several factors contributing to its development:

* The economic and social changes produced by the Industrial Revolution.
* Dissemination of the positivist philosophy that defends the experience and observation as the only source of knowledge, have a decisive influence on scientific progress.
* The new practical meaning of life.
* The fatigue caused by romantic exaggeration.

Facing the romantic idealism exalted artists defend the factual basis of the art as authentic.

The artists become aware of the problems affecting the working classes: painting is loaded with social content.

The controversial nature and social criticism of many of these paintings that the artist does deviate from the official art call advocated by the Academies.

From the technical point of view, realism but does not introduce new technology to revitalize the great Baroque masters, especially the Spanish. Baroque realism, as the study of light and the qualities to be in force again.

The brushwork is strong, the precise contours.

Its development has been closely linked to the development of socialism in politics and naturalism in literature.

React against the major mythological themes, historical, religious, heroic, who had been treated with passion in romance.

New items are used, especially those related to the problems of contemporary society so that the painting takes on many occasions, a character of political and social withdrawal.

The characters are drawn mainly from disadvantaged social classes: peasants, workers, migrants, is the world of work in all its misery.

The traditional topics are dealt with realistically and objectively: taken from the natural landscapes, historical events of the past or contemporary.

His concern for the real focus of the topics is facilitated by the emergence of photography.

Jean Francois Millet (1814-1875). A painter of rural life, reflects the harsh and difficult existence of the peasant. His painting has a deep religious feeling and combines poetry with social meaning.

Magnificent conducted studies of the light environment and paving the way field of Impressionism. Was attached to the School of Barbizon but gives more importance to the human figure to the landscape.

Wide horizons, earthy colors: all appear to increase the feeling of fatigue and resignation that show the works. Ie, the winnowed. The Angelus. The Gleaners. (1848). Pastor.

Gustave Courbet (1819-1877). Principal representative of realism, which was also a theorist, and one of the most prominent European painters of the eighteenth century.

His artistic life was always mixed with politics: Tables conceived as manifestos of political-social.

Based paints large patches with thick strokes of black. Studied the effects of light and reflections on the landscape: it is considered as a precedent for Manet and the Impressionists.

Great variety of themes: nature highlights the critical socializing, but according to some critics, his best works are those in which nature paints.

Example: Burial at Ornans. Good morning, Mr. Courbet (The meeting). (1854). The Artist’s Studio. Young along the Seine. The stonecutters.

Honore Daumier (1808-1879). For him the painting has a socio-political intent of critical and satirical.

The topics are frequently rate reflecting both the manners aspect of marginalization such as social unrest.

His paintings are characterized by sharp and vigorous drawing: the figures are drawn based on winding and cutting profiles, looking cartoonish, very expressive.

His deep realism coincides with strong play of light and shade making it a forerunner of expressionism. Ie, the third car. The revolt. The washerwoman.

EDUARD MANET (1832-1883). Trained in the academic exercise evolved from realism to impressionism and it is considered as a precedent of this movement.

He became interested in Spanish painting, especially by Velazquez and Goya, also became interested in Japanese painting and his sense of color.

He tried to unite the classical tradition of the Renaissance to Realism: «Lunch on the Grass» and «Olympia» are interpretations of the «Concierto campestre» of Giorgione and «Venus» by Titian, respectively, but with new aesthetic approaches.

The human figure drawing and drawing accurate, it is only a pretext for his paintings as the true protagonist is the color. Forms conceived as masses of color: large patches of pure color and flat, with violent opposition tones applied with loose brushstrokes. The tables give the impression of sketchy.

The use of pure color juxtaposed and the total lack of idealization Manet makes break with tradition.

Example: Lunch on the grass. (1861). Olympia. (1865). Bar of the Folies-Bergere. The majas the balcony. Execution of Emperor Maximilian. Portrait of Zola.
The Pre-Raphaelite Brotherhood.

Mystical-religious movement and painting, contemporary realism that emerged in England around 1848 and whose main theoretician was the critic John Ruskin.

They advocated a return to primitive art, unconventional, simple imitation of nature, as they had done earlier Italian masters Raphael.

They wish to medieval religious values in opposition to the new mentality emerged with the emergence of industrial society.

For them, the paint must have a transcendent character, mystical and religious, to raise the morale of the audience: thus deviate from the conception of the painting were the followers of the realistic trend.

His technique is painstaking and detailed, subordinating the color and line drawing. Wide variety of subjects: landscapes, portraits, religious, medieval matters, etc.


John Everett Millais (1829-1896).

Ford Madox Brown (1821-1893).

Realism customs.

Mariano Fortuny (1838-1874). Anticipates Impressionism. Presents realistic but romantic feature. Practice a thorough and effective technique.

Great colors in his painting highlights the brilliance of color and light, getting almost impressionist effects of light in painting outdoors.

Apply the concepts through tiny strokes, at the end of his life dominated by light and color applied to the base of large spots.

It gives a poetic and idealized vision of reality. Addresses issues of history, customs, pictures, etc.., Introducing exotic element.

Example: Battle of Wad-Ras. Battle of Tetuan. Fantasy on Fausto. (1866). The amateur pictures (1866). The Vicarage (1870). Old naked in the sun. (1872).


CARLOS DE HAES (1829-1898). Enter a realistic landscape in Spain, avoids the folkloric and romantic aspects.

Riach AUGUSTINE (1841-1929). He is the painter of the landscape of Cantabria. Despite its modernity, still uses the dark tones of the shadows characteristic of pre-Impressionist painters.

CASIMIRO SAINZ (1853-1898).

History painters.

The subjects of history are the most representative of Spanish realism. Large-scale paintings with many figures and excessive secondary details that come sometimes to distort the case.

More interested in depicting the theme that the artistic quality: great scholarship and documentation in the preparation and setting of the item box so the story loses the excitement and idealism, romanticism.

Eduardo Rosales (1836-1873). Real sense of atmosphere in his paintings. Eg Testament of Isabel the Catholic.

GRILL FRANCISCO (1841-1921). Example: Ms. Juana la Loca.

Casado del Alisal JOSEPH (1832-1886). Ex: Surrender of Bailen.

It develops as an artistic movement in the last quarter of the nineteenth century.

Its appearance is started called «modern art» from it the artistic trends and «isms» will happen very quickly. Perhaps one of the main contributions of Impressionism lies in the dynamics of change and renewal in Western art prints.

Since he speaks of «isms» and styles. The difference is that styles emerge as expressions of culture, whereas the «ism» is the result of a will specifically oriented towards a goal.

Like realism was based on positivism of Comte, impressionism does in the theory of Locke’s sensations: the sensation is the source of our knowledge. The feeling feeds the view that is the door of our experience. Hence the disdain the way, everything must start from what the eye sees and without any prevention.

Surge in 1874 at the Exhibition of Young Artists Gallery Nadar. Among the paintings on display was one, because MONET, entitled «l’Impression, Sunrise.» The painting was severely criticized by the critic LEROY and even was the same critic who pejoratively called with the name «Impressionists» these painters, the group initially rejected the name because it preferred to be called «independent.»

The last exhibition as, Impressionist «takes place in 1886.

Social sensitivity was reluctant to this kind of painting that had long endured the harshest criticism. Emerges as a refusal of academic painting and classical character study.

This art movement was not very cohesive as a group. They shared a pictorial and aesthetic interest but lacked a theoretical manifestos and even a line of united action.

Immediate antecedents were:

* Light Spanish tradition: Velazquez and Goya.
* The English Romantic landscape: Constable and Turner.
* The nineteenth century French landscape painters or nature: Corot, Barbizon School, Millet, Courbet and Manet in particular.


History of Impressionism.

* 1863: Manet Hall presents Table «Lunch on the Grass» which is a total aesthetic and technical innovation. Napoleon agrees to the creation of a «Hall of Rejected» where they can expose all the painters are not allowed in the «Hall» and represent the clash with the academic.
1870: At the Franco-Prussian many painters including Pissarro and Monet, going to England where they come into contact with the English landscape. There would also know that their main dealer and patron, Paul Durand-Ruel.


* 1874: Group exhibition criticized by Leroy in the magazine «Le Charivari.»
* 1876-1886: new exhibits are held, but disagreements arise in the group.

They develop new movements that supplement or reject the ideas of Impressionism:

* The neo-impressionism and pointillism.
* The Post-Impressionism: such amendments can be considered the starting point of twentieth century painting.


Basic principle: the reality that we perceive is not unique but multiple, but changing it is not permanent. The reality is the appearance of things at the time of being referred.

Some of the factors that influence its development are:

* Discovery of photography: compositions with new frames (perspectives cut, going beyond a single vanishing point, etc..), The photographer has a snapshot of reality as the painter, but he seeks the fleeting and unfinished compared to the detail of photographer.
* The new scientific theories, especially the new color and optical laws established by CHEVREUL: This scientist discovered the «law of simultaneous contrasts» which had already been warned by Delacroix. The color depends not only himself, but other colors around him, exalting or eased with them.
* Disclosure of Japanese prints, especially for their luster and color and the presentation of new frames.
* The empirical theory of sensation as the only valid source of knowledge.
* Light is the true protagonist of the table: the objects are seen only in so far as the light strikes them. So you prefer the outdoors and paint, to capture and fleeting glimpse of the effects produced by light.
* There are no forms or colors, shapes and colors permanent but changeable according to the light they receive.
* When the pictures a simple lighting effect, a common theme can be represented several times and in different ways with just changing the light (intensity, angle of incidence, etc.)..
* As for color, using the technique of the division of colors, do not mix colors in the palette but apply them in their pure state to be the viewer’s retina which the mix.
* Complementary colors (purple, green and orange) are achieved by the combination of the primaries (yellow, red and blue).
* The colors are applied in small strokes, short and juxtaposed.
* The color range is very small so that the pictures take on an extraordinary brightness and clarity.
* Colors will further enhance by the application of the law of simultaneous contrasts Chevreul.
* Do not use dark colors, black shadows disappear spaces are reduced colored with complementary colors. Consequently, the contrasts of light and dark disappear and the picture is deleted or is reduced to dissolved between the color lines.
* To better capture the vibrations of the atmosphere shun any retouching of strokes and prefer doughy and thick spots. Loose brushstrokes applied with a brush, spatula, fingers, with the same pipe, juxtaposed touches of colors that are different for each painter in the form of commas in Monet, Cézanne net, at locations Seurat and Signac, long and fiery in Van Goght.
* Topics: Impressionist painting is purely sensory, the subject is something accessory, it serves to support color. Landscapes are represented (both rural and urban) scenes from bohemian and bourgeois life, portraits, historical paintings rejected. mythological or religious.


* Can be considered as such all the painters concerned about the light: from Velazquez and Goya to the English and French landscape.
* The most immediate precedent is Manet.


The movement is reflected in their greater purity of these characteristics. Paint the outdoor light.

CLAUDE MONET (1840-1926). Painting outdoor light. He is the author most representative of impressionism and more poetic. Was especially interested by the changes of light during the day and weather changes in general. In this regard produced series on «Water Lilies», the Cathedral of Rouen. »

He paints mainly landscapes, seascapes, river scenes, etc. Sometimes he paints urban landscapes to see how they are changed by industrialization («I’Estación Saint Lazare»).

His painting is based on small, fast strokes of pure colors that give an unfinished look to the picture.

Example: Impression, Sunrise (1874). Argenteuil Bridge. Poppy Field. Rouen Cathedral. (1894). Parliament in London. Nympheas. (1919).

Camille Pissarro (1830-1903). Rural and urban landscapes through which seeks the light. Viewpoints too high to achieve a greater sense of space. From 1886 evolved into pointillism.

Example: Red Roofs (1877). The diligence of Louveciennes.

ALFRED SISLEY (1839-1899). It is a pure Impressionist, giving his paintings of great lyricism. Pinta preferably snow and flooding issues.

Example: Flood at Port-Marly. (1886). Wheat field. (1873).

AUGUSTE RENOIR (1841-1919). Classic in the Impressionism. From 1883 back to give importance to the drawing in front of the color.

Preferentially uses the theme of the gardens to capture the light, like flashes of sparkling, as the sunlight filtered through the trees. It focuses on the human figure, especially in the female nude. Represents gross and inelegant ways reminiscent of Rubens. He also did scenes of Parisian bohemian life.

Another distinctive feature of his painting is the color voluptuous, pure tone that makes him a forerunner of «Fauvism» and color trends of the twentieth century.

Ex: Le Moulin de la Galette. In the Luxembourg Gardens. The Arena (1874). Women in the sun.

EDGAR DEGAS (1834-1917). He received an academic education as always given importance to the drawing. Prefers light interior, especially that of the footlights. His concern is to capture the movement, a moment in action: why is the painter of dancers and horse races. Get to the sense of transience.

Not limited to the elegant world of ballet but shows the efforts of the trials, also depicts the fatigue of workers, and even intimate scenes of women, but treated in new ways.

These scenes of everyday life can be described as «l’social expressionism.» It creates a kind of stage in which the severed head of one of the characters, which suddenly puts the viewer at the table. It is an action to trigger the idea of proximity to be exploited later by the film.

Example: The musicians of the orchestra. Absinthe drinkers. The ironing. Women washing in the tub. Dance lesson. Series of dancers. Horse Racing.

Berthe Morisot (1841-1895).

Mary Cassatt (1845-1926).

Also called scientific Impressionism, divisiveness and pointillism. Leads to its logical scientific principles of impressionistic painting.

Meticulous technique applying the color on small touches really points that give the appearance of mosaic tiles.

They are opposed to impressionism for his concern about the volume and the geometric forms. Careful compositions, clear and tidy.

Its existence was short-lived due to the laborious technique and unreality of the scene.

The thoroughness of his technique will influence subsequent arts as constructivism and abstract tendencies of the twentieth century.

This style spread outside France, Italy and Belgium. In Italy, a decisive influence on the art of futurism. In Belgium will influence the establishment of Art Nouveau. Later, with Odilon Redon, will lead the group of the Nabis, the prophets.

Georges Seurat (1859-1891). Creator of the pointillist technique: it seeks to regain the form that had lost value with the Impressionists.

Clear and monumental compositions, basing the proportions of beauty in mathematics and the rational structure of the table.

His paintings are distinguished by the contrast between the vibrating surface of the fabric, full of romantic spots, and the geometric structure, almost smarmy and represented as shapes and masses.

Example: Bathers at Asnieres. Sunday on the Island of La Grande Jatte (1886).

Paul Signac (1863-1935). Disciple of Seurat and theoretician of the movement. Subjectively interprets the colors. At the end of his life ceased to use the pure tone. Of particular penchant for marine issues and the circus to capture movement.

Ex: Port of Marseille.

It is a movement linked to impressionism initially but then becomes a review of their ideas. Reacts against the abandonment of the shape and volume that impressionism had practiced and wants to get the picture but without sacrificing color.

Want to capture not only light but also the expressiveness of the things and people lit: they seek the analysis of that over which the light hits. With their input paves the way for the pictorial movements of the twentieth century.

Paul Cezanne (1839-1906). Reacts against impressionism had practiced between 1872 and 1882, revaluing the structure formed, the volume of the object represented.

Use contrasting colors to differentiate the figures and drawings. Uses the purplish shadows renouncing traditional black and gray. He said: «The line does not exist, a table represents only colors.»

According to him, under the appearances of the objects underlying geometric shapes (sphere, cone, cylinder) which is where, fundamentally, is the beauty. This explains the appearance geometric bodies present in their paintings. To prevent the object is blurred by the profiles emphasizes a strong dark line.

Apply the color with strong and thick brush strokes, as if they were rubbings, drawing is something quite secondary, which is the color model figures.

Topics: landscapes, still lifes, portraits, flowers, etc.. Not interested in the subject itself but the essence of what is represented geometrically.

It is a precursor of twentieth-century painting, especially of Constructivism and Cubism. Can distinguish four periods in his life:

* Romantic: in his youth, working at the Académie Suisse, notes the influence of Delacroix and Courbet: dark areas, colors blur, monumental forms and undulating.
* Impressionist: through its relationship with Pissarro begins to paint outdoors and painting becomes more luminous. Comes to exhibit with the Impressionists in 1874 and 1877 but not fully identify with them, because, according to him, light eats shape, color devours. »
* Constructive: from 1881 leaves the light and uses color as a builder of forms. Starts and simplified geometric bodies.
* Synthetic: through the geometric simplification of the bodies and the application of color based on broad brush strokes Cézanne get the depth or relationship between the object, its environment and space, arriving in this way to achieve total unity of painting .

Example: Player cards. Bathers. Estaque landscape. Still life. Portraits.

Paul Gauguin (1848-1903). Painting for him is more creation that representation. Develops data intellectually reality.

The main contribution is its color: the color used to capture moods. They are pure color, flat, strong and intense colors. The color ranges in large patches embedded within the lines of the drawing. The painting reminds enamels or stained glass. Are pure colors, arbitrary, with a decorative and symbolic value. The pictorial effect was, for him, in the harmony of color stains.

Search also the feelings through the simplicity of the characters and their eyes moving. Waiver of perspective: the pure colors accentuate the sleek look of the picture.

The compositions are very elegant, simple and static. Enter a taste for exoticism through his stay on the island of Martinique (1887), in Tahiti (1891-1893, 1895-1901) and the island of Dominica (1901-1903). Predecessor of Fauvism, Expressionism and Symbolism.

Eg Yellow Christ. Vision after the Sermon. (1882). Tahitian women.

VINCENT VAN GOGH (1853-1890). Netherlands. He devoted himself to painting in the last years of his life, serving as a relief to end a tormented spirit that lead to suicide.

Key feature: the expression of feelings through color and distortion of reality. Use pure colors, bright, strong red, blue, green, yellow (this color was to him in the sun, a symbol of pantheistic divinity). Arbitrary colors: do not reproduce the objective reality but take on a symbolic value.

Fragmented strokes short and winding that expose their anguish over the world. Curvilinear profiles, twisting, flaming.

Wide variety of subjects: landscapes, portraits. All with a strong sense of humanity.

Subjective art, independent of sensory reality. Search for something beyond appearances and things are not only things but express something. He is considered the predecessor of Expressionism and, to some extent, the Fauves.

Example: The old boots (forerunner of expressionism). The room of the painter. (The Yellow Room). The chair. Starry Night. Sunflowers. The Postman Roulin. Almond branch.

HENRI DE TOUSOUSE-Lautrec (1864-1901). His paintings are characterized by colorful and expressive drawing. Influenced by Japanese prints. Drawing short lines, sinuous, combined with pure, bright colors. Juxtaposed brushstrokes.

Topics: interested in depicting movement (dance, horse racing), issues of social expressionism (bitter and strong vision of life); environments Parisian bohemian life (cabarets, theaters). Not interested in the landscape or for painting outdoors.

Concern for capturing the psychology of the characters. He made posters announcing events into works of art.

Ex: Le Moulin Rouge. La Goulue (1891). Jane Avril.

It develops some differences with respect to the French. The technique of applying color stains based on anticipated with Rosales and Fortuny and some landscaping, but there was still painting outdoors.

Ignacio Pines (1849-1916). He practiced a degree of eclecticism. It is characterized as a great colorist. Eg: Lesson of memory.

DARIO Regoyos (1857-1913). Very picky. One of the few Spanish painters who adopted the pointillism. Topics: landscapes, factories, railways. Some of his work involved the critical expressionism.

Example: Pancorbo. The chicken coop.

Joaquín Sorolla (1863-1923). Main Spanish representative of Impressionism. Part of topics historical and social character to become the advocate of painting outdoors. It is, above all, the painter of light Levant.

With long strokes captures the light vibrating in bodies, on wet surfaces, in water. Use very light colors applied on the basis of long and loose brushstrokes. Remains in many of his paintings a strong design and composition and problems facing that troubled little movement in France.

Ex: And yet they say that fish is expensive! Children playing on the beach. Walk in the sea. Spanish regional types. Hispanic Society. New York.

BERUETE Aurelian. Landscapes Madrid.



Time and spatial location.

* Economy: influence of scientific development. crisis of liberal capitalism and progress of socialism. growing divide between developed and underdeveloped countries.
* Politics: crisis of liberal democracies in Europe: development of authoritarian and totalitarian political systems. emergence of a political system as opposed to liberal socialist. gradual loss of European hegemony weakened by world wars and decolonization.

formation of a bipolar system, two blocks, capitalist and socialist, faced political, economic and social.

alterations to the formation of a new European map.

* Company: major social conflicts in the first thirty years due to the economic crisis of liberal capitalism.

social stability after the Second World War, thanks to economic development in these years.

reflected in the company of the crisis of traditional values from the sixties, is very important sectors hitherto highly marginalized: women, youth, etc..

* Culture: great scientific advances that affect all aspects of life.

large and rapid ideological changes that transformed traditional values.

Among the nineteenth and twentieth century there is no hard cut but are closely linked and changes initiated after 1880 form and determine the artistic development of the twentieth century.

The twentieth century was marked by the end of artistic unity: it does not happen but living styles in the same period very different artistic conceptions. This gives the character of contemporary art one extraordinary variety and complexity.

Is a rapid and intense development of photography and film, this development is due, in part because they are. more easily understood by the crowds that the innovations produced by the current art.

The massive and indiscriminate use of all types of materials: some have previously used (iron, glass), others are provided by industrialization (cement, steel, plastics), but also are also used material that has never before they had recognized aesthetic values (paper, cloth).

Thanks to imperialism and the new media has a significant contact with other cultures and their subsequent expression systems.

Trend of internationalization of art: the national schools gradually lose its reason to exist.

Faced with a sense of trust and faith in progress as announced in the nineteenth century, rose, as early twentieth century, the voices of people like Nietzsche, Einstein or Freud spell the end of that trust and rationalism and homogeneity of human being. The twentieth century art reflects this new situation.


The modernist architecture set the stage for the emergence of a new architectural language. It produces the definitive break with the historicist architecture of classical descent (with some exceptions) and condemning the architectural eclecticism.

In previous centuries, the architect had focused their attention and interest in the field, the ornamentation, now realizes that it must develop a new architecture that is consistent with the changing needs of man and to respond to the problems posed by the development of modern industrial society.

It was evident that the traditional styles were inadequate for the construction of new types of buildings: airports, railway stations, skyscrapers, factories, etc.. Hence the need to seek a new architectural language, but does not really become noticeable until the second decade of the twentieth century.

The treatment of interior space and functionality determined the new architectural aesthetics: the beauty of the building is not in the ornamentation but that is suitable for the function that is intended.

There is an intimate connection between architecture, engineering and planning.

They handle the volumes and spaces with completely new criteria, also influenced by new materials with which it works.

Materials: steel, reinforced concrete, steel, glass, plastics.

The twentieth century architectural aesthetic moves between two poles: the search for simplicity of volumes and the relationship with nature. Although not deny the great contributions of modern architecture, some critics believe that suffers from a maddening monotony to the point that any city has made the world look the same as the other, eliminating the characteristics.
BACKGROUND Rationalism

Until the mid-twenties, the main influence on the architecture is performed by some of the «isms» or avant-garde aesthetic movements from Impressionism emerged: Cubism, Futurism, Expressionism, Constructivism defending the decorative structural simplification, the taste for orthogonal lines, the use of new materials without covering them up, etc. They put the foundations of the new rationalism.

There is a strong reaction against Modernism and the decorative against eclecticism. It advocates a spirit geometric architecture, based on clarity and structural coherence.

The buildings are becoming an architectural expression of practical and utilitarian. Buildings proliferate in iron and concrete.

Peter Behrens (1868-1940). Combines rationalism (geometry) with the expressionism of construction material (use of brick). He started but left Modernism rejecting their decorative. Make an industrial buildings preferably using the iron and cement.

Eg AEG Turbine Factory.

Adolf Loos (1870-1933). Rejects modernism and eclecticism anticipating rationalism: an architecture practice brief and simple, limited to the constructive elements in a clear and distinctive. For decorative and structural simplification is related to Cubism.

Eg Michaelerplatz House. Vienna.

Tony Garnier (1869-1948). Stresses, still in the nineteenth century, the study being undertaken of the «Industrial City»: a functional rationalist project and meet the characters precursors of modern urban and anticipates the idea that a building should be appropriate depending on the urban context.

He proposed the use of reinforced concrete for the construction of all types of buildings.

Auguste Perret (1874-1954). Spread the use of reinforced concrete structures in the construction of buildings for housing, not only as an auxiliary construction but as an integral and expressive architectural language.

Eg Franklin Street house. Paris. Church of Le Raincy.

Erich Mendelsohn (1887-1953). Representative of the Expressionist influence: he wants to show what the building, teach, taking full advantage of the materials (iron, glass, etc.). Used in an original new methods of construction offered by steel and concrete.

In buildings for stores imposed a kind of facade based on large horizontal bands of ribbon windows that was widely imitated in later years.

Example: Einstein Tower. Potsdam. (1921). Schocken stores. Stuttgart.
Rational or functional ARCHITECTURE

Is designated as functional, in general, the art that expresses a specific interest in the use to which buildings are used.

Functionalism emerged and developed between 1920 and 1930, considered the form and structure of the architectural elements and materials and furniture manufacturing as an expression of the practical value and technical construction math.

Coincides with the Neo in the effort to combine square and rectangular spaces coincides with Cubism because both try to represent the objects from several angles simultaneously: seeking the simultaneity of the volumes.

The vertical forms alternate with horizontal, abandons the concept of main facade, all levels matter. His desire for interior space is reflected in the glass: the glass was the major partner of rationalism.

In this rational architecture is humanism: man and his welfare are the engine of architectural ideas.

As a basic principle of adopting the statement L. SULLIVAN (School of Chicago): «Form follows function.» Rationalism For a building’s beauty lies in its functionality and appropriate and effective use of the materials used in its construction.

* Prevalence of straight lines and basic volumes.
* Sets asymmetrical.
* Structure view.
* Materials: steel, concrete, glass, incorporating new materials like aluminum, plastics, etc.
* In building the wall no longer support element, the ceilings are low, oblong windows, horizontal, flat roofs are used instead of roofs, the interiors are painted white.

Le Corbusier (1887-1965). Charles Edward Jeanneret, Swiss citizen and settled in France.

It is the most international contemporary architect: his works exist in France, the United States, Brazil, India, etc., And the most influential in modern architecture.

It was a great theorist and projects spreading their ideas through articles and manifestos, which has contributed to the dissemination of the principles of rationalist architecture.

Investigated new solutions: his idea was the «sun shade» (brise-soleil), plate that allows light to enter but not the solar ray.

Basic principles:

* The simple volume is the primary architectural element.
* Construction of buildings on «piles (piles), thus leaving the floor clear and may be used by the community.
* Open plan: each floor can be distributed independently of the upper and lower.
* Free façade: can be designed according to the needs of each floor as they are not subject to a regular arrangement imposed by the walls.
* Use of development continue horizontal oblong windows, more light.
* Terraces instead of roofs: are located there solariums, tennis courts, swimming pools and gardens.

Its aim is to take man as the measure of all objects, including housing. For this he wrote his play «The Modulor.»

Considers that housing is a «machine for living», removes all the superfluous and maximizes comfort, condition for a proper existence of man.

Create the «dwelling unit, a kind of high-rise development but horizontal. The purpose of these blocks is to create a sense of community and cooperation over isolation of the city. No decoration. He became interested in urban problems.

Eg Villa Savoye. Poissy. (1929). Palace of Trade Unions. Moscow. Romchamp Church. (1925). Constructions in Chandigarh. India. (1950). Housing unit. Marseille. (1946). Ministry of Education. Rio de Janeiro.


The Bauhaus or «House of Building» was a German school founded in 1919 by Walter Gropius. Its first headquarters was in WEIMAR, moving in 1925 to Dessau.

Before the Nazi persecution many German architects and teachers of the Bauhaus emigrated to the U.S., which thus becomes the first power in modern architecture.

The Bauhaus is a school of democratic character based on the principle of collaboration. It was not just a school of architecture, but which incorporated all the arts and crafts revalued. Teachers worked on it as Kandinsky and Paul Klee.

For members of the Bauhaus also utilitarian objects produced by machines should be equipped with aesthetic value, thus giving a new emphasis on objects made in series. Designed furniture, lamps, tapestries, chairs, posters and letters of typography, etc. Exerted a strong influence on industrial design.

All these designs were not only theoretical but that students had to practice with it to determine the relationship between art and technology and between art and industry.

With respect to architecture spread the following ideas:

* The whole building should be designed according to strictly rational principles.
* Breaks with the principle of single facade.
* Ignores the cornices: replace the roofs on roofs.
* Alternating flat beds with large windows.
* Housing advocates based standard precast. decoration, lighting, furniture, etc., must also be in accordance with rational principles.

Among the highlights Bauhaus Walter Gropius and Mies Van Der Rohe.

Walter Gropius (1883-1969). Founder of the Bauhaus and initiator of rationalist architecture. fundamental idea: combining simplicity, geometry and functionality, attached great importance to the interior spaces.

He gave much importance to the construction of houses with prefabricated materials. He introduced the use of metal frames for windows to replace the wood.

Rather facades based on iron and glass, transparent, and this is possible to stop being the walls of the supporting elements. With the advent of Nazism was moved to the U.S..

Eg Fagus offices. (1911-1914). Siemenstadt Building. Bauhaus Building. Dessau. (1926).

Ludwig Mies Van Der Rohe. (1886-1969). Replaced in the direction of Gropius’s Bauhaus.

It is a great promoter of rationalist architecture and one of the great masters of architecture in the first half of the twentieth century. He said the structure is the essence of architecture, decoration rejected.

He became interested in the construction materials as an expressive element, steel, marble, stone, glass, etc., To be used in its absolute nakedness and purity.

His buildings are characterized by the predominance of horizontal lines and large windows. Its spaces are never closed, are open spaces that are lost in the gardens: this is due to the influence of abstract group De Stijl.

Persecuted by the Nazis, takes refuge in the U.S. in 1937.

Eg Lange House. German flag. Barcelona International Exhibition. (1929). Skyscrapers. Chicago. Seagram Building. New York. (1956).

This architecture, also called «organic rationalism» or «organic» appears in U.S. around 1940 when a crisis of rationalism, while accepting many of the technical solutions provided by it.

The name was coined by Lloyd Wright. Faced to the rationalism of Bauhaus, organicists argue that everything the man does have to be understood not as a challenge to nature, but as an emanation of it.

Your materials should be natural: clay, wood, stone, etc. and always maintain their relationship and similarities with nature.

The previous geometric shapes lose, must respond to natural forms.

Organic architecture making constant reference to man, not as far but in a more individual. The architect must take into account acoustics, color harmony, environment, etc., Acuello everything that makes the man at ease inside the building.

The building should grow from the inside out and drawn up in accordance with the needs of living there. It’s a totally different conception of the parallelepiped divided internally by Le Corbusier.

Organicism aims at achieving harmony between man, the environment and the building.

Frank Lloyd Wright (1869-1959). Formed in the Chicago School, reacted against the rational-functionalist architecture founded organismic movement.

Humanized putting architecture in the service of man, always took into account the characteristics of man or group of men who went for the building. In the decade of the twenties, on a trip to Japan, is influenced by traditional Japanese architecture.

Develop an architecture adapted to the environment surrounding the building as it is inserted in nature: the building has been born from the soil in which it stands.

It is also the architect of the interiors: they must be comprehensive and continuous. They leave the materials in their natural state.

Ex: House, of the waterfall. (Kaufmann House). Pennsylvania. (1936-1937). Johnson Wax Factory. Guggenheim Museum. New York. (1959). Willitts House. Illinois. (1902).

Alvar Aalto. (1898-1976). Finnish, influenced by Wright on the environment of their homeland and traditional folk forms of the Finnish rural architecture. Their focus is inward, not the exterior plastic effect.

Commonly used wood and most basic materials (lime, brick, etc.). Equipping exotic houses roofs.

Eg Paimio Sanitarium. Wolfsborg Cultural Centre. Säynätsalo City Council. Finland. (1950).
Architecture between 1945 and 196

The planning activity is the most important concern of governments of different countries by the need to rebuild whole towns after the Second World War.

Standardization of the architectural trends by the exile of many European architects because of the great political and ideological changes.
North America.

Great work here European architects F. Wright Lloyd, W. Gropius and M. Van der Rohe.

Richard J. Neutra (1892-1971). Eg Lovell House. Los Angeles. (1927).

Continuing the work of Le Corbusier reaching increasingly distributed through the International Congresses of Modern Architecture (CIAM).
Germany and Italy.

Modern architecture subordinated to the need to rebuild the cities.

Develop a strong rationalism, continuation of previous Stijl.

It incorporates traditional elements such as ceramic coatings.

COSTA and NIEMEYER. Eg: Projects for the city of Brasilia (1917).

A. E. Reidy. Example: A residential area of Pedreglho. Rio de Janeiro. (1950-1952).

Continue research on new materials and isothermal light of prefabrication systems, large roof structures.

We present a number of ways:

* New Brutalism.

Adds value to the raw material itself, without manipulation or masking.

Austerity, eagerness to show the structures.

Eg Hunstanton School. Norfolk. And Alison P. Smithson.

* Architecture Pop

Modest buildings with no political statements.

Intended for popular consumption: buildings-ad.

* Option structural.

The aim is to cover large areas taking advantage of new technologies.

Among the most important technical achievements are the gigantic covered geodesic dome-shaped and polygonal cell structures in which the resistance is maximum and minimum weight.

Other experiments seek mobile architecture based on the individual modules can be oriented as desired.

* Example: Palacio de los Deportes. Mexico. Felix Candela.
* Church of Our Lady of Miracles. Mexico. Felix Candela.
* Palacio de los Deportes. Rome. Pier Luigi Nervi.
* Courtroom «Paul VI». Vatican. Pier Luigi Nervi.
* Station bus terminal. New York. Pier Luigi Nervi.
* German Pavilion. Montreal Expo. (1967). Frei Otto.
* Olympic Stadium. Munich. (1972). BERNISCH and PARTNER.
* U.S. Pavilion. Montreal Expo. BUCY-MINSIER FULLER.

From the seventies everything can be reduced to two major trends:

* Neo-rationalist.

Try to arrange with logic and discipline architectural practice.

* Post-Modern Architecture.

It is a recovery of the symbol in architecture from a degree of eclecticism.

Until the First World War.

Maintain historicism and eclecticism of the previous century: neoplateresque, neomudéjar, neo-baroque, modernism.

Imposing a nationalist monumental architecture that focuses on the ornamental.

Antonio Palacios (1876-1945). Example: Palacio de Comunicaciones. Madrid. Central Bank building. Madrid.

Anasagasti Teodoro (1880-1938). Example: Monumental Cinema. Madrid.

From 1915-1936

There is a rejection by the more advanced groups, traditions and regionalist historicist.

They come to Spain the first echoes of rationalist architecture, driven mainly by GATEPAC (Group of Spanish Architects and Technicians for Contemporary Architecture), founded in 1930 and whose predecessor was the Catalan GATCPAC (1928) created by José Luis Sert.

The most ambitious work of this moment is the project of the University City of Madrid with the participation of various architects led by:

Modesto Lopez Otero (1885-1962). Example: Casa de las Flores. Madrid. (1930). Zuazo.

Nuevos Ministerios. Madrid. Zarzuela Hippodrome. Madrid. (1935) Eduardo Torroja.

Colonia del Viso. Madrid. Hospital. Madrid. Central Tuberculosis Dispensary. Barcelona. (1943-1936). José Luis Sert. Spanish Pavilion. Paris Exposition. (1937). José Luis Sert.

From 1936 to the 50s

Following the civil war in Spain installed a state-driven architecture of mint. Problems of international isolation.

Attempts are rejected rationalist trend innovators and takes the style of Herrera-El Escorial as an expression of nationalism the new state.

No shortage of architects who were working within the narrow margin that allowed the government, inspired by the spirit of rationalism.

Eg Air Ministry. Madrid. (1943-1951). L. Gutierrez Soto. Universidad Laboral. Gijón. (1945-1956). L. Moya.

Madrid. (1940). Madrid.

From the decade of the 50s

Parallel to poor planning, buildings are constructed in line with major international trends.


Edificio Torres Blancas and BBV Building Castellana. Madrid. SAENZ DE Oiza

Church of Guadalupe. Madrid. Felix Candela.

Torres de Colón. Madrid.

Their problems and old, are exacerbated when difficulties arise habitability of nineteenth century cities.

SLUMS are developed, slums, houses without aeration, where overcrowding

is the specific feature, the houses are distributed in a perfect grid, simply for economic reasons, ie for a better use of space.

As you move the twentieth century produced the opposite phenomenon: the man tries to leave town and go to the field.

Arise and three types of cities:

* Old towns that have grown rapidly and enormously: they preserve the main square and old town center surrounded by new buildings. Example: Paris, Barcelona, Madrid, London.
* Old towns that are not affected only by industrialization. Example: Salamanca, Toledo.
* Cities of new trace, both of administrative and commercial or industrial, with more difficulty could involve the «dormitory towns» or «estates of rest.»

The solutions to avoid the problems of overcrowding and unsanitary conditions, which in turn could cause serious political or social conflict, were sought by statesmen since the mid-nineteenth century although with different success.

Garden City.

Ruskin, Owen and Engels defended the principle of the city as nature oriented as a reaction against the mechanization and the urban concentration.

Twofold: to keep the psychological balance of the inhabitants and prevent abandonment of the field. Save the city and country simultaneously.

Small cities traversed by a low traffic street and surrounded by major transport routes which link some cities and all the other central.

The solution of the garden city was soon superseded by the rationalism of the twentieth century. Based on the theories of Howard.


Arturo Soria Spanish contribution. Longitudinal central axis around which are lined with houses and serves as a means of communication.

This type of construction determines the direction in which the city would grow and avoided the isolation from the field. Valid for a limited number of inhabitants.



It is the most simple and efficient urban systems and the most used since antiquity.

In the nineteenth century combined grid system with great prospects Baroque theater: the wide avenues are closed by a large monument.

We have tried to do on this track a true attempt to functionality: preventing riots, isolated outbreaks, give more prominence to military parades.


Surge and in the twentieth century to accommodate the urgency of the city not only human growth but also the means of transport.

It sets the concept of urbanism as a projection of the concept of architecture. These architects and urban planners are eminently rationalistic utopian:

* Divide the city into two areas with distinct functions and related by the appropriate roads.
* The system can be considered as modular: the city is easily expandable.

Tony Garnier. In 1901 he designed the «industrial city» which is already clearly the division of the city by functions: work, residence, playground, traffic.

Example: Industrial area of Lyon.

Le Corbusier. It is the great developer of rationalism.

Defend the vertical extent than the horizontal: putting houses on stilts, the floor is free to draw walkways, rest areas.

Formulated the theory of the «Seven V» (Seven Ways) order based communication channels according to its size and its function with respect to the inhabited area.

Since these pathways creates a populated area, the «sector» solely devoted to housing but with a commercial street.

Defend the construction of «units».

These projects crystallize in a document, the «Charter of Athens,» published in 1941 as a result of studies by ClAM (International Congress of Modern Architecture) from 1933.

His successors reduce volumes dry rationalist urban isolation, poor communication channels linked.

Urban Professional.

As a reaction to rationalism advocates the return to nature. Lloyd Wright summarizes his ideas in the draft the imaginary city of Boadacre City. Actually proposes a restructuring of the former garden city.

He defends the family home before the «housing unit» of Le Corbusier. Looking for a self-sufficient city, with not very high buildings separated by green spaces, roads are not as contoured as in the rationalistic system.

The result is a harmonious, utopian city.

Current solutions.

Faced with the need to build new cities after the Second World War, an attempt to reconcile the rationalist and organic systems.

The two most prominent examples in this regard are the rebuilding of London by Abercrombie and Forshaw, and the construction of Brasilia by Niemeyer and Costa.

In both cases, major transport routes divide without separating natural areas and autonomous which in turn may relate to the historical center, for London, or with the Plaza of Three Powers in Brasilia, in which buildings are conceived to give the impression of sculpture.

Continue to seek new solutions, most of them are only means to humanize a city car traffic control. This has been done in the center of Rotterdam, in Helsinki in Vallingby (satellite city of Stockholm).

The big problem to implement all these new urban theories is the economic interests of land speculation.

General features.

Sculpture also shows changes with the political, economic and social development of the twentieth century. For once, resulting in loss of humanism replaced by technical and experimental effort, moreover, a strong individualism has emerged that not only deviates from the traditional norms, but also everything that your relationship with a school place or manner to make certain.

The most important features of this sculpture are:

* Creation of new ways to achieve a plastic structure almost architectural.
* Experimenting with the expressive value of new materials: stone, metal, plastic, sometimes they even combined.
* The high importance attached to space vacuum.
* The progress achieved will become more apparent when we consider that for almost two millennia the sculpture was defined as the art of occupying the space with a volume of a given material and as an art of «imitation.» Now attaches particular importance to empty and neglectful of the model.
* In this new direction of the highly influential art sculpture black African and Oceanic cultures.

The twentieth century sculptural landscape is very complex. Systematizing it is not easy nor is it easy to classify an artist within a certain trend.

Plastic innovations of the twentieth century are of undeniable courage. In summary can be summarized by several principles:

* The hollow: create forms such as silence in the music (Gargallo).

* The addition of space: the sculpture blends with its surroundings (Pevsner).
* The abstraction forms no basis in reality have renewed the language of sculpture (Chillida).
* Movement: binding energy and the way machines sculptures (Calder).


Early twentieth century.

Notes the influence of Rodin in many sculptors. Conservative and realistic. Humanism.

BOURDELLE Antonio (1861-1929). French. A disciple of Rodin, showed great interest in the archaic Greek sculpture and Roman, his sculpture is naturalistic and classical.

It is characterized by the cult of power: interest in representing the volume of geometric shapes and proportionate. Theme: the human figure.

Example: Hercules goalkeeper. Monument to General Alvear. Buenos Aires. Bust of Rodin.

Aristide Maillol (1861-1944). French. Moves within the classical tradition. He focuses his interest in pure form, without worrying about the details and accessory elements.

It is distinguished by its conception of the volume: simple, rounded and smooth modeling to highlight more. Architectural design of the human body, building the figure according to a geometric pattern.

Theme: the female nude, opulent forms robust, compact and heavy. Example: The night. Venus necklace.

Hugue Manuel MARTÍNEZ (1872-1945). Spanish. He broke with the hieratic sculpture and luxurious appearance. His figures are from a canon «chubby» small, but very expressive, and gay youth.

Mateo Fernández (1885-1957). Spanish.

José CLARA (1878-1957). Spanish. Representative called Mediterranean style.

It evolved from a styling trend toward a sharp naturalism, showing great interest in the real model, though a «modernity» in its classicism.

His sculptures are characterized by static forms and composed, knowing combine formal beauty with human feeling. Exalts the female body: strong and healthy appearance.

Eg Pomona. Youth.

Spanish. It is distinguished by the concentrated forms and expressive force.

Main theme: the female nude. Example: Despair.

Victorio Macho (1887-1966). Spanish. Eg Monument Pérez Galdós. Ramon y Cajal Monument. Cristo del Otero. Palencia. Tomb of Menéndez Pelayo. Santander. Busto de Unamuno.

Inurria Matthew (1869-1924). Spanish. Eg equestrian statue of the Great Captain.

Eg Statues Valley of the Fallen.


Especially interested in the spiritual content of man to express the deepest psychic contents of human beings as the tragedy, I fear poverty.

New materials: concrete, iron, scrap metal.

Germaine Richier (1904-1959). French student of Bourdelle. Part of a true classic to a whole new way: embattled figures very elongated members.

Alberto Giacometti (1901-1966). Swiss initiated abandons naturalism influenced by avant-garde currents. His influences were Cubism and African black art.

His mature work is characterized by expressionism. Dehumanized figures: elongated figures, looking tortured.Dematerialized volume. Main theme: being human.

Example: Walking Man. Spoon Woman (1928). Palace at four in the morning. (1933).

Ernest Barlach (1870-1938). German. Cubist structures wanted to combine a dramatic expression.

His art is defined by the use of so-cube and the expression of anguish, despair and, in general, anything that might convey a poignant sense of the viewer.

Ie, the terror.Abandoned. (1913).

Abstract figurative.

This trend flies in the face spiritual problems by focusing the interest in the world of forms.


The Cubist movement, with its theoretical, was key determinant in the new orientation of the sculpture. Cubism departs from the strictly figurative reality by reducing it to geometrical volumes. What interests him is the architecture plastic shapes.

Pursues simultaneous representation embedding it prospects in other volumes. He was also interested in the gaps or indoors.

He gave particular attention to materials as give the work a special quality and a specific meaning.

As in painting, introduced the «collages» sculpture. It was practiced at some point, almost all modern sculptors.

Pablo PICASSO (1881-1973). Spanish. Find the geometric volumes. Evolving into new forms of expression but never abandoned Cubism.

Example: Head of a Woman (1909). The glass of absinthe (1914). Goat (1950).

Alexander Archipenko (1887-1964). Russian. Can not be classified in a particular trend. The Cubist influence can be seen in the geometry of some of its ways in alternating curves and triangles.

It tends to combine the forms full of empty. He is interested in excavating the interior voids of the sculptures and sections so that the hole is visible.

It was the first to dismantle the compact. Mix the sculpture and painting in some of his works. Mobile invented what he called «arquipinturas.»

Woman combing (1915).

Jacques Lipchitz (1891-1973). Russian. He suffered a great evolution over its life. Cubism took its geometrization and simplification of the real forms, invented the «transparent sculpture» in which mostly have profiles and their overlap. He used frequently as sheet metal material.

Example: Man with Mandolin.Woman with Guitar (1927). Prometheus. (1936).

Raymond VILLON DUCHAMP (1876-1918). French. His early works show the influence of Rodin, then adhere to the principles of Cubism, especially the group of «Section d’Or.»

In some of his works achieved the synthesis of movement, space and form of the organic and mechanical.

Example: Head of Baudelaire. (1911).

Julio Gonzalez (1876-1942). Spanish personal friend of Picasso. Introduced the technique of wrought iron making, hitherto neglected, in a medium of expression specifically modern.

He adhered to Cubism but later released its influence closer to the abstract. He is considered one of the great sculptors, the origin of a new conception of sculpture.

Eg woman combing her hair. (1932). Dancer in the palette. (1933). Montserrat. (1938).

Pablo Gargallo (1881-1934). Spanish.

Stresses, above all, his iron sculptures. His style became increasingly free and expressive but less abstract than that of Julio Gonzalez. Like to represent the gaps.

Example: Dancing (1927). The Prophet (1933).


It analyzes the volumes, but not in a static sense as Cubism, but in a dynamic sense. Defends the use of all materials. Fragments and distorts the picture.

Umberto Boccioni (1882-1916). Italian. In his work dominates the expression of movement. Interested in the interplay of the object with the surrounding space.

It is typical of his works give the impression of unfinished, getting to leave open some portions of the sculpture or to give hints on the edges broken.

Example: Development of a bottle in space. (1913). Unique form of continuity in space. (1913).


It is also considered as a variant of Cubism, differing from it by the sense of continuity of curved surfaces so that the bodies are a single volume.

Constantin Brancusi (1876-1957). Romanian. Moves away from figuration to be considering the material to suggest the theme and form. Play with all kinds of materials.

Simple shapes of the essential, abstract, polished and perfect. Oval and spindle shapes.

Eg sleeping Musa (1910). Miss Pogany (1913). Bird in Space. (1928). Endless Column. (1937).

Amadeo Modigliani (1884-1920). Influenced by the black sculpture and simplicity.

Eg Head of stone. (1912).

Henry Moore (1898-1989). English. He received the most varied influences: pre-Columbian art, Michelangelo, Brancusi, Archipenko, Picasso, Surrealism, Constructivism. Has figurative and abstract works. Toggles the empty flat, convex or concave.

His works, including abstract, are full of humanity. Express austerity, pain, tragedy, man’s eternal aspirations.

Eg Reclining Figure. (1929). The bride. (1939). reclining mother with child. (1960).

Hans ARP (1887-1966). French.Unfinished and very simple forms. Evolved into forms of monumental aspect in which the volume, curved surfaces, the beauty of the subject and the overall unity are essential values.

Anticipates the informality or pure abstraction.

Eg cloud Pastor (1953). Bare floral.

Henry Laurens (1885-1954). French. The geometric sculpture of the first stage is due to the influence of Cubism. Volumes evolved into wavy, curved, setting games among the masses and voids.

Angel Ferrant (1891-1959). Spanish. It evolved from a monumental figurative and stylized to a more rhythmic expression ity of form, passing abstraction.

He also moving sculptures and others in which the viewer will switch to its parts. He used different materials: cork, wood, brass, iron, stone, etc.

Example: Three women.

Non-figurative abstract.

The object is completely free of any reference to the surrounding world. The sculpture is the product of pure invention of the artist.

Russian French citizen. Defender of «constructivism» for which the main problem of the sculpture is the organization of form and space planes.

Rejects compact volumes vacuum attach great importance to the gaps.It also attaches importance to the movement. Practice an abstract sculpture and mathematics.

Eg World.

American. Creator of the sculpture of «mobile», a name given by Duchamp. The movement was given by a motor, air or the same initial momentum.

The works are made with wires and other elements in various ways, polychrome. Are suspended and the move taken varied forms.

Example: Mobile. (1956). Fish.

Jorge Oteiza (1908) Spanish. His progressive abstraction tend to the size and enclosed space in geometric forms. Bill very carefully, purity of form, material quality.

Example: Merger of two políforos.

Pablo SERRANO. (1910). Spanish. Fluctuates between traditional (expressionist figuration) and the vanguard.

Eg-team units. (1969).

Martin Chirino (1925). Spanish. Works based on iron or steel bands that are stirred in and reverse curves, spirals.

Example: The wind. (1963).

Eusebio Sempere (1924). Look for movement.

Eduardo Chillida (1924). Geometry. Appears to seek a meeting point between sculpture and architecture.

Eg Abesti Gogora.

Overview of European painting from the late nineteenth to the early

The post-Impressionist art had attempted to withdraw from the transitional purely sensory and the Impressionists opting for the unnatural. This move away from the natural and, above all, of the function of painting, which can no longer compete in this aspect to photography and film, will direct the visual arts to the search for the elemental, the essence of things rather than mere reproduction.

The art during this period, has two basic characteristics:

By an attempt to intellectual management of nature as seen in the works of Seurat and Cézanne. They want to paint things as they are and not as we see it: thus, leaving the unique vision implanted by the Renaissance and tend to view multiple models, or rather, of geometric elements that make up these models. The art will now become the creator of a subjective world is not on their behalf.

By a process of idealization of nature through a highly symbolic visual language whose initiator was Gauguin and will continue with the Fauves, where the color will reach a total independence from the form> but continue to maintain a reference to it.

The emergence of the idea that painting should not imitate nature but to express the moods of the artist, their dreams, etc. Within this trend would be the symbolism, surrealism and even expressionism. This individualistic and subjective mark all the artistic experience of the twentieth century, whether it remains in the field of figuration as you choose the abstraction.

This independence is reflected in:

* The color treatment with conventional drop or his almost total elimination.
* The break with traditional methods to represent:
* Volume: no use of chiaroscuro.
* Depth: elimination of the vanishing points.
* Space: use of multiple vision to replace the single view.
* Neglect, more or less marked, the sensory basis as a starting point of artistic activity from Cezanne that part of it for his own artistic experience, through Cubism to create from it an objective world, to the abstraction get the full independence of sensory experience, thus leading to its conclusion the break with the Greco-Roman tradition that was at the origin of Western art.

This simple representation liberalization initiated by the Impressionists, will drive a growing search for new forms of expression, the subsequent «isms» that investigated various aspects of the artistic experience, globalization will not produce a style modeled on the past.

These features will be encouraged his artistic development by the political, social, economic, ideological, which occur worldwide. It generates an art international, individual, but sometimes they try to form relatively homogeneous groups of artists.

The phenomenon of the twentieth century painting is very complex. Trends are rapid pictorial, sometimes even a number of trends appear simultaneously.

The painting in a special way reflects the political, social, economic, at this time.

Several factors influence the new direction that takes the painting:

* The development of budgets and Post-Impressionist painting.
* The progress of the photograph that appears as the best way to represent reality with complete objectivity.
* The discovery and dissemination of art from other cultures, especially the black and the ocean.

The progress and scientific and technical discoveries, for example, Freud’s psychoanalytic theories (especially those relating to the representations dream) and the theory of relativity Einstein (shows the loss of real value of three-dimensional geometry, the basis of traditional spatial representation). Individualism, which pushes each artist to forge his own style, hampering analysis of contemporary art by the near impossibility of classifying groups of artists in a concrete and systematized.

* It takes place between 1888 and 1903.
* Usually included in this movement to the «Nabis (prophets).
* Unnatural, fantastic character, subjectivism, decorative.
* Its purpose was to represent, through symbolic forms and colors, dreams, mystery, mystical or spiritual experiences.
* Defend the «art for art» following the principle enunciated by Maurice DENIS:
* «Remember that picture before a horse, a woman, a flower, is essentially a flat surface covered with colors arranged in a certain order.»
* For them, art was a means of expressing the profound reality of man, above its conventional thinking.
* Previous immediately is that Gauguin became a symbol color. Also is influenced by Japanese prints.
* There is a precedent of expressionism.
* Odilon Redon (1840-1916).
* Maurice DENIS (1870-1943).
* Pierre Bonnard (1867-1947).


The name comes from the French «Fauves» (wild beasts), a term used by the critic Louis Vauxcelles to contemplate, in the Salon d’Automne of 1905, a small statue Renaissance contrasted with the violent colors of the paintings displayed there, that made him exclaim «Donatello chez les Fauves!.» They also received the name of «incoherent» and «invertebrates.»

Launched in 1903, reached its peak between 1905 and 1907 from 1909 the group members disperse following different directions each painting.

Background: Gauguin and van Gogh for his chromaticism and the value they attach to color.

* Its two basic principles are:

* The SKETCH: a base color main line, sometimes using multiple colors in the layout of the same silhouette.
* COLOR: is a bright color, strident, violent, pure tone and powerful, they use it in a completely arbitrary (no relation to objective reality); give color a subjective and emotional value, make the color a vehicle for express emotions and feelings.
* Apply the base color, wide flat spots. Waive the chiaroscuro and modeling.
* Compositions flat.
* Consider the issue as an afterthought: they prefer landscapes, still lifes.

* Henri MATISSE (1869-1954).

Principal representative of Fauvism.

Great artist and colorist.

Organised by the pictorial space plans based on pure colors and spot colors, giving the same value to all elements and areas of the picture. Replaces the perspective and shading of color contrasts.

Rate the curved, tending to arabesque.

Gives a subjective view of reality. Works:

* Luxury, calm and voluptuousness (1904-1905).
* The Joy of Living (1905-1906).
* Portrait of the green line (1905).

* Maurice de Vlaminck (1876-1958).

It is characterized by the intensity of colors and violent contrasts.

Compositions lush, full of coloristic expression.

Distorts the shapes.

Great landscape: get a great dramatic effect.

Upon leaving the practice Fauvism Cubism. Works:

* The Bridge at Chatou (1904).
* Street under snow in Chandais (1925).

* Andre Derain (1880-1954).

Highlight their representations of cities as seen from a viewpoint very high.

He goes after cubism. Works:

* Albert Marquet (1875-1947).

Home Landscape.

Colorful less bright and pure.

* Francisco Iturrino (1864-1924).

Incorporated the power of color and poetic freedom Spanish realism. It is rather a precursor of Fauvism.

Popular topics: bulls and horses.

Portrait of the characters in the generation of 98 and author of excellent still lifes and landscapes.

The richer the color and the finely strokes.

It takes place between 1905 and 1914, but after 1920 can still be found expressionist painters.

Surge in Dresden (Germany) but soon international.

The name comes from the critic H. Walden used him as the opposite of Impressionism. It was released by the magazine «Der Sturm» («Storm») that applied to all emerging avant-garde between 1910 and 1920.

It is located within the so-called subjective pictorial trends, those who care about the content of neglecting the work of art, or not valuing formal aspects.

Its immediate roots are in Gaugin (color) and Van Gogh (the gesture).

Coincided in time with Fauvism, Cubism and Futurism.

The artists were two distinct groups: «The Bridge» and «The Blue Rider.»

The basic principle is that the artist must express his inner world table. Sentiment should prevail against reason.

Faced with impressionist objectivity appears as an art expressionism completely subjective things are according to each one feels.

The drawing is formed with broken lines, distorted figures and objects, silhouettes intense. This distortion of reality reinforces the expressiveness.

The colors are violent, dark tones applied to thick and irregular base touches that recall «claw.» Its function is to please the senses but express the inner world.

His subjects have a strong political and social criticism. They want to express the problems and feelings of man: fear, loneliness, perversions, etc..


* Edward MUNCH (1863-1944).

Drawing of sinuous lines, distorted figures.

Arbitrary colors, pure tone.

Represents emaciated faces of haggard eyes that reflect the fear of loneliness, bitterness, pain, distress.

Decisively influenced the expressionist movement. Works:

* The Scream (1893).
* The Dance of Life (1899).

* James ENSOR (1860-1949).

Faces deformed and decomposed.

Bright and cheerful colors.

Burlesque intention in his work: sometimes enigmatic, sometimes irreverent. He delights in the absurd and brutal to ridicule the man’s moral shortcomings.

The masks and skeletons are of great importance in his work. Works:

* Entry of Christ into Brussels (1888).
* Masquerade (1897).
* Death and the Masks (1897).

* The Bridge (Die Brücke).

Surge in 1905 in Dresden as a bridge between all elements of revolutionary art.

They exaggerate the shapes and contours.

They use pure colors, dark colors, contrasting colors. It is considered by some critics as a kind of «Fauvism Germanic», sometimes even more extreme than the French.

Practice a subjective art, his works are tense, emotional, visionary. Delve beneath the surface of a society that they see hypocrisy and want to convey the concerns political, social and ethical existing pre-war Germany.

* Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938).

Drawing: angular shapes, Gothic.

Color: shrill, especially at first.

Painting hard, expressing the loneliness and bitterness of the men of his time.

Create a torn female type; also highlight its street scenes.

* Emil Nolde (1867-1956).

Drawing: very simplified, distorted and deformed faces (they look like masks) and objects.

Color: intense, loud, sharply juxtaposed. They evoke the forces of instinct and spirit.

Topics: religious (treated with disrespect) and nature.

His painting is violent and tumultuous expression of its mystical and tormented personality. Works:

* Tropical Sun (1914).
* Triptych of St. Mary of Egypt.

* Oscar Kokoschka (1886-1980).

Drawing: Figures twisted nerve, silhouettes of thick black lines.

Color: sad, applied directly to the tube or with a spatula, resulting in areas of swirling color stains.

Topics: portraits of complicated psychology, cityscapes. Works:

* Bride of the Wind (1914).
* Pagan (1918).

* The Blue Rider (Der Blaue Reiter «).

It takes place between 1911 and 1914.

The name comes from an almanac of the same title that was reproduced for the first time a group works in honor of Kandinsky (who liked to paint horses) and Marc (blue was her favorite color).

Opposed to Cubism, rejecting the rational merits of it.

While «The Bridge» criticizes society, «The Blue Rider» idealizes do exalt their spiritual values.

This group should be two key contributions:

* Theoretical consistency gave the expressionist movement.
* They evolve from the stand figurative painting to abstraction.
* Vassily Kandinsky (1866-1944).

He belonged to the Bauhaus.

Evolved a lot, being one of the creators of abstract art. He came to base their compositions on the path of lines, angles, squares and circles colored with flat paints.

Drawing geometric shapes and flat. Great colorist. Shape and color are the tools he uses to make visible his inner world. Works:

* With black bow (1912).
* Improvisation IV.

* Paul Klee (1879-1940).

He belonged to the Bauhaus.

Evolved into abstraction.

Distributed in harmony and delicacy of lines, colors, shapes.

He practiced abstraction, figurative art, but also more or less abstract.

Difficult to classify because it is sometimes abstract and other expressions or realistic.

His calligraphy «childish» bear some relation to painting by Miró. Works:

* Ad Parnassum (1932).
* Senecio (1922).

* Franz Marc (1880-1916).

It is the most figurative of the group, but also comes to abstraction in certain works.

His style can be defined by the schematic and the arbitrariness of color (red, yellow and blue), which gives a symbolic value. Works:

* Red and Blue Horse (1912).

* Georges Rouault (1871-1958).

Alterna expressionism with the Fauves.

Drawing: thicker hairlines very marked with black base levels reminiscent of the Gothic stained glass.

Colors: strong tones and flat, opposite each other.

Religious themes due to his fervent Christianity. One critic has said that he is the greatest religious painter after Rembrandt. Works:

* Jesus among the Doctors (1894).
* Clowns (1917).

Expressionism in Spain and Latin America.

* Isidro NONELL (1873-1911).

Skilled draftsman.

Provides the color, atmosphere and expressive brushwork of a value deep, intimate and dramatic.

Represents the misery and anguish of the poor in the slums of Barcelona.

* Ramon Casas (1866-1932).

It uses a light color and less pathetic than Nonell.

* Jose Gutierrez: (1886-1945).

Drawing on the basis of broad strokes.

Color: dark, earthy ranges.

Painting comes to pessimistic gloomy. Paint the «Spain Negra» of outcasts, beggars and outcasts. Taste for the ugly, bitter, painful and unpleasant. Works:

* The girls of Claudia.

* Ignacio Zuloaga (1870-1945).

Energetic style and strong.

Influenced by Solana, running a rough genre painting, though less severe than that.

Play hard and dry types, ghostly visions of ruined castles, deserted villages.

Some critics considered part of Fauvism.

* Rafael Zabaleta (1907-1960).

Combining cubism and expressionism with the popular.

* Benjamín PALENCIA (1902 –

Artist of sobriety and simplicity of the fields of Castilla.

He founded the School of Vallecas.

* José Clemente Orozco (1883-1949). Mexican.

It draws on folklore and Aztec art.

His realism is mixed with the symbolic and visionary. Works:

* Fresh from the castle of Chapultepec, Mexico.

* Diego Rivera (1886-1957).

Maintained contact with cubism.

Favorite subjects: those relating to the Mexican revolution and the popular. Works.

* The Zapotec civilization. Fresh from the National Palace. Mexico.



It takes place between 1908 and 1914 but will remain dormant in all subsequent movements.

It was named by the critic Louis de Vauxcelles commenting about Braque paintings exhibited at the «Salon des Independants XXV» and claiming that consisted of «small cubic masses.» According to some historians, the first to speak of «cubes» to refer to Braque was Matisse critic heard it and used it in his writing.

The first symptoms occur Cubists in Paris in 1907, Picasso painted the painting «The Ladies of Avignon» (actually it should be called «Avignó», the name of a street in Barcelona) and Braque made a series of landscapes based on the spirit Cézanne’s constructive. They are the two creators of the Cubist aesthetic.


Cezanne with a constructive spirit, their attempts to rearrange the elements of reality v the principle that nature must be considered by the pure geometric shapes that form.

The assessment in the artistic art of primitive cultures, especially African art, with its treatment of the figures based on angled planes.

The neo-impressionism and pointillism with its tendency toward geometric structure of the table.


Cubism was a reaction against Fauvism plastic: Cubism does not intend to return to realism but to restore the volume in Fig.

It is an intellectual art. Numerous theoretical treatises were published on it.

Apollinaire chief theorist of Cubism, said that «cubism painting seeks new joint elements taken not from the reality of the vision but the reality of knowledge.» Cubism intellectualized reality, not in order to represent visually captured but as is apprehended by the intellect. Cubism For the reality is conceived as consisting of pure geometric forms: it aims to see in reality a reflection of the fundamental volume of the geometry of space.

It represents a complete break with traditional painting

Eliminates the traditional perspective.

Use muted colors: gray, brown, soft green, yellow, white. They are not real for excessive neutrality. Gaya Nuño says: «All the cubist painters put your paddle on bread and water.» Eugenio D’Ors said: «After the Carnival Impressionist Cubist Lent is imposed.»

They try to give a vision of the objects from different viewpoints: hence the vision come together and the front profile of a face. This synthesis of visions for the space-time, ie the desire to stabilize the volume at a time.

The sum of multiple viewing angles is carried out synchronously in the table, when nature is not possible «should be turned around in order to take several successive appearances, cast in a single image, reconstitute it.»

They use optical delusions, ie the relativity of forms, since when juxtaposed affect each other, being different. Thus, an ellipse inside a polygon looks like a circle. Cubist forms of its true value based on the surrounding. Something similar had the Impressionists with color.

Decomposed bodies in the geometric shapes and then recomposed.

For the cubist painter the subject, itself, is irrelevant: what matters is the composition of forms. Introduced the technique of «collages» are incorporated into the tables of all materials (newsprint, magazine pieces, fabrics, etc..) For a more striking effect.

Some critics consider to Cubism as the biggest revolution since the Renaissance tried plastic.
Analytical Cubism

It takes place between 1908 and 1911. The artist holds an intellectual analysis of the object breaking it down into geometric shapes and recomposing then associate the different parties freely as she recalls.

Dispense single vanishing point, characteristic of Renaissance perspective, and use many vanishing points as needed to cover the total view of the object.

The result is the representation of objects made by a number of different and complementary shapes, fragmented by a series of lines and planes.

Thus aims to provide an overview of the subject, joining all points of view from which you can see the object.

This decomposition of the object can give an insight as complicated as some critics call him hermetic Cubism.

Use muted colors (brown, ocher, gray), tends to monochrome
Synthetic Cubism

It takes place between 1912 and 1914. The secrecy that had led to analytical cubism provokes a backlash and attempts to recover the lost object recognizable by the subject matter.

The artist selects the most essential views of the object and proceeds to make a synthesis of them, so the issue becomes recognizable.

Guy Habasque called Eidetic Cubism Synthetic Cubism to express that the aim is to represent only the «essentials» of the object.

Introduces the technique of «papiers» collages «to achieve certain aesthetic effects while it recover fragments of reality, essentially characterizing the object.

The collage also helps to give a sculptural relief painting.


* Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) Malaga.

1891. The family settled in La Coruña. Picasso began to paint.

1895. New move to Barcelona. Entered the School of Fine Arts (made in one day the issue of admissions test, which provided work for a month). Demonstrates a mastery of drawing and color.

1896. Installed its first workshop in Barcelona.

1897. Get into the Academy of Fine Arts of San Fernando in Madrid.

1900. First trip to Paris. Get in touch with the Impressionists and Post. Make cabaret and street scenes with a critical, winding and undulating lines, shades of citrus.

1901-1906. Time of social expression.

Alternating their stays in Paris, Barcelona and Madrid. In 1904 he established permanent residence in Paris. There he meets at home of the «Bateau Lavoir» all of the Parisian avant-garde.

Be aware that painting must express, not to imitate, and that the color should be a key vehicle for expression.

* Blue Period

Dominant color blue.

Painting sad reflection of his pessimistic view of life atmosphere of sadness and pain in a desolate environment.

Stylized, thin, starving, pale, and represents an aching humanity: beggars, abandoned women and children, traveling circus performers.

Special interest in the treatment of hand. Works:

* Tragedy (19 031).
* The laundress (1904).
* Maternity (1903).

* Rose Period (1905-1906).

Combine pink with blue tones.

Loses strength earlier pessimism.

Figures fuller and patterned.

* Items of the circus.

Making contact with poets like Apollinaire and Gertrude Stein. Work:

* Family acrobats.

Black or proto Epoch 1907.

Influence of Cezanne and Negro sculpture.

Is interested in the representation of forms in space without reference perspective.

Style dense and massive. Work:

* The Ladies of Avignon (1907).

Cubist Epoch 1908-1916

Together with his friend Braque impose the principles of the new movement.

Evolution of Analytical Cubism to Synthetic.

From 1912 introduces the collages. Works:

* Women’s Fan (1908).
* The landscapes of Horta del Ebro (1909).
* PERNAUD Bottle (1912).
* Ma jolie (1914).

* Time of neoclassical Cubism 1917-1924.

It represents, in a manner Cubist art forms suggested by Greco-Roman Renaissance.

Sculptural-looking female figures and monumental forms, shaped in a very classical. Work:

* The three dancers.

* Time of the «Metamorphoses» from 1925 to 1934.

Characters violently distorted, twisted shapes. Off-white on a blue background.

Bears a certain relation to the surreal, but never gets to belong entirely to this movement.

Make a series of metamorphoses in which attempts to represent certain symptoms of the new society: the emergence of fascism, consumerism unleashed communist totalitarianism.

The figures are distorted and becomes painting signs, a metaphor of reality. Work:

* Woman sitting by the sea 1934.

* Tauromaquias

They reflect the drama that lies at the heart of mankind.

It incorporates the white horse, symbol of innocence and indirect victims of tragedies.

* Expressionist period 1936-1950.

Angular and distorted figures.

Represents the horror is only offset by the sweetness that emanates from the faces of children.

Also interested in mythological themes, especially the Minotaur. Works:

* Guernica (1937).
* A woman who cries.
* Ox Skull (1942).
* Tribute to Julio Gonzalez.

* Eclectic Period 1950-1973.

Mix all the styles giving primacy to Cubism.

Make recreations of classic paintings under the Cubist perspective.

Optimistic view of life.

He also produced works of pottery, sculpture, prints.

* Las Meninas.

1973. He died in Mougins (Cannes) on April 8.

It is a true symbol of our time reflects the fears, anxieties, superstitions and myths of the twentieth century man.

He professed a genuine and profound humanism, engaging with the problems of men of his time.

She was never linked to a particular aesthetic: his life acted freely, staying in a continuous search for new formulas. Participated in all the trends, but interpreted by his great personality.

This makes the classification and systematization of his work

* Georges Braque (1882-1963)

Along with Picasso, was the creator of the Cubist aesthetic.

It differs from Picasso that almost always ignores the human figure and is dedicated to the inert nature: bottles of wine and beer, guitars, dice and cards, newspapers and letters.

His basic themes were the still lifes and interiors of rooms which provides a real intimacy.

Contributed decisively to the use and dissemination of the collages.

Although he always remained faithful to cubism, from 1945 evolved toward greater clarity and simplicity, giving the objects represented an increasingly important value. Works:

* Estaque Landscapes (1908).
* The Portuguese (1911).
* Composition with ace of clubs (1912).

* John GRAY (1887-1927).

Real Name: Jose Victoriano Gonzalez.

He practiced a synthetic cubism, rejecting the previous secrecy.

He became interested in the structure of the works regardless of the vision of the objects that compose them.

Rate chromaticism and formal simplification.

He became interested in interior space.

He has been called the «Zurbarán of Cubism» by the asceticism of his painting. Works:

* Checkerboard. Guitar, glass and Fruit Bowl (1918).

* Amadeo Modigliani (1884-1920).

Influenced by Cezanne and the black art is about Cubism but not actually belong to this movement.

Figures of total stylization. Works:

* Young redhead with collar (1918).

* María GUTIÉRREZ BLANCHARD (1881-1932).

Practice a figurative cubism.

His painting is characterized by melancholy and tenderness. Works:

* The convalescent.

* Daniel Vázquez Díaz (1882-1969).

Cubist is not strictly in their works but is interested in architectural construction of the painting.

He ended up practicing a traditional painting and academic.

Great cartoonist.

Author of large murals.

* Francisco GUTIÉRREZ COSSIO (1898-1970).

Geometrizes representations: portraits, still lifes, seascapes.

Movements derived from Cubism.

Concern for simple geometric shapes.

Try to associate the art with industrial objects, machined: its forms seem «mechanisms.»

Mark the outlines of the figures with heavy black lines.

* Fernand Leger (1881-1955).

* Masons (1950).


Term invented by Apollinaire. This coincides with the colorful cubism but includes in his compositions and attaches great importance to light.

* Robert Delaunay (1885-1941).

Together with Kandinsky become the pioneer of abstract painting.

* Circular Forms (1912).

Section D’Or or group of Puteaux. Study the relationship between line and color through steady harmonic measures.

* Marcel Duchamp (1887-1968).

* Nude Descending a Staircase.


It extends between 1910 and 1915. Emerged and developed almost exclusively in Italy. Not reached the international dissemination of the other movements.

Marinetti, Italian poet, published in «Le Figaro» the manifesto of the futurist movement: extolled the beauty of speed and machine as new civilization values and symbols of industrial society: a car running is more beautiful than the Victory of Samothrace.

A critique of traditional art.

It advocates the burning of libraries, museums, cultural centers.

He defends the war, violence, militarism, anti-feminism.

A thesis Marinetti joined in 1910, published another manifesto, a group of artists led by Boccioni.

The provocative attitude of the Futurists was a preview of which take other movements like Dadaism and Surrealism.

The Futurist movement was a fascist political content, partnering and serving propaganda Italian Fascism.

Main objective: to represent the speed and dynamism as exponents of the new industrial society.

Try to capture the color and movement by the multiplication of the same object positions, resulting in a series of successive images seen simultaneously.

From the technical point of view does not bring anything new: the artists were unable to find the proper technique to implement his theories.

Critics see it as a «dynamic cubism.»

* Umberto Boccioni (1882 to 1916).

Theorist of the futurist movement.

He ended up moving towards geometric abstraction.

He was also a sculptor.

Mix the pointillist technique using the color of the Expressionists, while the relationship between figure and space is fully cubist.

* Simultaneous Visions (1911).

* Giacomo Balla (1871-1958).

He was the most original of them all.

Successively passed for realism, divisiveness and Cubism.

The way you capture movement was suggested by the film: plasma successive positions of the legs and arms while walking.

Turned to geometric abstraction.

Iridescent rapport

* Passage of Mercury to the Sun (1912-1914).
* Girl running through a gallery (1912).
* Dynamism of a dog on a leash (1912).

* Gino Severini (1883-1966).

Painting cheerful, bright, rich colors.

Using curved lines drift towards total abstraction.

* Dancing Blue.

* CARP Carlo (1881-1966).

Write a manifesto: «The painting of sounds, noises and smells,» advocating the integration of the various arts.

Anticipates Dadaism and Metaphysical painting.

* The Funeral of the Anarchist Galli (1911).
* Concurrency.

NAIF primitivism MOVEMENT

Develops during the first years of the twentieth century.

The French term «naive» means naive, childish.

It is a reaction against the intellectual art, conceptual and symbolic.

Unreal figures represents a two dimensional space.

Its simplicity made it well accepted by the general public.

* Henri Rousseau (1884-1910).

French called the «customs» in relation to his true profession.

Is the initiator of the movement «naive.»

The themes, color, light, give his pictures an atmosphere of magic and mystery.

* War (1894).
* The sleeping Gypsy (1897).
* Yadwigha Dream (1910).

Metaphysical painting

Covers the period between 1910 and 1915. Is a reaction against the futuristic dynamism. Giorgio de Chirico said that his art was more complicated and metaphysical than their peers.

Chase immobility; advocates a return to classical serenity and figuration.

Put the figures in perspective well built, in an atmosphere of solitude and mystery.

The figures are so sketchy, depersonalized, so like machines, which resemble dream images and fantastic, close to surrealism.

* Giorgio de Chirico (1888-1979).

Greco-Roman. Unrealistic to provide a freezing and mixing environments using real and unreal elements.

Represents «inner metaphysical» kind of closed rooms, with spectral light and elements derived from civilization, by which is meant to symbolize the internal maze of modern man.

* The enigma of the oracle.
* Fight The Lapita and centaurs. (1909).
* Toys prince. (1914).
* The Muses disturbing. (1917).



Pictorial movements emerged between the two world wars can be considered as a result of the development of previous pictorial experiences. The Second World War put an end to the so-called historical avant-garde. »

From the 50 streams multiply innovative artists seeking new forms and modes of expression.

Surge in Zurich between 1916 and 1921. There they met a group of artists, led by the poet Tristan Tzara, with the aim of demystifying and ridicule all the values of culture.

The word has no particular artistic significance. Dada is a word with which children nominate their «horses.» Was chosen randomly opening a dictionary.

It is not exactly an artistic style but an attitude of opposition to the existing society and the arts.

His supporters defended the irrationality, rebellion: revolt against art, morality and social force.

They believe that art had become a luxury item in the service of the bourgeoisie, so take destructive forms a critical humor with which he intended to shock and irritate the bourgeoisie.

Defend the «anti-art» of the absurd: according to them the paint must be understood.

Use collage, using all kinds of waste materials (rags, dirty paper, rusty nails, old bicycle wheels) and photomontage.

Surrealism influence.

Several factors contribute to its appearance:

1. The horrors and consequences of war.
2. The personal disappointment painters rarely considered.
3. His desire to bring the painting to the destruction that ravaged Europe.

* Marcel Duchamp (1887-1968).

He had previously fought in the ranks of the Section d’Or but the influence of his friend Picabia begins in Dadaism.

Introduced in New York Dada.

Creates the «ready-made» manufactured objects in common use, disposed of, to which some element added or removed to make them art objects.

Introduced by starting the actual movement called «kinetic art.

Ridicules classical art, going so far as to make a version of the Mona Lisa with a mustache.

* Nude Descending a Staircase (1912).
* Bicycle Wheel. (1916).
* Fountain (a urinal) (1917).

* Max ERNST (1881-1976).

He practiced the technique of «frottage» rubbing pencil on sheets of paper are traces that, once completed, suggest mysterious works, populated by strange animals and vegetation fantastic.

It also has a surreal aspect.

In collaboration with ARP performs a series of collages called FATAGAGAS.

* Hans ARP (1887-1966).

He combines his character with that of painter sculptor collage and simple compositions.

* Francis Picabia (1879-1953).


Linked to the Orphic Cubism to Dada and passes through it, to the surrealism.

* Udine (1913).
* Child carburetor.



Developed between 1925 and 1945.

The word was first used by Apollinaire in 1917 to refer to a move related to Dada painting and sometimes also called the adrenal or Sobrerrealismo.

In 1924 André Breton published the first Surrealist Manifesto in which he defended pure psychic automatism as a means to express, in writing, orally or otherwise, the actual functioning of thought, in the absence of any control exercised by reason, outside of any aesthetic or moral concern

In 1925 we celebrate the first surrealist painting exhibition at the Galerie Pierre in Paris.

The onset of World War II marked the end of the surrealist movement as such, but survives today as a trend.

Immediate background: metaphysical painting and Dadaism. From there, he inherited the irrational attitudes, taste for scandal, the theatrical gestures and spirit of social rebellion.

Its purpose is different from the Dada: a bridge between art and society, to solve the problems posed by the First World War that art better reflect modern man in its entirety.

Is closely related to Freud’s work, especially with the latter studies on dreams.

Pursues the representation of the real world of the subconscious: attach to the subconscious state actually covered more value and veracity that the perceived in the waking state.

Automation in the implementation: free and uncontrolled movement of the hand and the brush to escape the control of reason.

This automatically applies as much to painting to writing and was combined with other games like the «exquisite corpse», in which each participant must write a word without knowing the previous word to back. The game is so named because the first sentence was written was: «The exquisite corpse will drink white wine.»

Despite this finding automatism Surrealist painters have a certain cohesion of school in the resources they use: animation of the inanimate, metamorphosis, isolation of anatomical fragments, fantastic machines, confrontation of incongruous things, Prospects empty, all surrounded by an atmosphere Spectral and chilling.

In general predominated surrealist painting drawing over color.

The themes are based on the world of dreams, nightmares and obsessions in mind.
Figurative surrealism

Trend objective, naturalistic objects, despite being illogically combined, are recognizable.

Use figurative language and Orthodox perspective.

Objects transforms the proportions varied regarding the environment in which they are situated and disparate sets of objects created in an environmental context that only exists in the mind.

* Salvador DALI (1904-1989).

From 1929 he settled in Paris identified with the Surrealist painting with figurative surrealism.

An excellent draftsman, meticulous technique, very elaborate, descriptive and great mastery of perspective, almost photographic realism.

Considers that dream visions to communicate to the viewer, and that are intelligible, we must express them with the maximum amount of pictorial means and as explicitly as possible.

Associated with different elements in the table in an unusual way: are strange and amazing scenes.

It is a world of fantasy, dream, with a marked penchant for the sexual and erotic.

In some works, distortion and elongation of the figures reaching effects of high drama.

He says his paranoiac-critical activity is: for some critics is an attitude simply advertising.

Bright colorful and bright.

His best time is surreal that extends until 1936, after years tea market is your painting.

* Six Apparitions of Lenin on a piano.
* The Persistence of Memory (1931).
* The Birth of Liquid Desires (1932).
* The Temptation of St. Anthony.

* Max ERNST (1891-1976).

Dada Surrealism is about both figurative and abstract.

Memory of Dadaism are bitter satire and social criticism.

Investigate new techniques: the «frottage»: place an object under the cloth and rub with a rough charcoal or brush and «dripping» to harness the emerging forms at random on the canvas to paint fall on him in a container with holes.

Keep practicing the collage.

* Napoleon in the desert.
* The mantle of the bride.
* The Elephant of Celebes (1921).
* Women with a hundred heads. (1929).

* Oscar Dominguez (1906-1957).

Figurative surrealism diffuser but gradually approaches the cubism.

* The sewing machine electrosexual (1935).
* Drago (1933).

* René Magritte (1898-1967).

Dota objects properties represented by their nature are not theirs: flaming stones, fragmented bodies.

Combine the unusual and the everyday, the erotic and the macabre: works are intriguing. Delusions of grandeur.

* The rule of light.
* The false mirror. (1928).
* The tomb of the wrestlers (1960).

* Paul Delvaux (1897)

Specializes in nocturnal representations of scenery delirious and dreamy atmospheres with sleepwalkers disturbing and female figures and as an erotic hypnotized.

His technique is close to the realist tradition in both the drawing and form.

* Alba (1937).
* The sleeping city.
* Abstract Surrealism.

Trend anti-objective

Representations of abstract, organic shapes reminiscent combined without any apparent logic.

* Joan MIRO (1893-1984).

In the beginning was influenced by Cezanne, Van Gogh and the Fauves, but after 1925 practiced a surrealism that derives increasingly toward abstraction.

From the beginning there is the problem of the liberation of man through art.

His painting is apparently naive, childlike, but it is technically elaborate.

Colorful compositions: pure tones (yellow, blue, red), color harmonies.

The unreal everything has invented many signs and symbols that substitute for real objects and are a hieroglyphic language in which every sign acquires meaning by its relationship with others.

No plasma or volume or perspective.

He also practiced ceramics.

* The gold of the azure sky.
* The bullfight.
* The Village (1921-1922).
* The Carnival of Harlequin (1924-1925).
* Interior Dutchman.
* Decorative ceramic. UNESCO Building. Paris.

* Yves Tanguy (1900-1955).

Is devoted to painting under the influence of Giorgio de Chirico and in 1925 joins the Surrealist movement.

Mix the two world views: the surreal and metaphysical.

Landscapes populated by beings of ambiguous nature, whether plant or animal, or perhaps the product of hallucinations.

* The time furnished.

* March CHAGALL (1887-1985).

His style is difficult to classify: it is a synthesis of Russian folk art, the Fauves and the colorful geometric cubist.

It is at once fanciful, symbolist and expressionist by the intensity with which the problem is human.

Visionary paintings of scenes in which does not take into account the laws of gravity or the likelihood, or associative logic (cat with a human face, figures the reverse).

Great colorist.

* To my wife.
* Paris seen from a window.
* Self-portrait with seven fingers (1912-1913).


Painting called abstract paintings that does not refer to any being or nature known way, ie that is not figurative. No figures are considered strictly those shapes. The abstract painter ignores the object even as a pretext for painting. Abstract painting does not take into consideration any of the tenets of classical paintings such as modeling, perspective, the organization of pictorial space, etc.

Its main objective lies in the proper distribution v harmony of colors and forms n visual reality.

Abstraction is the opposite trend to realism in the artwork goes to the track, as represented no allusion to the nature or the human figure.

Since the early twentieth century the subject had been subjected to all kinds of experiments:

* Fauvism reduced it to color.
* What geometrizes Cubism.
* Expressionism did not hesitate to distort.
* The future did vibrate dynamically.
* Surrealism dreamed.
* Abstract art culminates this process comes to its final disposal.

Abstraction is this the postulate of the painter «nabi» Maurice Denis: «Remember that a painting rather than a horse, a woman, a flower, is essentially a flat surface covered with colors arranged in a certain order.»
Geometric Abstraction

It started during the second decade of the twentieth century. Reduce the contents of the box to pure geometric patterns of lines and colors.

There are different tendencies within the geometric abstraction, but all have some common characteristics:

Geometrical forms with predominance of the straight line.

Absence of any reference to images of nature. Art should not be «representation» but «construction.»

Submission to strict rules of procedure.

Using pure colors and clear.

Based on Cubism and the work of Robert Delaunay, a founding member of the Section d’Or.

Usually receives the name of Constructivism and has evolved in a progressive and continuing until the present time.

Surge in Holland around 1917. Movement is also known as «Der Stijl (The Style), name of the magazine that promoted it.

It is related to Cubism, which is considered immediately above, but differs from it by denying the volume.

Defend geometric abstraction and simplification. Its aim is to harmonize the spacious form and color.

It uses geometric shapes based orthogonal horizontal and vertical.

Colors: the three primaries (yellow, red, blue) and non-colors (white, black, gray), valuing each color separation by black lines, the size of the colored surface and the intensity of tone.

Distributed colored surfaces and juxtaposed to form an organization and visual significance considered as «pure art.»

The influence of Neo was felt in architecture, urbanism, design.

The starting point in the Neo is the space that gives rise to structure the form.

* Piet Mondrian (1872-1944).

* Composition
* Tableau II.

* Theo van Doesburg (1883-1931).


Created by Malevich in Russia in 1913 and released in 1915.

It is considered a branch of constructivism.

The name he gave Malevich to advocate the supremacy of pure feeling or perception.

Seeks to harmonize completely simple geometric shapes (square, circle, triangle) of pure colors and situated on a plain background.

Unlike the Neo is that while it creates the form of structuring the space using the space structure Suprematism colors through the shape.

Influenced the Bauhaus.

* Kasimir Malevich (1878-1935).

Suprematism 417, black square on a white background (1913). White square on black (1918).

Parallelism to Suprematism.

Defend the functionality of the artwork.

It will be so important in painting and sculpture.

* Vladimir Tatlin (1885-1952).

Creator of the constructivist movement.

* El Lissitzky (1890-1941).

Combine with other flat shapes of three-dimensional character.

Some paintings can be transformed into sculptures and acquire movement.

* Proun.

* Antoine Pevsner (1886-1962).

Together with his brother Naum Gabo, published the «Manifesto realistic» in 1920, the basis of future experiments applicable to both painting and sculpture.
Expressive abstraction

Surge in Europe since the Second World War developed in the early 50s.

The term abstract expressionism became widespread after 1950 but was first used in 1929 by critic Alfred Barr, referring to the «improvisation» of Kandinsky.

Some critics use the term l informality «as a synonym of Abstract Expressionism» by which I noted that it is a painting in which definite forms are absent.

The starting point of abstract expressionism are Kandinsky and Expressionism.

It differs from the geometric abstraction that takes it employs das rigid forms of geometry while the expressive abstraction used flexible forms, ie forms that can not be defined.

It is a painting based on intuition and subjectivity, trying to reproduce on canvas the effects of a particular emotional state since for them the sense must prevail over reason.

There are several pictorial tendencies but all have common characteristics:

It is an action painting.

The work is gestated in the very act of painting.

By chance, more or less controlled, is an important part of the creative process.

* Vasily Kandinsky (1886-1944).

Part of Expressionism but gradually moves away from him, coming only color freely ordering impulses of inspiration.

Work at the Bauhaus with Paul Klee.

He did not only theoretical but also practical works.

* Bow tips.


The name comes from the French «tache, stain, and was used in 1954 to describe a painting that used color spots and patches.

Some critics called «Art Autre» to designate a painting that should be distinguished from any other existing genus.

Rate the expressiveness of the artist and his psychological projection in the artistic work.

It is a painting, which vanishes, all kinds of formal or conceptual and are not subjected to any theoretical principle.

It is not in any way to remind the outside world or invented object.

* Jean Fautrier (1989-1964).

* The Jewish.

«Action Painting» (Action Painting).

It is the name that is known in the U.S. Abstract Expressionism and gave the critic Harold Rosenberg in 1952 to highlight that this is a painting in which assesses the physical act of painting.

Reacted to the Academic cubist and surrealist who had won between the two world wars.

Carried to its ultimate consequences of automation techniques, valuing the spontaneity of the artist at the time of executing the work, the action «must be autonomous and uncontrolled.

It is a vigorous painting. impetuous, violent, employing large canvas and colors violent, loud, aggressive.

Some painters practiced the technique of «dripping, dripping paint on canvas so that, at least partially extends to chance.

* Jackson Pollock (1912-1956).

* Rolling trails.
* Composition No. 13.

* Franz Kline (1910-1962).

* Painting No 2. (1954).

* Willem de Kooning (1904)

* Woman II.

* Mark Dorothy (1903-1970).

* Red, white and brown.

Painting of signs and gestures

Although sign-and gesture are not exactly the same, critics often group together artists from both trends.

its roots must be sought in the Surrealist automatism and the discovery of the graphs and pictographs from the Far East.

* Of signs: a particular graphic used to create «new alphabets.
* Gesture: painting based on the rapid and uncontrolled implementation rationally.

Typical features:

* Speed of execution.
* Personal drive reckless.
* Creation of abstract signs: the painting is a kind of inscrutable oriental calligraphy.
* WOLS Alfred Otto Wolfgang (1913-1951).

* Composition V.

* Georges MATHIEU (1921
* Jean Dubuffet (1901-1985).

He created the concept of «Art Brut» to describe the work of psychopaths and children.

* Landscape philosophical.

Material painting

The materials used in the preparation of the work should be the focus attention of the artist, the only motivation of the table.

The matter is in first place in the scale of artistic values, it is the means of expression par excellence, is even more important than form.

They worry about the physical and technical aspect of the work, not interested in drawing and composition.

The work is made of different materials: bark, rags, burlap, wire cloth, strips of fabric sewn over a metal frame, sand, sawdust, paints, etc. United and painted to achieve amazing effects.

The use of such materials and many other waste is becoming more common (Pop Art, Arte Povera). The first examples of this ne


* Manolo Millares (1926-1972).

Spanish representatives

They form two major groups that take as a starting point Surrealism:

* DAU AL SET, born in Barcelona in 1948.
* Modest Cuixart (1925).
* Antoni Tàpies (1928).
* EL PASO, held his first exhibition in 1957 in Madrid.
* Antonio Saura (1930
* Manuel Millares (1926-1972).
* Rafael Canoga (1934
* Manuel VIOLA (1919
* Martin Chirino (1925



From the decade of the 60s, America imposes its primacy in the arts, taking the lead with the invention of new techniques and artistic languages.

This period is characterized by the search for new paths. Artists use all kinds of natural or unnatural methods (eg, drugs) as well as artistic materials considered so far (plastics, scrap metal, used items).

Sometimes it is difficult to establish whether it is paintings and sculptures or paintings that introduce the most varied.

It attaches great importance to the light, movement and sound in new experiences plastic.

Currents or trends come and go quickly, some even have gone from being unsuccessful attempts to new experiences.

As a reaction against earlier trends in geometrical and abstract, the tendency, since 1960, a new figurative but not entirely forget the past experiences.

Include those whose representations are identifiable trends with objective reality.
Figuration or New Figuration

It was a reaction against abstract expressionism, trying to regain reality without falling into academic realism.

The aim was to make art accessible to the majority.

Compositions messy, vibrant colors, strange and unconventional perspectives.

Topics: mainly interested in the human figure provided under a pessimistic view, for which members distorts the figures.

* Francis Bacon (1910

* Portrait of Henrietta Morales
* Portrait of Pope Innocent X by Velazquez.

* Antonio Saura (1930

Very sober hues.

* Portrait of Brigitte Bardot.

* Jean Dubuffet (1901

* Being and seeming.


«Popular Art», meaning «popular» the vulgar, is also known as novorrealismo.

Takes place mainly in the U.S. arises even in England.

Background: Dada and the «ready-made» for Duchamp.

It is based on the inclusion in the work of art objects taken from the consumer society (Coca-Cola bottles, beer cans, parts of common objects, waste materials), hitherto considered unworthy to appear in a play art and those who try to give an artistic value.

It also uses materials kitsch: German term equivalent to object or action in bad taste.

Is inspired by the comics, in advertisements in the novellas, etc..

Two possible trends: a character-conformist and a social critic.

* Robert Rauschenberg (1925

Maintains frottage technique surreal.

* Odalisque.


Make screen prints based on extensions of comics.

* Sweet dreams, baby.

* Tom Wesselmann (1931

* Large Nude No. 98 American.

* James Rosenquist (1932

Advertising mix and paint.

Blinders for horses.

* Andy Warhol (1930 –

Make repeated series in which everyday objects: Coca-Cola bottles, soup cans, etc.

* Marilyn


Also called radical realism or photorealism.

Surge in North America in 1966 to be held in the Guggenheim Museum in New York an exhibition of photography. A Europe will by 1972.

Try to get that painted reality as real as the reality of nature, so they can even be confused.

Even at times shows that there are aspects of reality that the human eye can not perceive.

Technique: uses slide projections and fotografíaselo expanded resulting in a false creativity because, although the images are technically very cared for, seem copies.

* John C. Kacer (1920
* Noel MEHAFFREY (1944
* Richard BLACKWELL (1938
* Antonio Lopez Garcia (1936

Social Realism

Also known as «Chronicle of society.»

The stories have a critical sense of the modern problems and a strong political sense.

Topics: violence, terror, the demystification of historical and cultural events.

Varied techniques inherited from earlier movements.

* John GENOVÉS (1930 –

* Row broken Around a ban.

* Rafael Canoga (1934

Demystifying the great works of art such as Las Meninas.

Op Art

Short for Optical Art Term used in contrast to that of Pop Art, to describe visual art primarily interested in perceptual and kinetic phenomena.

Its predecessor was the geometric abstraction.

Not intended to represent the motion but give the impression of movement.

is based on scientific principles and using strictly pictorial media: plays capable of generating geometrical optical effects of movements through the interplay of lines and colors.

This optical effect is increased by moving the viewer.

Its causes excessive technicality rather impersonal art.

It differs from kinetic art works that have no real movement.

* Victor Vasarely (1908
* Bridget RILEY (1931
* Carlos Cruz-Diez (1923

Kinetic Art.

It reflects the obsession of modern culture by the movement.

It is the art of movement produced by mechanisms incorporated in the work, or by the action of air produced by moving the viewer or to manipulate it a work of art.

It aims to create a global and public art.

Sometimes incorporates natural light: kinetic-art lighting.

* July LE PARC (1928
* Nicholas Schoff (1912


What characterizes the artistic movements of the decade of the 70s is an effort to deepen the creative process, with emphasis to the concept of art on the art object itself.

Eliminates the distinction between sculpture and painting, creating three-dimensional works that participate in both.

Minimal Art

«Minimal Art», «Primary Structure», «ABC Art», a number of names that get this art.

The term was coined by Richard Wolheim in 1965. The item disappears from the books: not intended to create a sculpture or a painting does not make visual forms minimized both conscious and formally and where what matters is the «whole.»

Use simple and basic structures, geometrical most of the time, highlighting the structural clarity.

Background: Malevich’s Suprematism to take the square and the cube as the basic forms, simpler, and at the same time «minimum» in terms of structures.

Materials: simple, often crude, unsophisticated (steel, iron, aluminum, plastic, wood, etc.), But always of enormous dimensions. The artist only makes a sketch or design, leaving the implementation to other companies. This will give more importance to the process of creation that the physical realization of the work.

* Dan Flavin.
* Donald Judd.

Conceptual Art

Other names: microemotivo art, art situational. »

The term was first used by Sol Le Witt in 1967.

Art theory or concept that tries to replace the traditional art or object. His followers consider him not as art but as a creative activity without matter.

Loses interest in the materiality of the work. With the idea enough.

What is done is to introduce the theory: texts, documents, catalogs, photographs and, most importantly, video. Attempts to demystify the act of artistic creation.

Bears a certain relation to Eastern thought (Zen).

* J. Kosuth.
* Robert Barry.

Arte Povera

Also known as «Process Art» or «process art.»

It is developed in Italy, mainly in Turin since 1967.

Used poor materials (rags, wood, plaster, straw) and avoid complicated systems so that the viewer can easily redo the process followed by the artist.

Coincides with the Minimal Art that is more interested in the process of its development work. It differs in that its geometric forms are not completed if not ambiguous and casual.

It also differs from that material painting materials used are not processed but kept in its natural state.


Environmental art

You also receive the names of «Land Art», «Earth Art», «Earthwork.»

He was born in late 1967 in North America.

This is for artistic operations aimed at transforming natural landscapes (fields, meadows) through spatial divisions (ditches, ruts, mud walls).

It is closely related to conceptual art which coincides with the rejection of traditional artistic media and direct your attention to new creative possibilities.

It uses the photograph or film to fix the field operations.

* Oppenheim.
* Smithson.

w emphasis on the «matter» are already in some early work among the Dadaists and Surrealists.

* Alberto Burri (1915

* Saco No. 5.

* Antoni Tàpies (1928

* White and ora







1.4.PINTURA. 9


2.1.Vida 10

2.2.Estilo 11


2.4.temas históricos 14

2.5.pintura religiosa 14

2.6.pinturas negras 14

2.7.grabados y dibujos 14








5.1.Bélgica 23

5.2.Francia 23

5.3.Inglaterra. 23

5.4.Austria. 23

5.5.España. 23







9.1.escultura 27

9.2.PINTURA 27




10.1.Francia. 33

10.2.Inglaterra. 34

10.3.España. 34


11.1.Introducción. 35

11.2.cronología. 36

12.Neoimpresionismo. 39

13.Postimpresionismo. 39

13.1.España. 41








20.LA ARQUITECTURA ENTRE 1945 y 196 49

20.1.Norteamérica. 49

20.2.Francia. 49

20.3.Alemania e Italia. 49

20.4.Holanda. 50

20.5.Brasil. 50




22.1.Antecedentes. 52









26.2.FAUVISMO 63


26.4.El Expresionismo en España e Hispanoamérica. 67

26.5.EL CUBISMO 68

26.6.Cubismo analítico 69

26.7.Cubismo sintético 70

26.8.ORFISMO 74





27.1.DADAÍSMO 76


27.3.Surrealismo figurativo 78

27.4.Tendencia antiobjetiva 80


27.6.Abstracción geométrico 81

27.7.Neoplasticismo 82

27.8.Suprematismo 82

27.9.Constructivismo 82

27.10.Abstracción expresiva 83

27.11.Tachismo 83

27.12.“Action Painting” (Pintura de acción). 84

27.13.Pintura sígnica y gestual 84

27.14.Pintura matérica 85

27.15.Representantes españoles 85



27.18.Neofiguración o Nueva Figuración 86

27.19.POP ART 86

27.20.Hiperrealismo 87

27.21.Realismo social 87






Surge, a mediados del siglo XVIII pero se mantiene, junto con otras tendencias a lo largo del siglo XIX. Centros principales: Roma y París.

Reacción clasicista frente al Barroco favorecida por la Ilustración. Es un intento de someter la creación artística a reglas racionales y de elaborar modelos de validez universal: por ello, carece de fuerza creadora y resulta un arte de escasa originalidad. Su aceptación popular fue mínima.

Algunos factores contribuyen a su desarrollo:

  • Las publicaciones de los tratadistas preconizando el i griego como punto de partida, de toda belleza, defendiendo un r torno a las fuentes de la Antigüedad. Hay que destacar la obra de Winckelmann Historia del arte de la Antigüedad» de 176
  • Las excavaciones de Herculano (1719) y Pompeya (1748).
  • Las expediciones arqueológicas inglesas a Grecia.
  • La creación de las Reales Academias que dirigen la estética de su tiempo de acuerdo con una normativa clásica.
  • Se refiere especialmente a la arquitectura aunque sin olvidar totalmente a la escultura y pintura.



Reacción contra los efectos decorativos del Barroco y del Rococó.

Se inspira en los monumentos, clásicos, pero no es una copia de los mismos sino que los recrea.

Es una arquitectura erudita y racional. Representa un concepto de belleza basado en la pureza de las líneas arquitectónicas, en las formas geométricas claras, en la medida clásica. Frente al subjetivismo barroco se opone la objetividad de la belleza basada en la racionalidad.

Gusto por la sencillez y severidad: predomina lo arquitectónico sobre lo decorativo. Para Winckelmann la belleza de los edificios radica en su monumentalidad, simetría, proporciones sujetas a las leyes de la medida y de las matemáticas.

Emplea elementos básicos de la arquitectura clásica: las columnas, los órdenes especialmente el dórico y el jónico, los frontones las bóvedas y cúpulas, etc.

Los temas decorativos también son tomados de la antigüedad: guirnaldas, rosetas, ovas, meandros.

El edificio clásico más empleado como modelo por el arte neoclásico es el templo griego, especialmente el pórtico y el frontón, que se emplean incluso como modelo á e las construcciones civiles.

A pesar de sus preferencias por los modelos griegos rompen con el “antropocentrismo» de estos y tienden a la monumentalidad romana.

Las construcciones son, principalmente, de carácter civil: museos, academias, bibliotecas.

El urbanismo busca los trazados geométricos, de damero o, estrellados, con amplias, avenidas y plazas. En la ciudad zonas verdes.

Dentro de la arquitectura neoclásica se pueden estudiar dos tipos:

Una arquitectura que sigue siendo básicamente barroca en cuanto a la exaltación del poder, pero que simplifica sus elementos. Es llamado el «barroco vitrubiano» y es la más extendida por Europa e incluso por Estados Unidos.

La «arquitectura de la razón», preocupada por la adecuación entre funcionalidad y forma. Se huye de todo tipo de decoración. Se planean obras de tipo práctico o industrial en relación con los cambios económicos y sociales: bolsas de comercio, bibliotecas, teatros, cementerios, hospitales. Es considerada como la más propiamente neoclásica.


Abandona la decoración de interiores de la época de Luis XV y Luis XVI tendiendo hacia formas más puras.

Cobra especial importancia en el Imperio de Napoleón: desarrollo del urbanismo y de los monumentos conmemorativos.

JACQUES GABRIEL (1698-1782). Ej.: Petit Trianon. Palacio de Versalles. (1762-1764).

SOUFFLOT (1713-1780). Ej.: Iglesia de Santa Genoveva actual Panteón de Hombres Ilustres. París (1758).

GONDOIN y LEPÉRE. Ej.: Columna de Austerlitz. Plaza Vendome. París. (1806-1810).

VIGNON (1763-1828). Ej.: Iglesia de la Magdalena. París.

FONTAINE y PERCIER. Ej.: Arco del Carrusel. París. (1806-1809).

CHALGRIN (1739-1811). Ej.: Arco de la Estrella. París. (1806-1836).


Sus obras están relacionadas con la «arquitectura de la razón» aunque muchas de ellas no pasaron de ser meros proyectos.


Se desarrolla especialmente en los países protestantes. Fue decisiva la dirección de Winckelmann. Centros principales: Berlín y Munich.

LEON VON KLENZE (1784-1864). Ej.: Gliptoteca de Munich. Propileos. Munich. El Walhalla. Ratisbona.

LANGHANS (1732-1808). Ej.: Puerta de Brandeburgo. Berlín


Influencia de la tradición griega y de la arquitectura renacentista palladiana: algunos autores piensan que el neoclasicismo inglés es una continuación del renacimiento debido al escaso desarrollo del barroco en este país.

Juntamente con el Neoclasicismo se advierte un fortalecimiento del gótico tardío, estilo nunca abandonado totalmente en Inglaterra.

Hermanos ADAM.

JOHN NASH (1752-1855). Ej.: Regent’s Park. Londres. Cumberland Terrace. Londres.

WILKINS (1778-1839). Ej.: National Gallery. Londres. (1833).

SMIRKE (1781-1867). Ej.: Museo Británico. Londres. (1823-1847).

Estados Unidos.

El Neoclasicismo se desarrolla paralelamente a la independencia y construcción del nuevo país.

THORTON, BULFINCH y WALTER. Ej.: Capitolio. Washington. (1827-1865).


Hay varios factores que favorecen el desarrollo de la arquitectura neoclásica: la Academia de Bellas Artes de San Fernando, fundada en 1752 por Fernando VI, reaccionó contra el Barroco adoptando como modelo artístico el ideal grecorromano.

La llegada al poder de los Borbones que se rodean de artistas italianos y franceses muy imbuidos del espíritu neoclásico.

El impulso dado a la arquitectura y al urbanismo por Carlos III (1759-1788). Rasgo distintivo de la arquitectura española del Neoclasicismo es la abundante construcción de edificios religiosos, consecuencia del poder de la Iglesia en España.

Desarrollo del urbanismo: en Madrid se planea el Salón del Prado decorado con fuentes como la de Neptuno, Apolo y Cibeles, se construyen nuevas puertas monumento les como la de Alcalá, Toledo, se remodelan ciudades ya existentes y se construyen ciudades de nueva planta como La Carolina y El Ferrol Nuevo que imponen el trazado regular.


Aunque su formación es barroca, es considerado como el iniciador de la transición al Neoclasicismo.

Colaborador de JUVARA en la planificación de los jardines del Palacio de oriente de Madrid.

Ej.: Fachada de San Francisco el Grande. Madrid. Casa de la Aduana. Ministerio de Hacienda). Madrid. Puerta de Alcalá. Madrid. (1778). Ampliaciones del Palacio de Aranjuez. Proyectos para la urbanización del Salón del Prado. Madrid.


Evoluciona desde el barroquismo de Borromini hasta el clasicismo de Juvara y Sacchetti. Ej.: Iglesia de San Marcos. Madrid. Capilla de la Virgen. Basílica del Pilar. Zaragoza. Fachada de la Catedral de Pamplona. Capilla del Palacio Real. Madrid.

JUAN DE VILLANUEVA (1739-1811). Principal arquitecto del Neoclasicismo español. Eliminó los restos barrocos de la arquitectura neoclásica española. Anticipó la concepción funcional y la austeridad de formas y volúmenes de la «arquitectura de la razón».

Ej.: Casita de Arriba. El Escorial. Casita del Príncipe. El Escorial. Portada del Jardín Botánico. Madrid. Museo del Prado. Madrid. Iglesia-Oratorio del Caballero de Gracia. Madrid. Observatorio Astronómico. Madrid: influencia de Palladio. Reconstrucción de la Plaza Mayor. Madrid. (1790).

Otras obras importantes.

Proyecto del Monumento del Dos de Mayo. GONZÁLEZ VELÁZQUEZ. Madrid.

Palacio de Vistahermosa. LÓPEZ AGUADO. Madrid.

Puerta de Toledo. (1813-1817). Madrid. LÓPEZ AGUADO.

Teatro leal. Madrid. LÓPEZ AGUADO.

Congreso de Diputados. (1843-1850) PASCUAL Y COLOMER.

Conjunto de Guernica. ANTONIO DE ECHEVERRÍA.

Biblioteca Nacional. Madrid. FRANCISCO JARRETO.

Edificio de la Bolsa. Madrid. E. REPUELLES.

Palacio del Senado. Madrid. ALVAREZ BOUQUEL.

Fachada del Casón del Buen Retiro. Madrid. VELÁZQUEZ BOSCO.



Predomina la racionalidad de la expresión serena y sosegada sobre la irracionalidad de lo impetuoso.

Imita el estilo de los grandes escultores de la Antigüedad, principalmente de los griegos. Se toman como modelos los temas clásicos porque quieren razonar intelectualmente sobre la belleza.

Frente al realismo y expresionismo de la escultura barroca se oponen la serenidad y belleza de la escultura clásica: hay una reacción contra los efectos pictóricos, la teatralidad y el movimiento desbordado del Barroco.

Los artistas neoclásicos procuran plasmar formas correctas, ideales; existe una tendencia a destacar la formara valorar el contorno y la belleza formal de las figuras y objetos; se evitan los fuertes contrastes de claroscuro; se dota a la representación de un modelado suave y de un acabado pulido y homogéneo.

En general, interesó más la belleza puramente formal que la fuerza espiritual de la obra. Por eso caen en la frialdad y en la excesiva uniformidad.

Materiales preferidos: mármol blanco y bronce.

Principales manifestaciones: grupos escultóricos, ornamentación de edificios públicos, monumentos conmemorativos, monumentos funerarios, retratos, etc.

Representantes europeos.

ANTONIO CANOVA (1757-1822). Propugnó la vuelta a los cánones clásicos. Combina la sensibilidad veneciana con el idealismo neoclásico resultando un arte suave y delicado. Se inspiró en las copias romanas de las obras griegas. No conoció los originales griegos hasta el final de su vida.

Gran técnico: virtuosismo en la ejecución.

Temas: mitológicos, sepulcros, retratos, Ej.: Mausoleos de Clemente XIII y Clemente XIV. Venus. Paulina Borghese. Perseo. Eros y Psiquis.

ALBERTO THORWALDSEN (1770-1844). Danés, residió y se formó en Roma. Se interesó por las obras griegas de las que conoce los originales: en su obra se advierten las influencias de Policleto, Fidias y Praxíteles.

Estilo grandioso y monumental para representar lo heroico. Figuras frías y académicas debido a la excesiva corrección formal.

Ej.: Jasón y el vellocino de oro. Amor y Psiquis. Ganimedes y el águila.


Lento y tardío arraigo de las formas neoclásicas. Mármol y bronce desplazan a la madera policromada.

Temas preferentemente profanos: monumentos conmemorativos y retratos; los temas religiosos pierden mucha importancia.

JOSÉ ALVAREZ CUBERO (1768-1827). Influenciado por Canova.

Ej.: Defensa de Zaragoza. Madrid. (1825). Apolino. Amor dormido.

DAMIAN CAMPENY (1771-1855). Influenciado por Canova aunque algunas obras tienen ya un aire romántico. Ej.: Lucrecia muerta. (1804).

ANTONIO SOLA (1787-1861). Ej.: Monumento a Daoiz y Velarde. Madrid. (1830). Estatua de Cervantes. Madrid. (1835).

PONCIANO PONZANO y JOSÉ PIQUER. Marcan la transición entre neoclasicismo y romanticismo. Ej.: Frontón de las cortes. Madrid. (P. Ponzano).



Triunfa a finales del siglo XVIII favorecido por los principios éticos propugnados por los enciclopedistas que atacaban el carácter artificioso de muchas de las obras del Rococó.

Al no contar con restos pictóricos de la antigüedad grecorromana, el Neoclasicismo se inspira en la escultura, en especial en los relieves, lo que dotará de un marcado carácter escultórico a las representaciones pictóricas neoclásicas.

Predomina el dibujo academicista sobre el color.

Luz clara y difusa.

La base de la belleza es la armonía de las proporciones y de las líneas.

Los principales temas serán: retratos, mitológicos, cuadros de historia.


JACQUES LOUIS DAVID (1748-1825). Representante de la pintura neoclásica francesa. Estilo frío, severo, equilibrado, opuesto al espíritu rococó. Cuida mucho el dibujo: da primacía a la forma sobre el color y la luz. Las figuras aparecen con contornos bien delimitados, como esculturas.

Composiciones simétricas de escasa profundidad y con figuras ordenadas en filas paralelas.

Busca los temas heroicos y el desnudo como exponentes de la belleza y de la perfección, tanto si representa temas de la antigüedad como temas de su época.

Vinculado a la Revolución Francesa será, posteriormente, nombrado pintor oficial de Napoleón Bonaparte: todo esto será reflejado por él en sus cuadros.

Ej.: El juramento de los Horacios (1784). Rapto de las Sabinas (1789). Muerte de Marat. (1793). Coronación de Napoleón (1805-1807).

JEAN AUGUSTE DOMINIQUE INGRES (1760-1867). Discípulo de Luis DAVID, sin embargo practica un estilo más poético, prerromántico prácticamente. Su pintura pierde el contenido político que tenía la de su maestro.

Destaca el tratamiento del desnudo femenino y los temas de carácter oriental. Mal aceptado en Francia, trabajó casi exclusivamente en Roma. Preocupación psicológica en sus retratos.

Ej.: Apoteosis de Homero. El baño turco. La fuente (1864).


Todos ellos son discípulos de DAVID. Presentan ya una concepción prerromántica en el tratamiento de los temas.


Escaso arraigo de lo clasicista. Algunos pintores tratan temas fantásticos y alegóricos como FÜSSLI (1741-1825) y

BLAKE (1757-1828). Los temas más utilizados siguen siendo los paisajes. Paisajistas como CONSTABLE y TURNER enlazarán con el paisaje romántico.


Importante papel de la Academia de Bellas Artes de San Fernando creada en 1752 por Fernando VI. Predomina la pintura profana, costumbrista y adquiere un gran desarrollo el fresco.

Pintores extranjeros:

ANTON RAFAEL MENGS (1728-1779). Alemán, viene a España llamado por Carlos III permaneciendo hasta 17ó8; regresa en 1771 hasta dos años antes de su muerte. Iniciador, impulsor y difusor del Neoclasicismo en España.

Practicó el retrato y la pintura al fresco con temas alegóricos, religiosos y mitológicos. Como retratista aún participa del refinamiento rococó aunque con la frialdad propia del Neoclasicismo. Dibujo seguro y meticuloso.

Ej.: Sala Gasparini. Palacio Real. Madrid. Cámara de la reina. Palacio Real. Madrid. Carlos III.

Pintores españoles:

FRANCISCO BAYEU (+1795). Pintor de cámara de Carlos III. Decorador al fresco.

RAMÓN BAYEU (+1793). Pinta escenas costumbristas en cartones para tapices.


VICENTE LÓPEZ (1772-1850). Primer pintor de cámara de Fernando VII. Fue, ante todo, retratista.

Academicismo, estilo dibujístico y minucioso, sentido del color que aplica como si fuera esmalte. Visión idealizada de la sociedad.

Ej.: Retrato de Fernando VII. Retrato de Goya.

JOSÉ MADRAZO (1781-1859). Discípulo de LUIS DAVID, practica un neoclasicismo frío y grandilocuente. Pintor de cámara y director del museo del Prado (1838-1857). Temas: retratos, históricos religiosos, etc.

De todos los pintores españoles del siglo XVIII el más destacado es GOYA y por lo tanto merece una mención especial y un sentido más detenido.



Nace en 1746 en Fuendetodos (Zaragoza). Después de realizar sus primeros estudios en el Colegio de las Escuelas Pías de Zaragoza, ingresa en el taller de JOSÉ LUZAN (1760). Se traslada a Madrid en 1763 con la pretensión de ganar los concursos de la Real Academia de San Fernando y conseguir una de las becas o pensiones que este organismo otorgaba para estudiar en Italia. Fracasa y en 1770 viaja por su cuenta a Italia, en donde aprende la técnica del fresco, el arte de componer y el colorismo.

En 1772 decora una de las bóvedas del Pilar de Zaragoza y realiza varios cuadros para la Cartuja del Aula Dei.

Su matrimonio en 1773 con Josefa Bayeu, hermana de los pintores Bayeu, le facilita el ingreso como cartonista en la Real Fábrica de tapices de Santa Bárbara. Aquí permanecerá desde 1774 hasta 179 Durante estos años también tendrá acceso a las Colecciones Reales y podrá conocer a los grandes maestros, especialmente a Velázquez.

En 1780 es nombrado académico de San Fernando, presentando en el acto de su recepción en la Academia el cuadro de «Cristo en la Cruz», de clara influencia velazqueña. Su fama en la Corte va creciendo y en 1786 es nombrado pintor de Carlos III. En 1789 Carlos IV le nombra pintor de cámara. Inicia una intensa relación con los Ilustrados: Jovellanos, Moratín.

Después de una grave enfermedad sufrida en Cádiz en 1792 queda prácticamente sordo y esto influye decisivamente en su pintura: pierde el carácter alegre y optimista y se hace más intimista y pesimista. Este cambio se aprecia en algunos cuadros de esta época como «El entierro de la sardina, o «Casa de locos». Realiza también dos de sus obras más importantes: «Los Caprichos» y los «Frescos de la ermita de San Antonio de la Florida».

En 1799 Carlos IV le nombra primer pintor de cámara con lo que alcanza la cumbre del triunfo oficial. En estos tiempos es cuando realiza los más importantes cuadros de la familia real.

En 1808 se produce una nueva crisis en la vida de Goya: la Guerra de la Independencia acrecienta su pesimismo y su carácter crítico. Es obligado a ser pintor de cámara de José I.

En 1812 muere su esposa Josefa Bayeu.

Al regreso de Fernando VII en 1814, Goya tiene problemas por sus ideas ilustradas y liberales y por algunos de sus cuadros con la Inquisición y con el mismo rey.

En 1819 se traslada a una finca, al otro lado del Manzanares, la llamada «Quinta del Sordo». Allí pinta una de sus obras más famosas: Las Pinturas Negras. Padece una nueva y grave enfermedad que intensifica su aislamiento.

Ante el recrudecimiento del absolutismo después de 1824 y ante el temor de las represiones por parte del rey, Goya marcha a Burdeos en donde permanecerá, excepto en dos cortos viajes a España, hasta su muerte ocurrida el 16 de Abril de 182


No fue un artista precoz. Su estilo se fue formando y evolucionando lentamente bajo la influencia de los acontecimientos que le tocaron vivir y que le afectaron profundamente.

Su arte se encuentra en permanente evolución: paulatino progreso en la técnica, búsqueda de nuevas formas expresivas, continua corrección y profundización.

El arte de Goya se nos presenta lleno de contrastes: representaciones de fiestas alegres que exaltan la vida al lado de sucesos dramáticos y de muerte; escenas de niños que juegan felices y otras misteriosas y alucinantes de brujas participando en aquelarres; retratos de la nobleza pero también de los ilustrados y de los «majos» y las «majas» que simbolizan lo popular. Pintó lo bello con exquisita delicadeza, pero también supo reflejar lo feo, lo terrible, lo monstruoso.

En Goya apunta algo que, según Víctor Hugo, es propio del mundo moderno: lo grotesco. Se enfrentó con el academicismo de sus maestros y de sus contemporáneos, oponiéndose a la estética neoclásica. El dibujo pierde importancia frente al color, a la inspiración y al movimiento.

Fue pintor esencialmente colorista: la esencia de la pintura, para él es el color. Afirmaba que sus verdaderos maestros habían sido Velázquez, Rembrandt y la propia naturaleza. Del primero hereda el amor por el retrato psicológico; del segundo, la profundidad espiritual y la técnica pastosa; de su tercer maestro, la naturaleza, hay abundantes pruebas en los paisajes de los cartones para tapices.

Pero aún hay otro factor, la imaginación. Goya no conoció límites para sus facultades y en esto se aprecia su romanticismo. Combina el realismo con la imaginación creando, a partir de lo real, un mundo propio en el que la fantasía y la crítica juegan un papel aún más importante que la realidad visual.

Crea un arte testimonial y comprometido en el que lleva a cabo una crítica de todos los estamentos sociales: Corte, iglesia, nobleza, la sociedad en general. Temáticamente su obra es muy variada, estando presente en la misma casi Iodos los géneros.

Utilizó principalmente la técnica del óleo que aplica sobre los más diversos materiales (lienzo, tabla, pared, etc.) pero también realiza frescos, litografías, aguafuertes, etc.

Empleó normalmente composiciones de tipo neoclásico, es decir, tiende a la ordenación geométrica y regular. Las figuras se agrupan en triángulos, cuadrados, pirámides. Para que se distingan bien los personajes en los retratos colectivos crea líneas paralelas oblicuas. Sin embargo, en la etapa de madurez busca la libertad compositiva pero siempre mantiene unas líneas rectoras que evitan el caos compositivo.

De una forma muy general se pueden distinguir en Goya dos formas de hacer:

  • visión optimista y alegre de la vida:

Temas alegres de ambiente rococó.

Dibujo de trazo continuo.

Colores vivos y luminosos aplicados a base de pinceladas muy iguales.

Composiciones ordenadas geométricamente.

  • visión pesimista y patética de la vida:

Temas críticos, dramáticos y de una fantasía sombría.

Dibujo discontinuo e incluso, en ocasiones, poco correcto.

Aplicación del color a base de manchas, de pinceladas sueltas con vibraciones luminosas.

Mayor libertad en las composiciones.

Es indiscutible la importancia histórica de Goya: es contemporáneo de LUIS DAVID y sin embargo es el polo opuesto de su pintura. Influyó en muchos pintores españoles como ALENZA Y LUCAS y sobre todo en pintores franceses del romanticismo y del realismo, especialmente en MANET y COURBET.

Anuncia una serie de movimientos pictóricos posteriores:

  • Romanticismo: por su individualismo, por la preocupación psicológica de sus retratos, por el apasionamiento y exaltación de algunos de sus temas. Ej.: La carga de los mamelucos.
  • Impresionismo: por su pincelada suelta y vibrante. Ej.: La lechera de Burdeos.
  • Expresionismo: por su despreocupación por la forma para conseguir un mayor valor expresivo. Ej.: Las pinturas negras. Desastres de la guerra.
  • Surrealismo: por el mundo de fantasía que representa. Ej.: Disparates, caprichos.


  • Cartones para tapices:

Más que cartones son, en realidad, cuadros al óleo. Realiza 54 durante su estancia en la Real Fábrica de tapices.

Trata los temas populares de Madrid: verbenas, romerías, juegos, etc. Son escenas llenas de gracia y poesía.

Los personajes populares aparecen ataviados con los trajes típicos de los majos y las majas.

Utiliza colores claros, una gran gama cromática y desdibuja los contornos lo que dificulta la labor de los tejedores. Se aprecia en ellos una clara evolución:

  • En los primeros, coincidentes con el reinado de Carlos III, en torno a 1776, utiliza colores planos, fuerte dibujo y temas de cacería.
  • Más tarde, con Carlos IV, hacia 1780, realiza temas costumbristas con manchas de color y celajes de influencia rococó. Mantiene una composición central geométrica con árboles que marcan una diagonal y fondos arquitectónicos. Obras:
  • El quitasol.
  • El cacharrero.
  • El columpio.
  • Las cuatro estaciones.
  • La gallina ciega.
  • El pelele.
  • En sus últimos cartones, por influencia de la Ilustración, realiza temas en los que se manifiesta una cierta crítica social, como “La Boda”.
  • Retratos:

Fue el género que más cultivó, posando para Goya gentes de todas las clases sociales: reyes, nobles y personajes populares. Sintió especial predilección por el retrato femenino.

Se caracteriza por su realismo y sinceridad, reflejando perfectamente al retratado, aunque en ocasiones se manifiesta el interés, simpatía o indiferencia que Goya sentía ante el retratado.

Evolucionó desde los retratos elegantes y estáticos de los primeros años hasta los ejecutados alrededor de 1800 a base de pinceladas sueltas, cortas y luminosas, de dibujo a base de trazos rotos, discontinuos y de mayor penetración psicológica.

Excelente tratamiento de las calidades de los vestidos, objetos, etc. Obras:

  • Carlos III cazador.
  • Familia del duque de Osuna.
  • La tirana.
  • Francisco Bayeu.
  • Josefa Bayeu.
  • Las majas.
  • Condesa de Chinchón.
  • Familia de Carlos IV (1800).
  • Fernando VI.
  • Autorretrato.
  • Marianito Goya.
  • La lechera de Burdeos (1827).

temas históricos

Principalmente temas sobre la Guerra de la Independencia: destacan por su expresionismo, auténtico alegato contra la crueldad y la barbarie de la guerra.

Sus composiciones son complejas, llenas de movimiento y acción. Obras:

  • El coloso.
  • Dos de Mayo o la Carga de los Mamelucos (1814).
  • El tres de mayo o los fusilamientos de la Moncloa (1814).

pintura religiosa

No fue muy cultivada por Goya y la realiza tanto en lienzos como frescos. Mientras algunos cuadros pecan de excesivo academicismo, otros poseen un profundo sentimiento religioso. Obras:

  • Cristo en la cruz, Academia de Bellas Artes de San Fernando.
  • Frescos de San Antonio de la Florida, Madrid (1798).
  • Última oración de san José de Calasanz (1819).
  • La oración en el huerto.

pinturas negras

Reciben este nombre tanto por el color empleado (blanco, negro, ocres, dorado-verdosos), como por su tenebrosa significación pesimista, sombría y desesperanzada. Son escenas macabras y de brujería de difícil interpretación, expresión de un mundo interior desolado y terrible, alucinante.

Una fantasía e imaginación desatadas presidieron su ejecución. Obras:

  • Aquelarre.
  • Viejos comiendo sopa.
  • Las Parcas.
  • Saturno devorando a su hijo.
  • Perro hundido en la arena.

grabados y dibujos

Son de gran fuerza expresiva y llenos de vigor. Mediante ellos lleve una crítica de la sociedad y de la política de la época y en ellos se entremezcla el pesimismo, el humor y la sátira.

  • Caprichos:
  • Comprenden un total de 80 láminas y comenzó su ejecución en 1797, siendo publicados en 1799. Por miedo a la inquisición los recogió y regaló a Carlos IV.
  • Están inspirados en su propia imaginación, en estampas populares, en los dichos del pueblo y en libros de magia.
  • Utiliza unas formas anchas, una composición maciza, un violento contraste en blanco y negro con el que acentúa los efectos de luz.
  • La segunda parte de la colección, a partir de “El sueño de la razón” es invadida por una fauna horrenda o grotesca, de diablos y monstruos. Obras:
  • El sueño de la razón produce monstruos.
  • ¡Qué viene el coco!
  • Dios la perdone y era su madre.
  • ¡Qué sacrificio!
  • Desastres de la guerra:
  • Realizados entre 1810 y 1819, reproducen escenas de lo que ha visto, de lo que le cuentan o, simplemente de lo que imagina. Obras:
  • Con razón o sin ella.
  • ¡Grande hazaña! ¡Con muertos!
  • Tauromaquias:
  • Publicadas en 1816, constituyen una auténtica enciclopedia del arte taurino.
  • Disparates:
  • Realizados entre 1820 y 1822, expresan un mundo fantástico, onírico.
  • Es la obra más personalista de Goya: parece anunciarnos el surrealismo.



Situación cronológica y espacial: Cambios:

  • ideológicos: desarrollo del liberalismo.
  • económicos: revolución industrial. Ampliación del capitalismo.
  • políticos: aplicación del liberalismo: paulatina sustitución de las monarquías absolutas por sistemas constitucionales, desarrollo del nacionalismo, expansión colonial.
  • sociales: definitiva sustitución de la sociedad estamental por la de clases. Desarrollo de la burguesía. Formación del proletariado: la «cuestión social» y los movimientos obreros.
  • Cultura: avances científicos. Aplicación de principios racionalistas y experimentales.


  • Un aspecto fundamental de este siglo es la gran fuerza que presentan los cambios políticos, ideológicos, económicos y sociales y su enorme repercusión en el mundo artístico.
  • Se desarrollan un gran número de movimientos artísticos que responden a la rápida evolución de la situación política, económica y social.
  • Rebeldía contra la razón y el academicismo del siglo anterior.
  • Avances científicos muy numerosos que influyen en los diferentes movimientos artísticos.
  • El hombre del siglo XIX descubre las civilizaciones desconocidas o mal estudiadas: viaje de CHAMPOLLION a Egipto, investigaciones en el Próximo Oriente, inicio de los estudios sobre Prehistoria por BOUCHER DE PERTHES, triunfo de la arqueología iniciada en el siglo XVIII con los descubrimientos de Pompeya y Herculano, etc.
  • El nacionalismo favorece el gusto por el folklore, por lo costumbrista, especialmente durante el Romanticismo.



No hay correspondencia con la pintura y la escultura.

  • La arquitectura se ve afectada por los profundos cambios sociales operados por la Revolución Industrial. Deberá dar respuesta a las nuevas exigencias de la sociedad:
  • Los avances técnicos y la invención de nueva maquinaria para la producción exigirán la construcción de nuevas fábricas que sustituyan a los tradicionales talleres artesanales.
  • El desarrollo económico y comercial plantea la necesidad de construir una nueva tipología de edificios acordes con las nuevas exigencias: puentes y obras públicas, museos, bibliotecas, pabellones para exposiciones internacionales, el aumento demográfico en las ciudades provoca grandes problemas urbanísticos.
  • El siglo XIX se presenta como algo contradictorio en el campo de la arquitectura: a la estética de la forma se opone la estética de la función. A lo largo del siglo, dos grandes líneas de acción definirán el quehacer de la arquitectura: la arquitectura-arte y la arquitectura-ingeniería. Algunos arquitectos intentarán unir las dos tendencias buscando en el recuerdo de estilos pasados el medio de investigar nuevos materia les como el hierro (VIOLLET LE DUC), O bien, preocupándose por las posibilidades puramente estéticas de la ingeniería (EIFFEL).
  • La arquitectura se verá favorecida por movimientos como el romanticismo y el colonialismo: se toman como modelos los edificios medievales y los de otras culturas exóticas.
  • Juega un papel muy destacado en el desarrollo de la arquitectura la aparición de nuevos materiales. Algunos de ellos, como el hierro, ya se conocían en la antigüedad, pero su empleo fundamental es a partir del siglo XIX. Como complemento se usa el vidrio. El cemento no hará su aparición hasta fines del siglo XIX por lo que alcanzará su auténtica importancia ya en el siglo XX.
  • El principal problema con que se encuentra la arquitectura es el de encontrar un nuevo estilo ya que se pone en duda el valor artístico del Neoclasicismo. La consecuencia que se deriva de esta búsqueda es la aparición del «Eclecticismo»: se copia a otros estilos anteriores, principalmente el gótico, pero no se crea un nuevo lenguaje arquitectónico.
  • La arquitectura del siglo XVIII se puede dividir en los siguientes cuatro apartados:
  • Arquitectura historicista o ecléctica.
  • Arquitectura de los nuevos materiales.
  • La escuela de Chicago.
  • Modernismo.
  • Mención especial merece el estudio del urbanismo.



  • También es conocida como época de los “revivals”.
  • Es, en esencia, un movimiento de carácter romántico que pretende resucitar e imitar las formas constructivas y estilos del pasado, especialmente los medievales.
  • Varios factores contribuyeron a su implantación:
  • La reacción romántica contra el frío neoclasicismo.
  • El ansia de encontrar en el pasado las raíces de la propia personalidad en una época de profundo desequilibrio histórico.
  • El rechazo de la nueva técnica deshumanizadora.
  • Motivos políticos de exaltación nacionalista que pretendían buscar y resucitar los orígenes de la propia civilización.
  • Existen notables diferencias entre la arquitectura historicista de las distintas naciones: su importancia no alcanzó la misma dimensión en todas ellas, ni tampoco resucitaron los mismos estilos. En generarlos más empleados fueron los de origen medieval, especialmente el gótico, pero también se levantan construcciones neoegipcias, neohindúes, neochinas, neomudéjares, etc.
  • Esta arquitectura historicista no se aleja de la arquitectura de los nuevos materiales: hubo construcciones que utilizaron el hierro y el vidrio con formas arquitectónicas del pasado, Y, por otra parte, hubo arquitectos historicistas que con sus investigaciones prepararon el camino de la arquitectura moderna.
  • El historicismo emplea uno u otro estilo según la función del edificio. Esto implicaba pensar en la forma como algo subordinado a la función, lo cual prepara el advenimiento de las nuevas concepciones arquitectónicas.
  • Este historicismo también se aprecia en la literatura: destacan autores como Walter Scott, Víctor Hugo, Gustavo Adolfo Bécquer, etc.


EUGENIO VIOLLET LE DUC (1814-1879). Gran estudioso del estilo gótico.

Recomienda la utilización del hierro en estructuras góticas muy aptas, según él, para los nuevos edificios necesarios para la sociedad industrial.

Restaurador de edificios medievales: catedrales de Amiens, Vezelay, Santa Capilla de París, etc.

También se construyen en Francia edificios neobizantinos como el SACRE COEUR de París.


Fue donde más aceptación tuvo el gótico que fue considerado como estilo nacional: en 1818 se llegó a promulgar una ley sobre la obligatoriedad de utilizar el gótico perpendicular para todas las nuevas iglesias que se construyeran.

BARRY (1795-1863) y PUGIN (1812-1852). Ej.: Reconstrucción del Parlamento de Londres.

RUSKIN (1818-1900). Gran teórico del neogoticismo: «Las siete lámparas de la arquitectura».

SCOTT (1811-1878). Ej.: Monumento al príncipe Alberto. Kensington Park. Londres.

También se construyen edificios neohindúes como ejemplo de la influencia colonial destacando entre ellos el Pabellón Real de Brighton (1818) por J. NASH.


En esta época en España se produce una total desorientación: se combinan formas clásicas con elementos medievales y renacentistas.

Se resucitan, principalmente, el plateresco, el mudéjar y el gótico.

Destacan varios edificios importantes:

Escuelas Aguirre. Madrid. RODRÍGUEZ AYUSO. (Neomudéjar).

Banco de España. Madrid. E. ADARO. (Neorrenacentista).

Monumento a Alfonso XII. Parque del Retiro. Madrid.

Catedral de La Almudena. Madrid. Iniciada por el Marqués de Cubas y continuada CHUECA GOITIA.

Iglesia de San Ginés. Madrid.

Iglesia de San Jerónimo el Real. Madrid. NARCISO PASCUAL Y COLOMER.

Plaza de España. Sevilla.



La utilización de nuevos materiales no va acompañada de la creación de un nuevo lenguaje arquitectónico: se sigue haciendo uso de las soluciones y elementos de épocas anteriores.

Enfrentamiento entre arquitectos e ingenieros: los primeros se consideran creadores de belleza sin conectar con las nuevas necesidades de la sociedad industrial; los segundos buscan ante todo la solución de problemas, la utilidad, dejando a un lado los aspectos estéticos.

Como consecuencia de lo anterior las obras van a ser confiadas a unos u otros según el carácter de las mismas.

Materiales: hierro, fundido, vidrio, acero, hormigón armado.

Las ventajas de la utilización de estos nuevos materiales son muchas:

Hasta la utilización de los nuevos materiales la arquitectura se fundaba en la elevación de muros mediante la yuxtaposición de elementos sólidos. Los nuevos materiales cambian esta situación haciendo recaer el peso de la edificación y el equilibrio sobre una armadura cuyos huecos se rellenan después de otros materiales.

La invención de vigas, arcos y soportes, tanto metálicos como de hormigón, permiten un espaciamiento de los puntos de apoyo de la construcción y ordenar mucho más perfectamente los empujes.

La eliminación de los muros como elementos sustentantes y la reducción de la estructura vertical sustentante posibilita la libertad de composición y distribución de las amplias superficies cubiertas.

Se pueden levantar bóvedas de gran amplitud y superponer varios pisos aprovechando al máximo el espacio edificable.

Los nuevos materiales permiten realizaciones más rápidas y baratas.

En consecuencia, la altura del edificio, el aumento de la superficie cubierta y la amplitud de los volúmenes originados, todo ello crea una auténtica revolución en el mundo de la arquitectura.

Durante la primera mitad del siglo XIX, el hierro sólo es empleado por razones utilitarias, sin finalidad estética; a partir de la segunda mitad del siglo se empiezan a alzar voces en defensa del valor estético del hierro.

Tipos de obras.

  • Puentes.

Los primeros puentes de hierro datan del siglo XVIII. Se realizan adaptando el hierro a métodos procedentes de la construcción en piedra.

En el primer cuarto del siglo XIX ya se realizan puentes colgantes.

Ej.: Puente sobre el río Severn. Inglaterra. (1779). Puente de Sunderland. Inglaterra. (1793). Puente colgante de Bristol. Inglaterra. (1832). Pont des Arts. París. (1801-1803). Puente de Austerlitz. París. (1806).

  • Edificios.

De tipología muy variada: factorías, estaciones de ferrocarril, grandes almacenes, mercados, galerías comerciales, bibliotecas, etc.

A fines del siglo XVIII se empezaron a utilizar soportes de hierro en los interiores de los edificios. Los muros seguían siendo de materiales tradicionales (ladrillo, piedra, etc.).

Posteriormente es toda la estructura la que se hace de hierro, aunque en un principio sólo se aplica en los interiores. Los muros se convierten exclusivamente en elementos de cerramiento. Se aplicará a los exteriores cuando se combine con el vidrio.

El vidrio fue también muy utilizado para determinadas construcciones como galerías comerciales, invernaderos, etc.

En generarlos nuevos materiales se emplean para la construcción de edificios de carácter industrial; por razones de tipo estético se excluyen de las construcciones de tipo tradicional y, cuando se emplea la estructura de hierro, ésta se enmascara con mampostería mediante el uso de formas arquitectónicas tradicionales.

HECHOR HOREAU (1801-1872).

Defendió el uso de nuevos materiales sin ocultarlos, pero no pudo llevar a la práctica sus proyectos. Ej.: Proyecto para «Les Halles Centralles». París.

HENRI LABROUSTE (1801-1875).

Utiliza el hierro y el vidrio y se manifiesta en su obra un deseo racionalista por encontrar la forma arquitectónica derivada de la función. Ej.: Biblioteca de Santa Genoveva. París. (1843-1850). Biblioteca Nacional. Gran Sala de Lectura. París. (1868-1878).

C. BRODRICK. Ej.: Corn Exchange. Leeds. (1860-1863).

BARLOW y ORDISH. Ej.: Cubierta de la estación de San Pancracio. Londres. (1863).

G. MENGONI. Ej.: Galería Vittorio Emanuelle. Milán.

BRUNET y BELLANGÉ. Ingeniero y arquitecto respectivamente, colaboran en la construcción de nuevos edificios. Ej.: Mercado del trigo. París. (1811).

JAMES BOGARDUS (1800-1874).

Americano que tiene la idea de sustituir las paredes exteriores de los edificios por fachadas de hierro colado combinadas con cristal.

RICARDO VELÁZQUEZ. Ej.: Palacio de Cristal. Parque del Retiro. Madrid.

  • Exposiciones Internacionales.

Se desarrollan a partir de la segunda mitad del, siglo XIX como signo del avance industrial y comercial de la economía liberal.

Los pabellones son construidos a base de elementos de hierro prefabricados que pueden montarse y desmontarse según las necesidades. Esto es la causa de que muchos de estos pabellones no se conserven en la actualidad.

La primera exposición data del año 1851 y se celebra en Londres; otras importantes fueron las de París de 1855 y 188

Palacio de Cristal. Londres. (1851)

  • Cubría una superficie de 7000 m. Basado en el sistema de invernaderos. Construido con elementos prefabricados y de forma modular: abaratamiento en la construcción. Fue desmontado posteriormente.
  • Palacio de la Industria. París. (1855). Realizado por CENDRIER y BARRAULT. Supera en luz (anchura interna de la nave) al de Paxton.
  • Sala de las Máquinas. París. (1889). Realizado por DUTERT y CONTTANCIN. Enorme espacio interior cubierto sin columnas intermedias. Fue desmontada en 191
  • Torre. Eiffel. París. (1889). Autor: GUSTAVO ALEJANDRO EIFFEL. (1832-1923). Muy criticada en su momento, es un símbolo de la ciudad de París.


A mediados del siglo XIX se produce en EE.UU. un fuerte impulso arquitectónico. Factores que favorecen este desarrollo son:

  • El sentido práctico americano.
  • La existencia de nuevas necesidades urbanas.
  • El gran desarrollo de la técnica.
  • Parten de la herencia europea pero planean ciudades con grandes avenidas y edificios de altura muy superior a la de los edificios europeos.
  • Su ventaja sobre Europa es que no están sometidos a ninguna tradición y pueden diseñar los edificios en función de las necesidades del momento.

El punto de partida es el incendio de Chicago en 187 Se quiere reconstruir la ciudad con materiales incombustibles: hierro y hormigón armado y cerámica refractaria para las fachadas.

Subordinan el espacio a la función. Prescinden casi totalmente de la decoración. Se construyen rascacielos favorecidos por:

  • La necesidad de aprovechar al máximo los solares dado su elevado precio.
  • El descubrimiento del ascensor y del teléfono.
  • La utilización de armaduras metálicas que permiten superponer numerosas plantas.
  • La racionalización de la vida burocrática y social concentrando en una misma zona los diversos servicios.

La Escuela de Chicago impuso una nueva estética que cambió la fisonomía de las ciudades.

A. RICHARDSON (1838-1886). Discípulo de Labrouste. Ej.: Almacenes Marshall. Chicago. (1877).

WILLIAM LE BARON JENNEY (1832-1907). Iniciador de la escuela: primer constructor de rascacielos.

Sustituye los muros exteriores por estructuras metálicas lo que permite abrir grandes ventanas.

Más preocupado por la funcionalidad que por la estética. Equilibra verticales y horizontales con un cierto sentido academicista. Ej.: Home Insurance. Chicago. (1883-1885).

LOUIS SULLIVAN (1856-1924). Principal representante de la escuela.

Puso las bases del funcionalismo de la arquitectura moderna. Se le atribuye la frase: «La forma sigue a la función», fundamento de nuestra arquitectura racionalista y funcional.

Creó el tipo de ventana apaisada de tanto éxito en el siglo XX. Ej.: Auditorium. Chicago. (1887-1889). Wainwright Building. Saint Louis. Edificio Guaranty. Buffalo.


Surge en Bélgica desarrollándose entre 1890 y 1910. Cuando aparece recibe el nombre de ART NOUVEAU de forma totalmente circunstancial: Van de Velde había decorado en París en 1895 una tienda llamada «L’Art Nouveau».

Se difunde rápidamente por Europa, gracias a las revistas ilustradas, recibiendo diversos nombres:

  • España: Modernismo.
  • Francia y Bélgica: Art Nouveau o Style Metro.
  • Austria: Sezessionstil.
  • Inglaterra: Modern Styl.
  • Alemania: Jugendstil.
  • Italia: Liberty.

Su estudio por escuelas es muy difícil debido a la gran originalidad de los artistas pero todos tienen en común su deseo de crear formas nuevas. Diversos factores contribuyen a su aparición:

  • La nueva burguesía enriquecida y refinada, deseosa de un arte enraizado en el pasado pero más elegante y mejor que el de los arquitectos historicistas o el de los ingenieros del hierro.
  • Los movimientos románticos que propugnan el uso de una fantasía libre y creadora, del subjetivismo y la defensa del placer que proporcionan las artes.
  • El cansancio provocado por el historicismo.
  • Reacción contra la arquitectura surgida de la nueva técnica: se vuelve a la decoración como un intento de crear un arte bello y amable.
  • Las ideas de Morris y Ruskin que defienden la integración de las diversas artes y la vuelta a los métodos artesanales.
  • Su antecedente inmediato es el movimiento inglés «Artes y Oficios» (Arts and Crafts) que propugnó la confección, mediante métodos artesanales, de los objetos decorativos y de uso común cuidando mucho la calidad estética de los diseños empleados en su ejecución.
  • Individualismo y fantasía creadora.

El modernismo pretende, por una parte, hacer un arte nuevo, sin ninguna relación con las formas artísticas de la antigüedad, aunque normalmente está impregnado de recuerdos históricos; por otra parte, desea aprovechar las ventajas de la moderna técnica pero reaccionando contra la vulgaridad y fealdad de los productos manufacturados.

Existe un deseo integrador de todas las artes. Trata de abolir la tradicional separación entre las llamadas «artes mayores» (arquitectura, escultura y pintura) y las «artes menores» o aplicadas. Todas deben unirse para configurar un edificio.

Se emplean los nuevos materiales aportados por la industria, fundamentalmente el vidrio y el hierro, junto con otros que proporcionan cromatismo a los edificios (azulejos, ladrillos vidriados, esgrafiados, etc.).

La decoración ocupa un primerísimo plano en la arquitectura modernista:

  • Se caracteriza por imitar a la naturaleza de una forma más, o menos abstracta. Los motivos decorativos son tomados de la flora y fauna: tallos florales estilizados y serpenteantes, capullos, árboles, pavos reales, pulpos, libélulas, predominan las líneas curvas y onduladas, la asimetría, los arabescos, etc., utilizan estos temas no de forma tradicional sino intentando crear un nuevo lenguaje decorativo.
  • El edificio es concebido como si fuera un ser vivo: las superficies sinuosas, la asimetría en la distribución de las ventanas y puertas, los motivos decorativos, todo contribuye a producir la sensación de movimiento.
  • El cromatismo es otra de las características del modernismo.
  • El modernismo anticipó algunas de las soluciones arquitectónicas del siglo XX: deseo de que los elementos estructurales queden a la vista y funcionen como partes esenciales del sistema decorativo.


VÍCTOR HORTA (1861-1947). Creador del estilo modernista. Fue el primero en dar e cuenta de las posibilidades decorativas del hierro. Curva los elementos estructurales como si fueran tallos vegetales.

Ej.: Casa Solvay. Bruselas. (1895). Casa del Pueblo. Bruselas. (1897-1900). Actualmente destruida.

HENRY VAN DE VELDE (1863-1957). Arquitecto, decorador y pintor. Dirigió en 190ó en Alemania la Escuela de Artes y oficios de Weimar, la famosa Bauhaus de los años 3 Dirigió también la primera revista de diseño moderno: la Werkbund.

Ej.: Museo Folkwang. Hagen.


HENRI GUIMAR) (1867-1942). Se considera decorador más que arquitecto: trabaja artesanalmente dibujando cada uno de los elementos decorativos para después pasarlos al hierro. Preferencia por el empleo de este material, aunque emplea materiales de varios colores para dar más variedad a la decoración.

Ej.: Estaciones de Metro. París.


CHARLES VOYSEY (1857-1941).


CHARLES RENNIE MACKINTOSH (1868-1928). Precursor del racionalismo: crea el espacio a base de volúmenes muy simplificados. Ej.: Escuela de Bellas Artes. Glasgow.


OTTO WAGNER (1841-1918). Preferencia por las superficies planas y estructuras geométricas. Libertad absoluta en la búsqueda de los espacios y en la distribución de los interiores. Terminó proclamando la primacía de la estructura sobre la decoración.

Ej.: Estaciones de Metro (Karlplatz y Schombrunn). Viena. Casa Majólica. Viena. Banca Postal. Viena.

JOSEPH Mª OLBRICH (1867-1908). Estructuras ortogonales. Ej.: Edificio de la Sezessión. Viena.


El centro principal es Cataluña: desarrollo industrial y existencia de una fuerte clase burguesa mercantil.

ANTONIO GAUDÍ (1852-1926). Considerado por Chueca Goitia como el arquitecto más genial del Modernismo europeo.

Comenzó practicando una arquitectura de carácter medievalista, evolucionando hacia una arquitectura más funcional y valorando la integración en la misma de la escultura, pintura y artes aplicadas.

Sus trazados son de una gran originalidad; prodiga las superficies ondulantes y los arcos parabólicos, las columnas inclinadas, etc. Todo parece cobrar vida. Vivo e intenso cromatismo.

Es el arquitecto que ha creado formas esculturales más atrevidas para remates de torres, chimeneas, etc. En sus temas decorativos destaca el amor a la naturaleza: formas vegetales, animales, etc. Utiliza todo tipo de materiales: cemento, piedra, hierro, mosaicos.

Ej.: Casa Vicens. Barcelona. (1880). Palacio Güell. Barcelona. Colegio Teresiano. Barcelona. (1888-1890). Parque Güell. Barcelona. (Iniciado en 1889). Casa Batlló. Barcelona. (1905-1907). Casa Milá (La pedrera). Barcelona. (1905-1910). Templo de la Sagrada Familia. Barcelona. (1883-192ó). Sin terminar. Palacio Arzobispal. Astorga. Casa de los Botines. León.

LLUIS DOMÉNECH I MONTANER (1850-1924). Ej.: Palacio de la música. Barcelona.

JOSEPH PUIG I CADAFALCH (1867-1957). Ej.: Casa Terrades. Barcelona.



La Revolución Industrial provoca profundos cambios en las ciudades, especialmente en las fabriles. El crecimiento demográfico y la concentración de grandes masas de población las convierten rápidamente en macrociudades.

No hubo, sin embargo buenas respuestas urbanísticas, prevaleciendo en el trazado de las ciudades razones puramente especulativas: el utilitarismo y razones de producción.

La ciudad se dividió en dos zonas claramente diferenciadas:

  • Los barrios obreros, situados en torno a las factorías y configurados por viviendas aglomeradas, carentes de las mínimas condiciones de habitabilidad y de higiene.
  • Las zonas residenciales de la burguesía acomodada con grandes avenidas y espacios verdes.
  • Necesidad de adecuar la ciudad a los nuevos medios de transporte.


Concepciones utópicas.

  • Quieren crear nuevas ciudades en consonancia con el desarrollo y industrial y con mejores condiciones de vida para los obreros.
  • Tuvieron un valor más testimonial que técnico: los proyectos no eran viables porque se basaban en la construcción de ciudades de nueva planta, olvidándose de los viejos núcleos urbanos en donde vivía mucha población y que no podían ser demolidos.
  • Si influirán, indirectamente, en los proyectos de ensanche de las viejas ciudades.
  • Antecedente: C. Nicolás LEDOUX.

ROBERT OWEN (1771-1858).

CHARLES FOURIER (1772-1837). Ej.: Falansterios.

JEAN BAPTISTE GODIN (1817-1889). Ej.: Familisterios: renuncia a la vida en común.

Las grandes transformaciones urbanas.

La solución más aceptada fue el trazado en cuadrícula, tanto por motivos económicos, especulación del terreno, como por motivos socio-politicos, mejor ordenación de la población.


El barón HAUSSMANN (1809-1891), alcalde de París, lleva a cabo la reforma del centro de la ciudad entre 1853 y 1870.

Trazado en cuadrícula: para facilitar el tráfico, para sofocar rápidamente cualquier lucha callejera de tipo revolucionario, para facilitar los desfiles militares, para evitar los focos de epidemias y crear amplias zonas de paseo (los bulevares, etc.).

Se realizaron grandes bulevares con paseos en el centro: principal contribución al urbanismo.

Unos critican la obra de Haussmann por lo que supone de destrucción de la ciudad medieval; otros la alaban porque mantuvo la visión barroca de las grandes perspectivas.

Influyó decisivamente en las ampliaciones de otras ciudades como Florencia, Viena, Bruselas, etc.


Se sigue el plan de ILDEFONSO CERDA (1816-1876), realizado en 1859. Estuvo guiado por las ideas del movimiento y comunicabilidad, trazando amplias diagonales.

Algo semejante se realiza en Madrid (barrio de Salamanca) en 1860 (Carlos Mª de Castro), en San Sebastián, Bilbao, etc.

Proyecto de Ciudad-Lineal.

ARTURO SORIA Y MATA (1844-1920), pretende conciliar las ventajas de la vida en el campo (abundantes espacios verdes) con las de una gran ciudad. Su proyecto se basa en el trazado de una gran vía de circulación bordeada por una estrecha banda urbanizada, y cuyo crecimiento fuese sólo longitudinal. Daba especial importancia a los transportes colectivos.

Se puso en práctica en 1882 en Madrid pero no se finalizó y se desvirtuó poco a poco.

Proyecto de ciudad-jardín.

HOWARD publicó en 1898 un libro titulado «Tomorrow» donde exponía sus ideas sobre un nuevo tipo de ciudad planificada. Su objetivo era construir pequeñas ciudades, rodeadas de terrenos para cultivo, enlazadas entre sí por rápidas vías de comunicación.

Tenían que ser de pequeño tamaño (no más de 3.000 personas) y autosuficientes, lo cual les daba una fuerte identidad. Basaba su proyecto en la defensa dé la propiedad colectiva del suelo como medio de evitar la especulación y el crecimiento exagerado de las ciudades.

Proyecto de ciudad industrial.

TONY GARNIER (1869-1948) publica en 1917 un proyecto de ciudad industrial.

Divide la ciudad según sus funciones: trabajo, residencia, zonas de recreo, vías de transporte, etc. La zona industrial se colocaba en el exterior y el núcleo de la ciudad era donde se situaban los edificios públicos, hospitales, bibliotecas, etc.

Planificada en forma lineal para permitir su expansión. Anticipa el urbanismo racionalista del siglo XX: casas sobre pilares, terrazas-jardín, ordenación rectangular, etc.

Proyecto de ciudad futurista.

ANTONIO SANT’ELIA (1888-1916) imagina el mundo moderno a base de torres de cristal e interconexiones del transporte a distintos niveles. Sus planes nunca llegaron a materializarse, pero influirá decisivamente en los arquitectos y urbanistas del siglo XX.


Caracteres generales

El panorama escultórico europeo del siglo XIX no fue muy brillante si se exceptúan algunos artistas muy determinados como Rodin.

Dos factores pueden ser considerados como causas del retraso de la escultura en relación con la pintura:

  • Mayor control de las Academias sobre los escultores: la escultura se convierte en un arte formalista, carente de sentido por completo.
  • Limitaciones inherentes a la propia escultura: no hay una evolución continua y se puede comprobar un cierto aislamiento histórico-evolutivo.

La tendencia dominante fue la impuesta por la estética neoclásica. Los autores se mueven. Dentro de un cierto eclecticismo que dificulta su adscripción a un movimiento determinado.


Se mantienen los últimos artistas del siglo XVIII como CANOVA y THORWALDSEN.



Se inicia a finales del primer cuarto del siglo XIX (hacia 1830).Reacción contra la frialdad y quietud de las manifestaciones escultóricas neoclásicas: defiende una escultura más movida y apasionada.

El modelado tiende a las superficies ásperas y a los gestos grandilocuentes. Se emplea una técnica más pictórica (efectos de claroscuro) y se pretende captar el movimiento y lo pasional. Se huye de los contornos para que el color sea el protagonista.

Estatuíllas de pequeño tamaño para decorar los interiores de las casas burguesas y se realizan también monumentos conmemorativos.

Temas: aquellos que destacan la exaltación nacionalista; monumentos a personajes ilustres y temas literarios que representan a las glorias nacionales.


FRANCOIS RUDE (1784-1855). Carácter nacionalista. Evolucionó hacia el realismo. Ej.: La Marsellesa. Arco de la Estrella. París.

JOSÉ GRAGERA (1818-1897). Ej.: Estatua de Mendizábal.




Centra su interés en la realidad circundante: la naturaleza sirve de inspiración al escultor. Temas de contenido social. Tipos populares.


JEAN BAPTISTE CARPEAUX (1827-1875). Considerado como iniciador del Realismo. Rompe con el clasicismo academicista resucitando un arte gracioso, basado en el Rococó francés. Gran veracidad en las representaciones. Se preocupa por captar el movimiento. Ej.: La Danza. La opera. París.

MEUNIER. Ej.: El estibador El forjador.

AUGUSTO RODIN (1840-1917). Principal escultor europeo del siglo XIX: rompe totalmente con el Neoclasicismo abriendo el camino para la escultura del siglo XX.

  • Valoró lo inacabado como parte esencial de la realidad. Utilizó la técnica del «non-finito» aprendida de Miguel Ángel.
  • Poderoso modelado de superficies rugosas.
  • Supo captar la importancia de la luz en la escultura: multiplica los planos para conseguir efectos de claroscuro. Consumado maestro del movimiento.
  • Fue más allá del realismo, pudiendo ser calificada su obra de impresionista.
  • Temas: fundamentalmente los que tienen relación con el hombre.
  • Evolucionó hacia el simbolismo y el expresionismo.

Ej.: El pensador. Los burgueses de Calais. (1886). El beso. La Edad del Bronce. (1876). Catedral.

RICARDO BELLVER (1845-1924). Es un ecléctico romántico-realista. Barroquizante en sus formas, sabe captar el dramatismo de sus figuras. Ej.: El ángel caldo. Parque del Retiro. Madrid.

AGUSTÍN QUEROL (1860-1909). Sigue a Rodin pero le falta su fuerza y expresividad. Modelado blando: las formas se desvanecen. Ej.: Monumento a Quevedo. Madrid. Tumba de Cánovas del Castillo. Panteón de Atocha. Madrid.

JOSÉ LLIMONA (1864-1934). Ej.: Desconsuelo.

MARIANO BENLLIURE (1862-1947). Practica un realismo casi impresionista. Gran calidad técnica: detallismo, expresividad, movimiento.

Ej.: Monumento al General Martínez Campos. Mausoleo de Joselito. Estatua de Goya (Museo del Prado)


Caracteres generales.

El siglo XIX fue un siglo contradictorio, de profundos cambios sociales que repercuten en el mundo artístico, especialmente en la pintura.

Las tendencias artísticas se suceden con rapidez: el Neoclasicismo es reemplazado por el Romanticismo (hacia 1830); a éste le sucede el Realismo (hacia 1848) y se impone finalmente el Impresionismo (hacia 1875) que señala el comienzo del arte moderno.

Es difícil clasificar a los artistas en estos estilos, principalmente en lo que a romanticismo y realismo se refiere.

París se convierte en el principal centro artístico.

Son importantes las Exposiciones que reciben el nombre de Salones se convocan concursos y premios que modifican las relaciones de los artistas con el público.

En España el panorama pictórico no es muy brillante y no está en sintonía con el resto de Europa. A partir de Goya, no hay ninguna otra figura que iguale su importancia. En esta situación influye la inestabilidad política, económica y social de España durante estos años.


Continúa al Neoclasicismo del siglo XVIII; va a tener una corta duración en el siglo XIX debido a la aparición de unos pintores revolucionarios que anuncian el Romanticismo.

Preocupación por el dibujo; luz difusa que cubre todo el cuadro; vuelta a los temas clásicos, históricos y mitológicos; idealización de las figuras.

Se mantienen los mismos artistas que trabajaban a finales del siglo, anterior: Luis David, Ingres, Reynolds, Gainsborough, Bayeu, Goya, Vicente López.



Movimiento ideológico iniciado en torno a 1830 que afectó a todos los ámbitos de la sociedad europea. Aspiraba a plasmar a través de todas las artes (literatura, música, pintura, etc.) los principios revolucionarios que en 1815 quedaron soterrados.

Hay una identificación del arte con el nacionalismo y lo que éste representa en cuanto al resurgir de las tradiciones y de los valores propios de cada pueblo. Es una reacción contra el arte severo, rígido y frío del Neoclasicismo: el artista romántico va a proclamar su libertad frente a las directrices académicas.

Individualismo. Se antepone el sentimiento a la razón rechazando el racionalismo de la Ilustración. Gusto por los gestos teatrales capaces de llamar la atención del espectador. Concepto subjetivo de la belleza.

Primacía del color frente al dibujo y la línea: colores brillantes y luz vibrante que destruye la forma. Composiciones dinámicas: el movimiento llega a ser convulsivo y los gestos dramáticos. Se usa una pincelada suelta, vibrante, para dar más expresividad a los cuadros.

Temas muy variados:

  • Históricos: medievales, contemporáneos, con un carácter político o fatalista.
  • Orientales: por su exotismo.
  • Paisajes: su interpretación subjetiva es un excelente medio para manifestar los estados de ánimo.
  • Retratos: representan a los personajes con un aire melancólico, de tristeza o soledad.
  • Religiosos: con un gran valor simbólico.



Considerado como un pintor de transición: puede ser clasicista por la importancia que concede al dibujo y romántico por su preferencia por el patetismo y el movimiento. Tendencia al realismo en las representaciones. Ej.: La balsa de la Medusa. Derby en Epson.

EUGÉNE DELACROIX (1798-1863). Su formación es neoclásica pero sus preferencias se dirigen hacia Rubens y los venecianos. Es el principal representante del Romanticismo francés. Concede una primacía absoluta al color sobre el dibujo.

Abandona los colores terrosos y utiliza colores intensos, puros, luminosos. Contrastes violentos de color. Emplea el color con total libertad, de un modo arbitrario, sin ajustarse a la objetividad de la naturaleza. Mediante el color subraya la composición y da un aspecto escultórico, de relieves, a la pintura.

Pinceladas sueltas y vibrantes que acrecientan la sensación de movimiento.

Temas históricos, literarios, simbólicos y fantásticos. En los temas históricos se interesan tanto por los temas medievales como por los contemporáneos. Libertad en los temas.

Introduce los temas orientales en el romanticismo a partir de un viaje a Marruecos en 1832: le interesan estos temas no sólo por su iconografía sino por la luminosidad del colorido.

Ej.: Dante en los infiernos (1822). Matanza de Quíos. (1824). Guerras entre musulmanes y griegos). Muerte de Sardanápalo. (1827). Tema exótico: La libertad guiando al pueblo. (1830). Decoración de la Iglesia de Saint Sulpice. París.

CAMILLE COROT (1796-1875).

Anticipa el impresionismo. Paisajista: el paisaje llega a alcanzar tanta importancia que puede ser considerado como precedente directo del paisaje impresionista. Sus paisajes poseen un sentido moderno, superando la concepción del paisaje histórico que practicó en sus comienzos.

Muy influido por los paisajistas ingleses CONSTABLE y TURNER: en 1824 se celebra en París una exposición de ambos pintores que va a ser decisiva para la nueva concepción del paisaje.

La técnica de Corot fue evolucionando lentamente hasta alcanzar su consagración definitiva en 1855 con motivo de la Primera Exposición Internacional de París.

Se inspira en la realidad pero no la copia sino que realiza una recreación poética de ella; se advierte una tendencia ligeramente idealizadora de la naturaleza.

Colorido suave: decía que el color es un encanto suplementario del cual hay que usar con discreción. Se basa en los valores cromáticos, es decir, en las gradaciones tonales debidas a la luz y a la distancia.

La auténtica protagonista del cuadro es la luz: son los efectos lumínicos los que determinan estéticamente las formas de la naturaleza; mediante gradaciones de la luz consigue dar a los colores mayor o menor profundidad, obteniendo de esta forma la espacialidad del cuadro.

La composición está organizada mediante campos de luz. La luz clara parece desmaterializar los objetos: los contornos se desdibujan, como si los envolviese la bruma, creando un efecto de atmósfera.

Defiende la pintura al aire libre para poder captar los cambios de luz: esto le convierte en un precursor del impresionismo. Ej.: Coliseo de Roma. Catedral de Chartres. Puente de Narni. (1826).


A esta escuela pertenece Corot. Antecedente del impresionismo. Existe como tal desde 1830 hasta 1850.

Barbizón es una pequeña localidad cercana a París donde se reúnen un grupo de pintores que quieren poner en práctica las ideas de Rousseau sobre la vuelta a la Naturaleza.

Defienden el tema del paisaje con una concepción basada en la observación directa de la naturaleza, sin idealizaciones, hasta tal punto que algunas de sus obras parecen fotografías; no les interesa la visión fugaz del impresionismo.

Se preocupan por investigar los cambios atmosféricos, los efectos de lejanía y los efectos producidos por la luz al filtrarse entre los árboles.

THEODORE ROUSSEAU (1812-1867). Creador de la escuela: radical oposición al arte oficial. Centra su atención en el paisaje prescindiendo de los elementos humanos o animales. Gusta de representar luces matizadas por las sombras, los reflejos de la vegetación, los ambientes brumosos. Pinceladas pequeñas y vibrantes.

Ej.: El roble de roca. (1861).

JULES DUPRÉ (1811-1884).

NARCISO DÍAZ DE LA PEÑA (1807-1876). Gran colorista.

CHARLES FRANCOIS DAUBIGNY (1817-1878). Es, seguramente, el más cercano al impresionismo.


La pintura paisajista del siglo XIX constituye el momento de máximo esplendor de la pintura inglesa y su mayor aportación a la historia de la pintura.

Se interesan por captar las impresiones fugaces de luces y colores; los ambientes melancólicos, brumosos o crepusculares. Característicos del paisaje inglés son el rico colorido y los efectos lumínicos.

Constable y Turner ejercen una gran influencia en los pintores franceses; son considerados como precedentes del impresionismo.

JOHN CONSTABLE (1776-1837). Practicó la pintura al aire libre anticipándose a Corot y los impresionistas. Capta la luz en el cuadro: en un momento determinado representa los reflejos y movimientos de la luz. Consigue extraordinarios efectos lumínicos.

Presta especial atención a los cielos nublados, a las sombras de las nubes en el suelo, a la lluvia y al viento.

A veces representó un mismo paisaje bajo diferentes condiciones lumínicas y atmosféricas. Aplica el color con gran soltura para conseguir más intensos efectos de luz. La materia, a veces muy espesa y grasienta, es aplicada a veces con espátula. Sus cuadros parecen abocetados.

Ej.: catedral de Salisbury. El carro de heno. El puente de Waterloo.

WILLIAM TURNER (1775-1851). Evolucionó hacia una mayor libertad en la interpretación, en el colorido y en la técnica: sus cuadros se convierten en algo totalmente imaginario.

En sus paisajes la naturaleza pierde forma y gana luz: las formas se disuelven en medio de una luz coloreada. Concede más importancia a los efectos atmosféricos como la lluvia, la tempestad, la niebla.

Fue el primero en aplicar los colores yuxtapuestos, es decir, sin mezclarlos, consiguiendo armonías cromáticas y efectos ópticos de gran belleza. Se anticipa a la pintura impresionista.

Ej.: Lluvia, vapor y velocidad, deforma incluso la realidad (1844). Batalla de Trafalgar. Tempestad de nieve.


Los Nazarenos.

También llamados «Hermanos de San Lucas», están integrados por un grupo de pintores alemanes que se reúnen en Roma en torno a 1810 para llevar una vida comunitaria de carácter monástico. Este es su aspecto más romántico.

Tomaron como punto de referencia a los artistas anteriores a Rafael y esto les relaciona con los «Prerrafaelistas» ingleses. Practican un arte híbrido con una fuerte carga de religiosidad.

Valoran la forma y el dibujo más que el color, así como las composiciones simples y equilibradas.



Fuera de los Nazarenos también destacaron los paisajistas que representan la importancia del hombre frente a la naturaleza, lo fantástico. Destaca FRIEDRICH (1774 -1840) con su obra «El naufragio de la Esperanza».


La pintura romántica tuvo un gran desarrollo: se mantiene la influencia goyesca. Destaca tanto el retrato como la pintura de paisaje y la costumbrista.


ANTONIO MARÍA ESQUIVEL (1806-1857). Atmósferas melancólicas y sentimentales rodeando las figuras. Superficies lisas, composiciones academicistas. Ej.: La lectura.

FEDERICO DE MADRAZO (1815-1894). Discípulo de Ingres. Gran fama como retratista: elegancia en las figuras.

Evoluciona desde el dibujo academicista hasta el estudio de calidades y la difuminación de los contornos. También realizó cuadros de historia. Ej. -. Marquesa de Montejo. Gertrudis Gómez de Avellaneda. Condesa de Vilches.


JENARO PÉREZ VILLAAMIL (1807-1854). Mezcla el paisaje con los temas, de arquitectura medieval. Interiores de edificios góticos.


LEONARDO ALENZA (1807-1845). Refleja la «España Negra», satirizando las costumbres: influencia goyesca en este costumbrismo pesimista.

Temas: escenas populares, fiestas de toros, etc. Ej.: El gallego de los curritos.

EUGENIO LUCAS (1824-1870). También practica un costumbrismo pesimista: procesiones, cárceles, ajusticiados. Confiere a la representación un ambiente misterioso.

Totalmente identificado con Goya: a veces se han atribuido a éste obras de Eugenio Lucas.

Aplica el color a base de pequeños y rápidos toques, resaltando más la mancha que el contorno. Ej.: Corrida de toros.

VALERIANO DOMÍNGUEZ BÉCQUER (1834-1870). Costumbrismo alegre y optimista. Pintor de escenas regionales, especialmente andaluzas. Ej.: Baile de aldeanos.



Tendencia pictórica que desplaza al Romanticismo a partir de 1848 aproximadamente; se mantiene hasta 187 Es una especie de puente entre el Romanticismo y el Impresionismo.

Hay varios factores que contribuyen a su aparición:

  • Las transformaciones económico-sociales producidas por la Revolución Industrial.
  • La difusión de la filosofía positivista que defiende la experiencia y la observación como única fuente de conocimiento; influirá decisivamente en los avances científicos.
  • El nuevo sentido práctico de la vida.
  • El cansancio provocado por las exageraciones románticas.

Frente al exaltado idealismo romántico los artistas defienden a la realidad concreta como auténtico fundamento del arte.

Los artistas toman conciencia de los problemas que afectan a las clases obreras: la pintura se carga de contenido social.

El carácter polémico y de crítica social de muchas de estas pinturas hace que los artistas se aparten del llamado arte oficial propugnado por las Academias.

Desde el punto de vista técnico, el realismo no introduce novedades sino que revitaliza la técnica de los grandes maestros barrocos, especialmente de los españoles. El realismo barroco, en cuanto al estudio de la luz y de las calidades, vuelve a tener vigencia.

La pincelada es firme, el contorno preciso.

Su desarrollo está íntimamente unido al desarrollo del socialismo en política y del naturalismo en literatura.

Reacciona contra los grandes temas mitológicos, históricos, religiosos, heroicos, que habían sido tratados con apasionamiento en el romanticismo.

Se utilizan nuevos temas, especialmente los que se refieren a los problemas de la sociedad contemporánea con lo que la pintura adquiere, en muchas ocasiones, un carácter de denuncia político-social.

Los personajes son tomados preferentemente de las clases sociales menos favorecidas: campesinos, obreros, emigrantes; es el mundo del trabajo en toda su miseria.

Los temas tradicionales son tratados con todo realismo y objetividad: paisajes tomados del natural, hechos históricos del pasado o contemporáneos.

Su preocupación por el enfoque real de los temas se ve favorecida por la aparición de la fotografía.


JEAN FRANÇOIS MILLET (1814-1875). Pintor de la vida rural, refleja la existencia dura y difícil del campesino. Su pintura posee un hondo sentimiento religioso y conjuga poesía con sentido social.

Realizó magníficos estudios del ambiente y de la luz del campo preparando el camino del impresionismo. Se adscribió a la Escuela de Barbizón pero da más importancia a la figura humana que al paisaje.

Horizontes amplios, colores terrosos: el conjunto parece aumentar la sensación de fatiga y resignación que manifiestan las obras. Ej.: El ahechador. El ángelus. Las espigadoras. (1848). La pastora.

GUSTAVE COURBET (1819-1877). Principal representante del realismo, del que también fue un teórico, y uno de los más destacados pintores europeos del siglo XVIII.

Su vida artística siempre estuvo mezclada con la política: concibe los cuadros como manifiestos de carácter político-social.

Pinta a base de grandes manchas con gruesos toques de negro. Realizó estudios sobre los efectos de la luz y los reflejos en los paisajes: es considerado como precedente de MANET y los impresionistas.

Gran variedad temática: destacan los de carácter socializante y crítico pero, según algunos críticos, sus mejores obras son aquellas en las que pinta la naturaleza.

Ej.: Entierro en Ornans. Buenos días, Sr. Courbet (El encuentro). (1854). El taller del pintor. Jóvenes al borde del Sena. Los picapedreros.

HONORÉ DAUMIER (1808-1879). Para él la pintura tiene una intencionalidad político-social de carácter crítico y satírico.

Los temas, frecuentemente, son de tipo costumbrista reflejando tanto el aspecto de marginación como el de la revuelta social.

Sus cuadros se caracterizan por el dibujo incisivo y vigoroso: las figuras están trazadas a base de perfiles sinuosos y cortantes, con aspecto caricaturesco, de gran expresividad.

Su profundo realismo coincide con unos fuertes juegos de luz y sombra lo que le convierte en un predecesor del expresionismo. Ej.: El vagón de tercera. La revuelta. La lavandera.

EDUARD MANET (1832-1883). Formado en el academicismo, evolucionó desde el realismo hasta el impresionismo por lo que es considerado como un precedente de este movimiento.

Se interesó por la pintura española, especialmente por Velázquez y Goya; también se interesó por la pintura japonesa y su sentido del color.

Trató de unir la tradición clásica del Renacimiento con el Realismo: «El almuerzo en la hierba” , y «Olimpia» son interpretaciones del «Concierto campestre» de Giorgione y de «Venus» de Tiziano, respectivamente, pero con nuevos planteamientos estéticos.

La figura humana, de dibujo preciso y plano, es sólo el pretexto para sus cuadros pues el verdadero protagonista es el color. Concibe las formas como masas de color: grandes manchas de colores puros y planos, con violenta oposición de tonos, aplicados con pinceladas sueltas. Los cuadros producen la impresión de abocetamiento.

El empleo de colores puros yuxtapuestos y la total falta de idealización hace que Manet rompa con lo tradicional.

Ej.: Almuerzo en la hierba. (1861). Olimpia. (1865). Bar de Folies-Bergere. Las majas del balcón. Fusilamiento del emperador Maximiliano. Retrato de Zola.


La Hermandad Prerrafaelista.

Movimiento místico-religioso y pictórico, contemporáneo del realismo que surge en Inglaterra hacia 1848 y cuyo principal teórico fue el crítico JOHN RUSKIN.

Defendían la vuelta a un arte primitivo, sin convencionalismos, simple imitación de la naturaleza, como el que habían realizado los maestros italianos anteriores a Rafael.

Defienden también los valores religiosos medievales en oposición a la nueva mentalidad surgida con la aparición de la sociedad industrial.

Para ellos la pintura debe poseer un carácter trascendente, místico y religioso, que eleve moralmente al espectador: se apartan de este modo de la concepción que de la pintura tenían los seguidores de la tendencia realista.

Su técnica es minuciosa y detallista, subordinando el color al dibujo y a la línea. Temas muy variados: paisajes, retratos, religiosos, asuntos medievales, etc.



FORD MADOX BROWN (1821-1893).


Realismo costumbrista.

MARIANO FORTUNY (1838-1874). Anticipa el impresionismo. Presenta rasgo realistas pero también románticos. Practica una técnica minuciosa y efectista.

Gran colorista: destaca en su pintura la brillantez y luz del color, consiguiendo efectos de luz casi impresionistas en la pintura al aire libre.

Aplica la materia mediante pinceladas menudas; al final de su vida predomina la luz y el color aplicado a base de grandes manchas.

Da una visión poética e idealizada de la realidad. Trata temas de historia, costumbristas, retratos, etc., introduciendo el elemento exótico.

Ej.: Batalla de Wad-Ras. Batalla de Tetuán. Fantasía sobre Fausto. (1866). El aficionado a estampas (1866). La Vicaría (1870). Viejo desnudo al sol. (1872).


CARLOS DE HAES (1829-1898). Introduce el paisaje realista en España, evita los aspectos folclóricos y románticos.

AGUSTÍN RIACHO (1841-1929). Es el pintor del paisaje de Cantabria. A pesar de su modernidad, aún utiliza los tonos oscuros de las sombras característicos de los pintores anteriores al impresionismo.

CASIMIRO SAINZ (1853-1898).

Pintores de historia.

Los temas de historia son los más representativos del realismo español. Cuadros de grandes proporciones con numerosas figuras y excesivos detalles secundarios que llegan, en ocasiones, a desvirtuar el asunto principal.

Interesa más la representación del tema que la calidad artística: gran erudición y documentación en la preparación y ambientación del tema por lo que el cuadro de historia pierde la exaltación y el idealismo del, romanticismo.

EDUARDO ROSALES (1836-1873). Sensación de atmósfera real en sus cuadros. Ej.: Testamento de Isabel la Católica.

FRANCISCO PARRILLA (1841-1921). Ej.: Dª Juana la Loca.

JOSÉ CASADO DEL ALISAL (1832-1886). Ej.: Rendición de Bailén.



Se desarrolla como movimiento artístico en el último cuarto del siglo XIX.

Con su aparición se inicia el llamado «arte moderno»: a partir de él las tendencias artísticas o «ismos» se suceden con una gran rapidez. Quizá una de las principales aportaciones del impresionismo radica en la dinámica de cambio y renovación que imprime en el arte occidental.

A partir de él se habla de «ismos» y no de estilos. La diferencia entre ambos estriba en que los estilos surgen como expresión de una cultura, mientras que el «ismo» es el resultado de una voluntad expresamente orientada hacia una finalidad.

Al igual que el realismo se basaba en el positivismo de Comte, el impresionismo lo hace en la teoría de las sensaciones de Locke: la sensación es la fuente de nuestro conocimiento. La sensación alimenta la vista que es la puerta de nuestra experiencia. De ahí que se desdeñe la forma; todo debe partir de lo que el ojo ve y sin ningún tipo de prevención.

Surge en 1874 en la Exposición de Artistas Jóvenes de la Galería Nadar. Entre los cuadros expuestos había uno, debido a MONET, titulado «l’Impresión, sol naciente». El cuadro fue duramente criticado por el crítico LEROY e incluso, fue el mismo critico el que peyorativamente calificó con el nombre de «impresionistas» a estos pintores; el grupo rechazó en un primer momento el nombre porque preferían llamarse “independientes».

La última exposición como , grupo impresionista» se celebra en el año 1886.

La sensibilidad social fue reacia a este tipo de pintura que durante mucho tiempo tuvo que soportar las críticas más adversas. Surge como rechazo de la pintura academicista y de estudio de carácter clasicista.

Este movimiento pictórico no tuvo una gran cohesión como grupo. Compartían unos intereses pictóricos y estéticos pero les faltaban unos manifiestos teóricos e incluso una línea de acción unitaria.

Antecedentes inmediatos fueron:

  • La tradición lumínica española: Velázquez y Goya.
  • Los paisajistas románticos ingleses: Constable y Turner.
  • Los paisajistas franceses del siglo XIX o pintores de la naturaleza: Corot, escuela de Barbizón, MILLET, Courbet y especialmente Manet.


Antecedentes del Impresionismo.

  • 1863: Manet presenta al Salón el cuadro «El almuerzo en la hierba» que supone una total innovación estética y técnica. Napoleón III consiente en la creación de un «Salón de Rechazados» en donde podrán exponer todos los pintores no admitidos en el «Salón» y que representan el enfrentamiento con el academicismo.
  • 1870: Ante la guerra franco-prusiana muchos pintores, entre ellos Pisarro y Monet, van a Inglaterra en donde entran en contacto con los paisajistas ingleses. Allí también conocen al que sería su principal marchante y mecenas, Paul DURAND-RUEL.


  • 1874: Exposición colectiva duramente criticada por Leroy en la revista «Le Charivari».
  • 1876-1886: Se celebran nuevas exposiciones pero surgen disensiones en el grupo.

Se desarrollan nuevos movimientos que completan o rechazan las ideas del impresionismo:

  • El neoimpresionismo o puntillismo.
  • El Postimpresionismo: introducir tales modificaciones que pueden ser considerado como el punto de partida de la pintura del siglo XX.


Principio básico: la realidad que captamos no es única sino múltiple; no es permanente sino cambiante. La realidad es la apariencia de las cosas en el momento de ser contempladas.

Algunos de los factores que influyen en su desarrollo son:

  • Descubrimiento de la fotografía: composiciones con nuevos encuadres (perspectivas cortadas, superación del concepto de punto de fuga único, etc.); el fotógrafo tiene una visión instantánea de la realidad al igual que el pintor, pero éste busca lo fugaz y lo inacabado frente al detallismo del fotógrafo.
  • Las nuevas teorías científicas, especialmente las nuevas leyes ópticas y del color establecidas por CHEVREUL: este científico descubrió “la ley de contrastes simultáneos» que ya había sido advertida por Delacroix. El color no depende exclusivamente de él mismo, sino de los otros colores que le rodean, exaltándose o amortiguándose con ellos.
  • Divulgación de las estampas japonesas, especialmente por su brillo y colorido y por la presentación de nuevos encuadres.
  • La teoría empírica de la sensación como única fuente válida de conocimiento.
  • La LUZ es la auténtica protagonista del cuadro: los objetos sólo se ven en la medida en que la luz incide sobre ellos. Por eso se prefiere la pintura al aire libre ya que permite captar la visión momentánea y fugaz de los efectos producidos por la luz.
  • No existen formas ni colores permanentes sino formas y colores mudables en función de la luz que reciban.
  • Al ser los cuadros un simple efecto de luz, un mismo tema se puede representar varias veces y siempre de forma distinta con tan sólo cambiar la luz (su intensidad, su ángulo de incidencia, etc.).
  • En cuanto al COLOR, utilizan la técnica de la división de colores, no mezclan los colores en la paleta sino que los aplican en su estado puro para que sea la retina del espectador la que los mezcle.
  • Los colores complementarios (violeta, verde y naranja) se consiguen por la combinación de los primarios (amarillo, rojo y azul).
  • Los colores se aplican en pequeñas pinceladas, cortas y yuxtapuestas.
  • La gama de colores es muy reducida con lo que los cuadros adquieren una extraordinaria luminosidad y claridad.
  • Los colores se refuerzan además mediante la aplicación de la ley de contrastes simultáneos de Chevreul.
  • No emplean colores oscuros; desaparecen las sombras negras que se reducen a espacios coloreados con colores complementarios. En consecuencia, desaparecen los contrastes de claroscuro y el dibujo se suprime o queda reducido a trazos disueltos entre el color.
  • Para captar mejor las vibraciones de la atmósfera rehuyen cualquier retoque de las pinceladas y prefieren las manchas pastosas y gruesas. Pinceladas sueltas aplicadas con pincel, espátula, los dedos, con el mismo tubo; toques yuxtapuestos de colores claros que serán distintos en cada pintor: en forma de comas en Monet, netos en Cézanne, en puntos en Seurat y Signac, largos y llameantes en Van Goght.
  • Temas: la pintura impresionista es puramente sensitiva, el tema es algo accesorio, sirve sólo de soporte para el color. Se representan paisajes (tanto rurales como urbanos) escenas tomadas de la vida bohemia y burguesa, retratos, rechaza la pintura histórica. mitológica o religiosa.


  • Se pueden considerar como tales todos los pintores preocupados por la luz: desde Velázquez y Goya hasta los paisajistas ingleses y franceses.
  • El precedente más inmediato es Manet.


Es el movimiento que refleja en su mayor pureza las características anteriores. Pintan la luz al aire libre.

CLAUDE MONET (1840-1926). Pinta la luz al aire libre. Es el autor más representativo del impresionismo y el más poético. Se interesó especialmente por los cambios de luz durante el día y por las variaciones atmosféricas en general. En este sentido realiza series sobre las «Ninfeas”, la «Catedral de Rouen».

Pinta, sobre todo, paisajes, marinas, escenas fluviales, etc. A veces pinta paisajes urbanos para ver como son modificados por la industrialización (“I’Estación de Saint Lazare»).

Su pintura se basa en pequeños y rápidos toques de colores puros que dan un aspecto inacabado al cuadro.

Ej.: Impresión, sol naciente (1874). Puente de Argenteuil. Campo de amapolas. Catedral de Rouen. (1894). Parlamento de Londres. Ninfeas. (1919).

CAMILLE PISARRO (1830-1903). Paisajes rurales y urbanos a través de los cuáles busca la luz. Puntos de vista muy altos para conseguir una mayor sensación de espacio. A partir de 1886 evolucionó hacia el puntillismo.

Ej.: Tejados rojos (1877). La diligencia de Louvenciennes.

ALFRED SISLEY (1839-1899). Es un impresionista puro, dotando a sus cuadros de un gran lirismo. Pinta preferentemente temas de nieve e inundaciones.

Ej.: Inundación en Port-Marly. (1886). Campo de trigo. (1873).

AUGUSTE RENOIR (1841-1919). Clásico dentro del impresionismo. A partir de 1883 vuelve a dar importancia al dibujo frente al color.

Utiliza preferentemente el tema de los jardines para captar la luz, como chispazos centelleantes, según se filtren los rayos de sol a través de los árboles. Centra su atención en la figura humana, principalmente en el desnudo femenino. Representa formas gruesas y poco elegantes que recuerdan a Rubens. También realizó escenas de la vida bohemia parisina.

Otro rasgo distintivo de su pintura es el colorido voluptuoso, de tonos puros, que le convierten en un precedente del «fauvismo» y de las tendencias cromáticas del siglo XX.

Ej.: Le Moulin de la Galette. En el jardín de Luxemburgo. El palco (1874). Mujer al sol.

EDGAR DEGAS (1834-1917). Recibió una formación académica por lo que siempre dio importancia al dibujo. Prefiere la luz de interiores, la de las candilejas especialmente. Su preocupación es captar el movimiento, un instante en la acción: por eso es el pintor de las bailarinas y de las carreras de caballos. Consigue dar la sensación de fugacidad.

No se limita al mundo elegante del ballet sino que muestra los esfuerzos de los ensayos; pinta también el cansancio de los trabajadores e incluso escenas íntimas de mujeres pero tratadas de forma nueva.

Estas escenas de la vida cotidiana pueden ser calificadas de “l’expresionismo social”. Crea un tipo de primer plano en el que se secciona la cabeza de uno de los personajes, lo cual sitúa bruscamente al espectador ante el cuadro. Es un recurso para desencadenar la idea de proximidad que será aprovechado después por el cine.

Ej.: Los músicos de la orquesta. Los bebedores de ajenjo. Las planchadoras. Mujer lavándose en la tina. Lección de danza. Series de bailarinas. Carreras de caballos.

BERTHE MORISOT (1841-1895).

MARY CASSAT (1845-1926).


También llamado impresionismo científico, divisionismo y puntillismo. Lleva hasta sus últimas consecuencias los principios científicos de la pintura impresionista.

Técnica muy cuidada aplicando el color a base de pequeños toques, realmente puntos, que dan a los cuadros la apariencia de mosaicos.

Se oponen al impresionismo por su preocupación por el volumen y por la geometrización de las formas. Composiciones muy cuidadas, claras y ordenadas.

Su existencia fue efímera debido a lo fatigoso de la técnica y a la falta de realidad de la escena representada.

La minuciosidad de su técnica influirá en artes posteriores como el constructivismo y las tendencias abstractas del siglo XX.

Este estilo se extendió fuera de Francia, por Italia y Bélgica. En Italia, influirá decisivamente en la técnica del futurismo. En Bélgica influirá en la formación del Art Nouveau. Mas tarde, con ODILON REDON, dará lugar al grupo de los NABIS, los profetas.

GEORGES SEURAT (1859-1891). Creador de la técnica puntillista: pretende que la forma recobre el valor que había perdido con los impresionistas.

Composiciones claras y monumentales, basando la belleza en las proporciones matemáticas y en la estructura racional del cuadro.

Sus cuadros se distinguen por el contraste entré la superficie vibrante de la tela, llena de puntos románticos, y la estructura geométrica, casi cobista e as figuras y masas representadas.

Ej.: Bañistas en Asniéres. Domingo en la isla de la Grande Jatte (1886).

PAUL SIGNAC (1863-1935). Discípulo de Seurat y teórico del movimiento. Interpreta subjetivamente los colores. Al final de su vida dejó de emplear los tonos puros. Tuvo especial predilección por los temas marinos y por los de circo para captar el movimiento.

Ej.: Puerto de Marsella.


Es un movimiento vinculado en un principio al impresionismo pero después se convierte en una revisión de sus ideas. Reacciona contra el abandono de la forma y del volumen que el impresionismo había practicado y quiere recuperar el dibujo aunque sin renunciar al color.

Quiere captar no solamente la luz sino también la expresividad de las cosas y personas iluminadas: buscan el análisis de aquello sobre lo que la luz incide. Con sus aportaciones prepara el camino para los movimientos pictóricos del siglo XX.

PAUL CÉZANNE (1839-1906). Reacciona contra el impresionismo que había practicado entre 1872 y 1882, revalorizando la formara estructura, el volumen del objeto representado.

Utiliza los contrastes de color para diferenciar las figuras y los planos. Emplea las sombras de tono violáceo renunciando al negro y gris tradicionales. Decía: «la línea no existe, un cuadro no representa más que colores».

Según él, bajo las apariencias de los objetos subyacen formas geométricas (esfera, cono, cilindro) que es donde, fundamentalmente, radica la belleza. Esto explica la apariencia geométrico que presentan los cuerpos en sus cuadros. Para evitar que el objeto se desdibuje recalca los perfiles mediante una fuerte línea oscura.

Aplica el color mediante fuertes y gruesas pinceladas, como si fuesen restregones; el dibujo es algo totalmente secundario, es el color el que modela las figuras.

Temas: paisajes, bodegones, retratos, flores, etc. No le interesa el tema en sí sino la esencia geométrico de lo representado.

Es precursor de la pintura del siglo XX, especialmente del constructivismo y del cubismo. Pueden distinguirse cuatro períodos en su vida:

  • Romántico: en sus años de juventud, trabajando en la Académie Suisse, manifiesta la influencia de Delacroix y de Courbet: ambientes sombríos, colores borrosos, formas monumentales y ondulantes.
  • Impresionista: mediante su relación con Pisarro empieza a pintar al aire libre y su pintura adquiere una mayor luminosidad. Llega a exponer con los impresionistas en 1874 y 1877 pero no se identifica plenamente con ellos, ya que, según él, la luz se come a la forma, devora al color».
  • Constructivo: a partir de 1881 abandona la luz y utiliza al color como constructor de las formas. Inicia la geometrización y simplificación de los cuerpos.
  • Sintético: por medio de la simplificación geométrico de los cuerpos y de la aplicación del color a base de pinceladas anchas consigue Cézanne la profundidad o relación entre el objeto, su entorno y el espacio, llegando de este modo a conseguir la unidad total del cuadro.

Ej.: Jugador de cartas. Bañistas. Paisaje de L’Estaque. Bodegones. Retratos.

PAUL GAUGUIN (1848-1903). La pintura para él es más creación que representación. Elabora intelectualmente los datos de la realidad.

El color es su principal aportación: emplea el color para plasmar estados de ánimo. Son colores puros, planos, de tonos vigorosos e intensos. El color se extiende en grandes manchas encajadas dentro de las líneas del dibujo. La pintura recuerda a los esmaltes o las vidrieras. Son colores puros, arbitrarios, con un valor decorativo y simbólico. El efecto pictórico consistía, para él, en la armonía de las manchas cromáticas.

Busca también los sentimientos a través de la sencillez de los personajes y de sus miradas conmovedoras. Renuncia a la perspectiva: los colores puros acentúan el aspecto plano del cuadro.

Las composiciones son muy cuidadas, sencillas y estáticas. Introduce el gusto por el exotismo a través de su estancia en la isla de la Martinica (1887), en la de Tahití (1891-1893, 1895-1901) y en la isla de Dominica (1901-1903). Antecesor del fauvismo, expresionismo y simbolismo.

Ej.: Cristo amarillo. Visión después del Sermón. (1882). Mujeres tahitianas.

VINCENT VAN GOGH (1853-1890). Holandés. Se dedicó a la pintura en los últimos años de su vida, sirviéndole como desahogo a un espíritu atormentado que terminará conduciéndole al suicidio.

Rasgo fundamental: la expresión de los sentimientos mediante el color y la deformación de la realidad. Utiliza colores puras, vivos, fuertes: rojo, azul, verde, amarillo (este color representaba para él al sol, símbolo de la divinidad panteísta). Colores arbitrarios: no reproducen la realidad objetiva sino que adquieren un valor simbólico.

Pinceladas fragmentadas, cortas y sinuosas que denuncian su angustia ante el mundo. Perfiles curvilíneos, serpenteantes, flamígeros.

Temas muy variados: paisajes, retratos,. Todos ellos con una fuerte carga de humanidad.

Arte subjetivo, independiente de la realidad sensorial. Quiere buscar algo más allá de las apariencias ya que las cosas no sólo son cosas sino que expresan algo. Está considerado como antecesor del expresionismo y, en cierta medida, del fauvismo.

Ej.: Las botas viejas (antecedente del expresionismo). La habitación del pintor. (El cuarto amarillo). La silla. Noche estrellada. Los girasoles. El cartero Roulin. Rama de almendro.

HENRI DE TOUSOUSE-LAUTREC (1864-1901). Sus cuadros se caracterizan por el dibujo coloreado y muy expresivo. Influenciado por las estampas japonesas. Dibujo de trazos cortos, sinuosos, combinado con colores puros y brillantes. Pinceladas yuxtapuestas.

Temas: le interesa representar el movimiento (danza, carreras de caballos), temas de expresionismo social (visión amarga y fuerte de la vida); ambientes de la vida bohemia parisina (cabarets, teatro). No se interesó por el paisaje ni por la pintura al aire libre.

Preocupación por captar la psicología de los personajes. Convirtió a los carteles anunciadores de espectáculos en auténticas obras de arte.

Ej.: Le Moulin Rouge. La Goulue (1891). Jane Avril.


Se desarrolla con ciertas diferencias con respecto al francés. La técnica de aplicar el color a base de manchas se anticipa con Rosales y Fortuny y algunos paisajistas, pero faltaba todavía la pintura al aire libre.

IGNACIO PINAZO (1849-1916). Practicó un cierto eclecticismo. Se caracteriza por ser un gran colorista. Ej.: Lección de memoria.

DARÍO DE REGOYOS (1857-1913). Muy puntillista. Uno de los pocos pintores españoles que adoptó el puntillismo. Temas: paisajes, fábricas, ferrocarriles. Algunas de sus obras participan del expresionismo crítico.

Ej.: Pancorbo. El gallinero.

JOAQUÍN SOROLLA (1863-1923). Principal representante español del impresionismo. Parte de temas de carácter histórico y social para convertirse en el máximo defensor de la pintura al aire libre. Es, sobre todo, el pintor de la luz levantina.

Con pinceladas largas consigue captar la luz vibrando en los cuerpos, en las superficies mojadas, en el agua. Utiliza colores muy claros aplicados a base de pinceladas largas y sueltas. Mantiene en muchos de sus cuadros un dibujo poderoso y afronta problemas de composición y movimiento que preocuparon poco en Francia.

Ej.: ¡Y aún dicen que el pescado es caro! Niños jugando en la playa. Paseo en la orilla del mar. Tipos regionales españoles. Sociedad Hispánica. Nueva York.

AURELIANO DE BERUETE. Paisajes madrileños.




Situación cronológica y espacial.

  • Economía: influencia del desarrollo científico. crisis del capitalismo liberal y avance del socialismo. creciente división entre los países desarrollados y subdesarrollados.
  • Política: crisis de las democracias liberales en Europa: aparición de sistemas políticos autoritarios y totalitarios. aparición de un sistema político opuesto al liberal: el socialista. paulatina pérdida de la hegemonía europea debilitada por las guerras mundiales y por la descolonización.

formación de un sistema bipolar: dos bloques, capitalista y socialista, enfrentados en lo político, económico y social.

alteraciones que provocan la formación de un nuevo mapa europeo.

  • Sociedad: gran conflictividad social en los primeros treinta años debido a la crisis económica del capitalismo liberal.

estabilidad social después de la Segunda Guerra Mundial, gracias al desarrollo económico de estos años.

reflejo en la sociedad de la crisis de los valores tradicionales a partir de los años sesenta, adquieren gran importancia sectores hasta entonces muy marginados: mujeres, juventud, etc.

  • Cultura: grandes avances científicos que repercuten en todos los aspectos de la vida.

grandes y rápidos cambios ideológicos que transforman a los valores tradicionales.


Entre el siglo XIX y el siglo XX no existe un corte rígido sino que están íntimamente ligados y los cambios iniciados a partir de 1880 configuran y determinan al desarrollo artístico del siglo XX.

El siglo XX se caracteriza por el fin de la unidad artística: ya no se suceden los estilos sino que conviven en un mismo periodo concepciones artísticas muy distintas. Esto da al arte contemporáneo un carácter de variedad y complejidad extraordinarias.

Se produce un rápido e intenso desarrollo de la fotografía y el cine, este desarrollo se debe, en parte, a que son. más fácilmente comprensibles por las grandes multitudes que las innovaciones producidas por las artes plásticas actuales.

El uso masivo e indiscriminado de todo tipo de materiales: algunos ya se usaban anteriormente (hierro, vidrio), otros son proporcionados por la industrialización (cemento, acero, plásticos), pero, además, se usan también materiales a los que hasta ahora nunca se les habían reconocido valores estéticos (papel, tela).

Gracias al Imperialismo y a los nuevos medios de comunicación se produce un fuerte contacto con otras culturas y sus consiguientes sistemas expresivos.

Tendencia a la internacionalización del arte: las escuelas nacionales pierden poco a poco su razón de existir.

Frente a la sensación de confianza y fe en el progreso anunciada en el siglo XIX, se alzaron, ya a principios del siglo XX, las voces de personas como NIETZCHE, EINSTEIN o FREUD que anuncian el fin de esa confianza y del racionalismo y homogeneidad del ser humano. El arte del siglo XX refleja esta nueva situación.



La arquitectura modernista preparó el camino para la aparición de un nuevo lenguaje arquitectónico. Se produce la ruptura definitiva con la arquitectura historicista de ascendencia clásica (salvo algunas excepciones) y se condena el eclecticismo arquitectónico.

En los siglos anteriores, al arquitecto había centrado su atención e interés en los exteriores, en la ornamentación, ahora toma conciencia de que debe desarrollar una nueva arquitectura que esté en consonancia con las nuevas necesidades del hombre y que dé respuesta a los problemas planteados por el desarrollo de la moderna sociedad industrial.

Era evidente que los estilos tradicionales resultaban inadecuados para la construcción de los nuevos tipos de edificios: aeropuertos, estaciones de ferrocarril, rascacielos, fábricas, etc. De ahí la necesidad de buscar un nuevo lenguaje arquitectónico, aunque éste no se hará realmente notorio hasta la segunda década del siglo XX.

El tratamiento del espacio interior y la funcionalidad determinaron la nueva estética arquitectónica: la belleza del edificio no radica en la ornamentación sino en que sea apto para la función a la que está destinado.

Existe una intima vinculación entre arquitectura, ingeniería y urbanismo.

Se manejan los volúmenes y los espacios con criterios completamente nuevos, influidos también por los nuevos materiales con los que se trabaja.

Materiales: hierro, hormigón armado, acero, cristal, plásticos.

La estética arquitectónica del siglo XX se mueve entre dos polos: la búsqueda de la simplicidad de los volúmenes y la articulación con la naturaleza. Aunque no se niegan las grandes aportaciones de la arquitectura moderna, algunos críticos consideran que adolece de una monotonía exasperante hasta tal punto que ha conseguido que cualquier ciudad del mundo tenga el mismo aspecto que las demás, eliminándose las características propias.


Hasta la década de los años veinte, la principal influencia sobre la arquitectura es la ejercida por algunos de los «ismos» o movimientos estéticos de vanguardia surgidos a partir del Impresionismo: Cubismo, Futurismo, Expresionismo, Constructivismo que defienden la simplificación estructural decorativa, el gusto por las líneas ortogonales, la utilización de los nuevos materiales sin encubrirlos, etc. Se ponen las bases del nuevo Racionalismo.

Se produce una fuerte reacción contra el decorativismo del Modernismo y contra el Eclecticismo. Se defiende una arquitectura de espíritu geométrico, basada en la claridad y en la coherencia estructural.

Los edificios empiezan a ser expresión de una arquitectura de índole práctica y utilitaria. Proliferan las construcciones en hierro y hormigón armado.

Peter BEHRENS (1868-1940). Combina el racionalismo (geometrismo) con el expresionismo del material constructivo (uso del ladrillo visto). Se inició en el Modernismo pero lo abandonó rechazando su decorativismo. Realiza edificios de carácter industrial utilizando preferentemente el hierro y el cemento.

Ej.: Fábrica de turbinas AEG.

Adolf LOOS (1870-1933). Rechaza el modernismo y el eclecticismo anticipando el racionalismo: practica una arquitectura escueta y simple, limitada a los elementos constructivos, de formas claras y distintivas. Por la simplificación decorativa y estructural se le relaciona con el cubismo.

Ej.: Casa en la Michaelerplatz. Viena.

Tony GARNIER (1869-1948). Destaca, todavía en el siglo XIX, por el estudio que realiza de la llamada «Ciudad Industrial”: es un proyecto racionalista y funcional que reúne los caracteres precursores de la urbanística moderna y anticipa la idea de que una construcción debe estar en función del adecuado marco urbano.

Propuso la utilización del hormigón armado para la construcción de todo tipo de edificios.

Augusto PERRET (1874-1954). Difundió el uso de estructuras de hormigón armado en la construcción de edificios para viviendas, no sólo como auxiliar constructivo sino como parte integrante y expresiva del lenguaje arquitectónico.

Ej.: Casa de la calle Franklin. París. Iglesia de Le Raincy.

Erich MENDELSON (1887-1953). Representante de la influencia expresionista: quiere mostrar lo que es el edificio, enseñarlo, sacando todo el partido posible de los materiales (hierro, cristal, etc.). Empleó con originalidad los nuevos métodos de construcción ofrecidos por el acero y el hormigón.

En los edificios para almacenes impuso un tipo de fachada a base de grandes fajas horizontales de ventanas corridas que fue muy imitada en los años posteriores.

Ej.: Einstein Tower. Postdam. (1921). Almacenes Schocken. Stuttgart.


Se designa como funcional, en general, al arte que manifiesta un interés específico por el uso al que se destinan las construcciones.

El funcionalismo surge y se desarrolla entre 1920 y 1930, consideraba la forma y estructuración de los elementos arquitectónicos, así como el material y la elaboración de muebles, como expresión de la utilidad práctica y de la construcción técnico-matemática.

Coincide con el Neoplasticismo en el afán de combinar espacios cuadrados y rectangulares, coincide con el Cubismo porque ambos intentan representar a los objetos desde varios ángulos de forma simultánea: tratan de obtener la simultaneidad de los volúmenes.

Las formas verticales se alternan con las horizontales, se abandona el concepto de fachada principal, todos los planos importan. Su afán de espacio interior se refleja en las cristaleras: el cristal fue el gran asociado del racionalismo.

En la arquitectura racional está presente el humanismo: el hombre y su bienestar son el motor de las ideas arquitectónicas.

Como principio básico se adopta la afirmación de L. SULLIVAN (Escuela de Chicago): «La forma sigue a la función». Para el Racionalismo la belleza de un edificio radica en su funcionalidad y en el empleo apropiado y eficaz de los materiales utilizados en su construcción.

  • Predominio de las líneas rectas y de los volúmenes elementales.
  • Conjuntos asimétricos.
  • Estructuras vistas.
  • Materiales: hierro, hormigón armado, vidrio, incorpora materiales nuevos como el aluminio, los plásticos, etc.
  • En los edificios el muro deja de ser elemento de soporte, los techos son bajos, las ventanas apaisadas, horizontales, se emplean azoteas en vez de tejados, los interiores aparecen pintados de blanco.

LE CORBUSIER (1887-1965). Carlos Eduardo JEANNERET, suizo afincado y nacionalizado en Francia.

Es el arquitecto contemporáneo más internacional: existen obras suyas en Francia, Estados Unidos, Brasil, lndia, etc., y el que más ha influido en la arquitectura moderna.

Fue un gran teórico difundiendo sus ideas y proyectos mediante artículos y manifiestos, lo que ha contribuido a la divulgación de los principios de la arquitectura racionalista.

Investigó nuevas soluciones: idea suya fue el «rompesol» (brise-soleil), lámina que permite la entrada de la luz pero no del rayo solar.

Principios básicos:

  • el volumen simple es el elemento arquitectónico primordial.
  • construcción de los edificios sobre «pilotis» (pilotes), quedando de este modo el suelo libre y pudiendo ser utilizado por la comunidad.
  • planta libre: cada piso puede ser distribuido independientemente del superior y del inferior.
  • fachada libre: puede diseñarse en función de las necesidades de cada piso al no estar sujeta a una ordenación regular impuesta por los muros de carga.
  • uso de ventanas apaisadas continuasen desarrollo horizontal, mayor iluminación.
  • terrazas en lugar de azoteas: allí se ubican solarios, pistas de tenis, piscinas, jardines.

Su objetivo es tomar al hombre como medida de todos los objetos, inclusive de las viviendas. Por esto escribe su obra «El Modulor».

Considera que la vivienda es una «máquina de habitar», se elimina todo lo superfluo y se aumenta al máximo la comodidad, condición necesaria para una existencia adecuada del hombre.

Crea la llamada «unidad de habitación», especie de rascacielos pero con desarrollo horizontal. La finalidad de estos bloques es crear una sensación de comunidad y cooperación frente al aislamiento de la ciudad. Ausencia de decoración. Se interesó por los problemas urbanísticos.

Ej.: Villa Saboya. Poissy. (1929). Palacio de los Sindicatos. Moscú. Iglesia de Romchamp. (1925). Construcciones en Chandigarh. India. (1950). Unidad de habitación. Marsella. (1946). Ministerio de Educación. Río de Janeiro.


La Bauhaus o «Casa de la Construcción» fue una escuela alemana fundada en 1919 por Walter GROPIUS. Su primera sede estuvo en WEIMAR, trasladándose en 1925 a Dessau.

Ante la persecución nazi muchos de los arquitectos alemanes y profesores de la Bauhaus emigraron a EE.UU., que se convierte así en la primera potencia en la arquitectura moderna.

La Bauhaus es una escuela de carácter democrático basada en el principio de la colaboración. No era sólo una escuela de arquitectura sino que integraba todas las artes y revalorizaba la artesanía. Trabajaron en ella profesores como KANDINSKY y Paul KLEE.

Para los miembros de La Bauhaus también los objetos utilitarios producidos por la maquinaria debían estar dotados de valor estético, dando así una nueva importancia a los objetos hechos en serie. Diseñaron muebles, lámparas, tapicerías, sillas, carteles y letras de tipografía, etc. Ejerció una gran influencia en el diseño industrial.

Todos estos diseños no eran sólo estudios teóricos sino que los alumnos los llevaban a la práctica, con ello pretendan demostrar la relación entre arte y técnica y entre arte e industria.

En lo que respecta a la arquitectura difundieron las siguientes ideas:

  • todo el edificio debía ser diseñado de acuerdo con unos principios estrictamente racionales.
  • rompe con el principio de fachada única.
  • prescinde de las cornisas: sustituye los tejados por azoteas.
  • alterna planos macizos con grandes ventanales.
  • propugna la construcción de viviendas standard a base de elementos prefabricados. la decoración, la luz, el mobiliario, etc., también deben realizarse de acuerdo con principios racionales.

Dentro de La Bauhaus destacan Walter GROPIUS y Mies Van Der ROHE.

WALTER GROPIUS (1883-1969). Fundador de La Bauhaus e iniciador de la arquitectura racionalista. idea fundamental: conjugar simplicidad, geometrismo y funcionalismo, concedió gran importancia a los espacios interiores.

Dio gran importancia a la construcción de viviendas con materiales prefabricados. Introdujo el uso de la carpintería metálica para las cristaleras en sustitución de la madera.

Prefiere las fachadas a base de hierro y vidrio, transparentes, y esto es posible al dejar de ser los muros los elementos de sostén. Con la llegada del nazismo se trasladó a EE.UU..

Ej.: oficinas Fagus. (1911-1914). Edificio Siemenstadt. Edificio Bauhaus. Dessau. (1926).

Ludwig MIES Van Der ROHE. (1886-1969). Sustituyó a Gropius en la dirección de La Bauhaus.

Es el gran impulsor de la arquitectura racionalista y uno de los grandes maestros de la arquitectura de la primera mitad del siglo XX. Afirmó que la estructura es la esencia de la arquitectura, rechaza la decoración.

Se interesó por los materiales constructivos como elemento expresivo, acero, mármoles, piedra, vidrio, etc., que deben ser utilizados en su más absoluta desnudez y pureza.

Sus edificios se caracterizan por el predominio de las líneas horizontales y los largos ventanales. Sus espacios no son nunca cerrados, son espacios abiertos que se pierden en los jardines: esto es debido a la influencia del grupo abstracto DE STIJL.

Perseguido por los nazis, se refugia en 1937 en EE.UU..

Ej.: Casa Lange. Pabellón alemán. Exposición Internacional de Barcelona. (1929). Rascacielos. Chicago. Seagram Building. Nueva York. (1956).


Esta arquitectura, también llamada «racionalismo orgánico”, u «organicismo”, surge en EE.UU. hacia 1940 cuando se produce una crisis del Racionalismo, aunque acepta muchas de las soluciones técnicas aportadas por éste.

El nombre fue acuñado por Lloyd WRIGHT. Frente al racionalismo de La Bauhaus, los organicistas defienden que todo lo que el hombre haga tiene que entenderse no como un desafío a la Naturaleza, sino como una emanación de ella.

Sus materiales deben ser naturales: arcilla, madera, piedra, etc. y mantener siempre su relación y semejanzas con la naturaleza.

Las formas pierden el geometrismo anterior, deben responder a las formas naturales.

La arquitectura orgánica toma al hombre como referencia constante: no como medida sino en un sentido más individual. El arquitecto debe tener en cuenta la acústica, la armonía de los colores, el medio ambiente, etc., todo acuello que haga que el hombre se encuentre a gusto en el interior del edificio.

El edificio debe crecer de dentro hacia afuera y extenderse de acuerdo con las necesidades del que lo habita. Es una concepción totalmente distinta a las del paralelepípedo subdividido interiormente de Le Corbusier.

El organicismo persigue lograr una armonía entre el hombre, el ambiente y el edificio.

Frank LLOYD WRIGHT (1869-1959). Formado en la Escuela de Chicago, reaccionó contra la arquitectura racional-funcionalista fundando el movimiento organicista.

Humanizó la arquitectura poniéndola al servicio del hombre: siempre, tuvo presentes las características del hombre o del grupo de hombres a quienes iba destinado el edificio. En la década de los años veinte, en un viaje a Japón, recibe influencias de la arquitectura tradicional japonesa.

Desarrolla una arquitectura adaptada al ambiente que rodea la construcción ya que ésta se encuentra inserta en la naturaleza: el edificio ha de nacer a partir del suelo en que se alza.

Es también el arquitecto de los espacios interiores: deben ser amplios y continuos. En ellos deja los materiales en su estado natural.

Ej.: Casa, de la cascada. (Casa Kaufmann). Pensilvania. (1936-1937). Fábrica Johnson Wax. Guggenhein Museum. Nueva York. (1959). Casa Willitts. Illinois. (1902) .

Alvar AALTO. (1898-1976). Finlandés, influenciado por Wright, por el medio ambiente de su patria y por las formas populares tradicionales de la arquitectura rural finlandesa. Su interés está dirigido al interior, no al efecto plástico exterior.

Emplea con frecuencia la madera y los materiales más elementales (cal, ladrillo, etc.) dotando a las casas de exóticos tejados.

Ej.: Sanatorio de Paimio. Centro cultural de Wolfsborg. Ayuntamiento de Sáynátsalo. Finlandia. (1950).


La actividad urbanística es la preocupación más importante de los gobiernos de los diferentes países por la necesidad de reconstruir ciudades enteras después de la Segunda Guerra mundial.

Uniformización de las corrientes arquitectónicas por el exilio de muchos de los arquitectos europeos a causa de las grandes alteraciones políticas e ideológicas.


Trabajan aquí los grandes arquitectos europeos F. Lloyd Wright, W. Gropius y M. Van der Rohe.

Richard J. Neutra (1892-1971). Ej.: Casa Lovell. Los Ángeles. (1927).


Continua la labor de Le Corbusier que alcanza cada vez mayor difusión gracias a los Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna (CIAM).

Alemania e Italia.

Supeditan la arquitectura moderna a la necesidad de reconstruir las ciudades.


Desarrolla un fuerte racionalismo, continuador del Neoplasticismo anterior.


Se incorporan elementos tradicionales como los revestimientos cerámicas.

COSTA y NIEMEYER. Ej.: Proyectos para la ciudad de Brasilia (1917).

A. E. REIDY. Ej.: Conjunto residencial de Pedreglho. Río de Janeiro. (1950-1952).


Se continua la investigación de nuevos materiales más ligeros e isotérmicos, de sistemas de prefabricación de elementos, de grandes estructuras para cubiertas.

Se presentan una serie de modalidades:

  • Nuevo brutalismo.

Revaloriza el material bruto en si mismo, sin manipulaciones ni enmascaramientos.

Austeridad, afán de mostrar las estructuras.

Ej.: Escuela de Hunstanton. Norfolk. ALISON y P. SMITHSON.

  • Arquitectura Pop.

Construcciones modestas sin planteamientos políticos.

Destinadas al consumo popular: edificios-anuncio.

  • Opción estructural.

Se pretenden cubrir grandes espacios aprovechando las nuevas tecnologías.

Entre los logros técnicos más importantes están las gigantescas cubiertas en forma de cúpulas geodésicas y las estructuras celulares poligonales en las que la resistencia es máxima y el peso es mínimo.

Otras experiencias buscan la arquitectura móvil a base de módulos que el individuo puede orientar como quiera.

  • Ej.: Palacio de los Deportes. Méjico. Félix CANDELA.
  • iglesia de Nuestra Señora de los Milagros. Méjico. Félix CANDELA.
  • Palacio de los Deportes. Roma. Pier Luigi NERVI.
  • Sala de Audiencias «Pablo VI”. Vaticano. Pier Luigi NERVI.
  • Estación terminal de autobuses. Nueva York. Pier Luigi NERVI.
  • Pabellón alemán. Exposición de Montreal. (1967). Otto FREI.
  • Estadio olímpico. Munich. (1972). BERNISCH y PARTNER.
  • Pabellón norteamericano. Exposición de Montreal. BUCY-MINSIER FULLER.

A partir de los años setenta todo se puede reducir a dos grandes tendencias:

  • Neorracionalismo.

Trata de ordenar con lógica y disciplina el quehacer arquitectónico.

  • Arquitectura postmoderna.

Es una recuperación del símbolo en arquitectura a partir de un cierto eclecticismo.


Hasta la Primera Guerra Mundial.

Se mantiene el historicismo y eclecticismo del siglo anterior: neoplateresco, neomudéjar, neobarroco, modernismo.

Se impone una arquitectura nacionalista de carácter monumental que centra su atención en lo ornamental.

Antonio PALACIOS (1876-1945). Ej.: Palacio de Comunicaciones. Madrid. Edificio del Banco Central. Madrid.

Teodoro ANASAGASTI (1880-1938). Ej.: Monumental Cinema. Madrid.

Desde 1915 hasta 1936

Se produce un rechazo, por parte de los grupos más avanzados, de las tradiciones historicistas y regionalistas.

Llegan a España los primeros ecos de la arquitectura racionalista, impulsada principalmente por el GATEPAC (Grupo de Arquitectos y Técnicos Españoles para la Arquitectura Contemporánea), fundado en 1930 y cuyo antecedente fue el GATCPAC catalán (1928) creado por José Luis SERT.

La obra más ambiciosa de este momento es el proyecto de la Ciudad Universitaria de Madrid en el que participaron varios arquitectos dirigidos por:

Modesto LÓPEZ OTERO (1885-1962). Ej.: Casa de las Flores. Madrid. (1930). ZUAZO.

Nuevos Ministerios. Madrid. Hipódromo de la Zarzuela. Madrid. (1935) Eduardo TORROJA.

Colonia del Viso. Madrid. Hospital Clínico. Madrid. Dispensario Central Antituberculoso. Barcelona. (1943-1936). José Luis SERT. Pabellón Español. Exposición de París. (1937). José Luis SERT.

Desde 1936 hasta la década de los 50

Como consecuencia de la guerra civil se instala en España una arquitectura dirigida de cuño estatal. Problemas derivados del aislamiento internacional.

Son rechazados los intentos renovadores de tendencia racionalista y se toma el estilo herreriano-escurialense como expresión del nacionalismo del nuevo Estado.

No faltaron arquitectos que siguieron trabajando, dentro del escaso margen que les permitía la Administración, inspirados en el espíritu racionalista.

Ej.: Ministerio del Aire. Madrid. (1943-1951). L. Gutiérrez Soto. Universidad Laboral. Gijón. (1945-1956). L. Moya.

Basílica del Valle de los Caídos. Madrid. (1940). Méndez y Muguruza. Edificio de Sindicatos. Madrid. (1949). Cabrero y Aburto.

A partir de la década de los años 50

Paralelamente a una mala planificación urbanística, se construyen edificios acordes con las grandes corrientes internacionales.

Ej.: Iglesia de los Dominicos, Alcobendas. Miguel FISAC. (1960).

Edificio Torres Blancas y Edificio BBV Castellana. Madrid. SAENZ DE OIZA

Iglesia de Guadalupe. Madrid. Félix CANDELA.

Torres de Colón. Madrid.


Sus problemas, ya antiguos, se agudizan cuando surgen las dificultades de habitabilidad de las ciudades del siglo XIX.

La población de las ciudades creció tan rápidamente que éstas se inundaron de un modo anárquico, sin que importasen las condiciones de vida de los antiguos y de los nuevos ciudadanos.

Se desarrollan los SLUMS, barrios insalubres, casas sin aireación, donde el hacinamiento

es la característica más específica, las casas se distribuyen en una cuadrícula perfecta, simplemente por razones económicas, es decir, por un mejor aprovechamiento del espacio.

A medida que avanza el siglo XX se produce el fenómeno contrario: el hombre intenta abandonar la ciudad y marchar al campo.

Surgen así tres tipos de ciudades:

  • Ciudades antiguas que han crecido rápida y desmesuradamente: conservan la plaza mayor como centro del casco antiguo rodeado por las nuevas edificaciones. Ej.: París, Barcelona, Madrid, Londres.
  • Ciudades antiguas que no son modificadas apenas por la industrialización. Ej.: Salamanca, Toledo.
  • Ciudades de nueva traza, tanto de tipo administrativo como comercial o industrial, con más dificultad se podrían incluir aquí las «ciudades dormitorios» o «los complejos urbanísticos de descanso».

Las soluciones para evitar los problemas del hacinamiento e insalubridad, que a su vez podían ser causa de conflictos políticos o sociales graves, fueron buscadas por los estadistas desde mediados del siglo XIX aunque con diferente éxito. Aún hoy, sociólogos y ecologistas las siguen buscando para evitar el desastre y la autodestrucción.



Ruskin, Owen y Engels defendieron el principio de la ciudad como algo orientado a la Naturaleza como reacción contra el maquinismo y la concentración urbana.

Doble objetivo: mantener el equilibrio psicológico de los habitantes y evitar el abandono del campo. Salvar la ciudad y el campo simultáneamente.

Ciudades pequeñas recorridas por una calle de poco tráfico y rodeadas por las grandes vías de comunicación que relacionan a unas ciudades con otras y a todas con la central.

La solución de la ciudad-jardín fue superada pronto por el racionalismo del siglo XX. Basada en las teorías de HOWARD.


Aportación del español Arturo SORIA. Eje central longitudinal alrededor del cual se alinean las casas y que sirve de medio de comunicación.

Este tipo de construcción determinaba el sentido en el que iba a crecer la ciudad y evitaba el aislamiento con respecto al campo. Válido para un número limitado de habitantes.

Ej.: Ciudad lineal. Madrid.


Es el más simple y eficaz de los sistemas urbanísticos y el más utilizado desde la antigüedad.

En el siglo XIX se combina el sistema de cuadrícula con las grandes perspectivas teatrales del barroco: las grandes avenidas quedan cerradas por un gran monumento.

Se ha tratado de ver en este trazado un cierto intento de funcionalidad: evitar disturbios, aislar epidemias, dar más realce a los desfiles militares.

Ej.: Barón HAUSSMAN: remodelación de París. Ildefonso CERDA: remodelación de Barcelona.


Surge ya en el siglo XX ante la urgencia de acomodar la ciudad no sólo al crecimiento humano sino también al de los medios de transporte.

Se fija el concepto de urbanismo como proyección del concepto de arquitectura. Estos arquitectos-urbanistas racionalistas son eminentemente utópicos:

  • dividen la ciudad en dos grandes zonas con funciones claramente diferenciadas y relacionadas por las convenientes vías de circulación.
  • el sistema se puede considerar como modular: la ciudad resulta fácilmente ampliable.

Tony GARNIER. En 1901 diseña la «ciudad industrial» en la que ya aparece claramente la división de la ciudad según funciones: trabajo, residencia, zona de recreo, vías de tráfico.

Anticipa soluciones que después aportará Le Corbusier: casas sobre pilotes, ordenación rectangular, terrazas-jardín. Ej.: Zona industrial de Lyon.

Le CORBUSIER. Es el gran urbanista del racionalismo. Aplica al urbanismo sus principios arquitectónicos.

Defiende la extensión vertical más que la horizontal: colocando las casas sobre pilotes, el suelo queda libre para trazar vías peatonales, zonas de descanso.

Formula la teoría de las «Siete V» (Siete Vías) a base de ordenar las vías de comunicación según su importancia y según su función con respecto a la zona habitada.

A partir de estas vías se crea una zona habitada, el «sector”, únicamente consagrado a viviendas pero con una calle comercial.

Defiende la construcción de «unidades de habitación».

Crea una serie de proyectos: Plan Voisin (París), Buenos Aires, Sain-Die, Barcelona que no lleva a la práctica, otros si son realizados como la «Ciudad Radiante» de sella y Chandigarh, capital de Punjab.

Estos proyectos cristalizan en un documento, la «Carta de Atenas”, publicada en 1941 como resultado de los estudios realizados por los CIAM (Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna) a partir de 1933.

Sus sucesores reducen el urbanismo racionalista a secos volúmenes aislados, a vías de comunicación mal relacionadas.

Urbanismo orgánico.

Como reacción al racionalismo se defiende la vuelta a la naturaleza. Lloyd Wright resume sus ideas en el proyecto de la ciudad imaginaria de Boadacre City. Propone en realidad una reestructuración de la antigua ciudad-jardín.

Defiende la vivienda unifamiliar frente a la «unidad de habitación» de Le Corbusier. Busca una ciudad autosuficiente, con edificaciones no muy altas separadas por zonas verdes, las vías de comunicación no están tan perfiladas como en el sistema racionalista.

El resultado es una ciudad armoniosa pero utópica.

Soluciones actuales.

Ante la necesidad de reconstruir nuevas ciudades después de la Segunda Guerra mundial, se intentan conciliar los sistemas racionalistas y organicistas.

Los dos ejemplos más destacados en este sentido son la reconstrucción de Londres por Abercrombie y Forshaw, Y la construcción de Brasilia por Niemeyer y Costa.

En ambos casos, grandes vías de comunicación dividen sin separarlas zonas naturales y autónomas que a su vez pueden relacionarse con el centro histórico, en el caso de Londres, o con la Plaza de los Tres Poderes en Brasilia, en la cual los edificios se conciben para dar la sensación de esculturas.

Se siguen buscando nuevas soluciones: la mayor parte de ellas encuentran como único medio para humanizar una ciudades control del tráfico automovilístico. Así se ha hecho en el centro de Rotterdam, en Helsinki, en Vallingby (ciudad satélite de Estocolmo).

El gran problema para aplicar todas estas nuevas teorías urbanísticas es el de los intereses económicos, la especulación de terrenos.


Caracteres generales.

Al igual que la pintura del siglo XX, también la escultura se vio afectada por los principios teóricos de los nuevos “ismos» y por el deseo de encontrar nuevas fórmulas escultóricas superadoras de los principios formales vigentes de la antigüedad.

También la escultura manifiesta con sus cambios la evolución política, económica y social del siglo XX. Por una vez se produce la pérdida del humanismo sustituido por el afán tecnicista y experimental, por otra parte, ha surgido un fuerte individualismo que no sólo se aparta de las normas tradicionales, sino también de todo aquello que su ponga relación con una escuela o modo de hacer determinado.

Las características más importantes de esta escultura son:

  • la búsqueda de las nuevas estructuras esenciales de las figuras, humanas o animales, despersonalizándolas para destacar la naturaleza del material.
  • creación de nuevas formas para conseguir una estructura plástica casi arquitectónica.
  • experimentación con el valor expresivo de los nuevos materiales: piedra, metal, plásticos, que algunas veces llegan incluso a combinarse.
  • la gran importancia concedida al espacio, al vacío.
  • Los avances conseguidos se hacen más patentes si tenemos en cuenta que durante casi dos milenios la escultura fue entendida como el arte de ocupar el espacio con un volumen de un determinado material y como un arte de “imitación”. Ahora se concede especial importancia al vacío y se despreocupan del modelo.
  • En este nuevo rumbo de la escultura influyó decisivamente el arte negro africano y el de las culturas oceánicas.

El panorama escultórico del siglo XX es muy complejo. No resulta fácil su sistematización y tampoco es fácil clasificar a un artista dentro de una determinada tendencia.

Las innovaciones plásticas del siglo XX son de una audacia innegable. En síntesis se podrían resumir en varios principios:

  • El hueco: crea formas como el silencio en la obra musical (Gargallo).
  • La deformación: constituye un recurso tradicional del artista con el que se descubren nuevas posibilidades expresivas (Moore).
  • La incorporación del espacio: la escultura se funde con su contorno (Pevsner).
  • La abstracción: las formas sin apoyo en la realidad han renovado el lenguaje escultórico (Chillida).
  • El movimiento: unión de la energía y la forma en esculturas-máquinas (Calder).


Primeros años del siglo XX.

Se manifiesta la influencia de Rodin en numerosos escultores. Actitud conservadora y realista. Humanismo.

Antonio BOURDELLE (1861-1929). Francés. Discípulo de Rodin, mostró gran interés por la escultura arcaica griega y la románica, su escultura es naturalista y clásica.

Se caracteriza por el culto a la fuerza: interés por representar el volumen, de formas geométricas y proporcionadas. Tema central: la figura humana.

Ej.: Hércules arquero. Monumento al General Alvear. Buenos Aires. Busto de Rodin.

Arístides MAILLOL (1861-1944). Francés. Se mueve dentro de la tradición clásica. Centra su interés en las formas puras, sin preocuparse por, los detalles y elementos accesorios.

Se distingue por su concepción del volumen: simple, redondeado y de modelado liso para que resalte más. Concepción arquitectónica del cuerpo humano, construyendo la figura según un esquema geométrico.

Tema central: el desnudo femenino, robusto de formas opulentas, compactas y pesadas. Ej.: La noche. Venus del collar.

Manuel MARTÍNEZ HUGUÉ (1872-1945). Español. Rompió con la escultura de aspecto hierático y fastuoso. Sus figuras son de un canon «rechoncho”, de pequeño tamaño, pero muy expresivas, de aspecto alegre y juvenil.

Mateo FERNÁNDEZ (1885-1957). Español. Gran animalista: representa a los animales en reposo, con superficies brillantes y tersas.

José CLARA (1878-1957). Español. Representante del llamado estilo mediterráneo.

Evolucionó desde una tendencia a la estilización hacia un acentuado naturalismo, mostrando gran interés por el modelo real, aunque representa una «modernidad» dentro de su clasicismo.

Sus esculturas se caracterizan por las formas estáticas y aplomadas, sabiendo conjugar la belleza formal con un sentimiento humano. Exalta el cuerpo femenino: aspecto robusto y sano.

Ej.: Pomona. Juventud.

José LLIMONA (1864-1934). Español. Se distingue por las formas concentradas y la fuerza expresiva. Tendencia a la simplificación y a la idealización.

Tema principal: desnudo femenino. Ej.: Desconsuelo.

Victorio MACHO (1887-1966). Español. Ej.: Monumento a Pérez Galdós. Monumento a Ramón y Cajal. Cristo del Otero. Palencia. Sepulcro de Menéndez Pelayo. Santander. Busto de Unamuno.

Mateo INURRIA (1869-1924). Español. Ej.: Estatua ecuestre del Gran Capitán.

Juan de ÁVALOS (1911- ) Español. Ej.: Estatuas del Valle de los Caídos.



Centra su interés en el contenido espiritual del hombre: expresar los contenidos anímicos más profundos del ser humano como la tragedia, le angustia la miseria. Deforma los cuerpos que dejan de ser masas cerradas y compactas.

Utilizan nuevos materiales: hormigón, hierro, metales de desecho.

Germaine RICHIER (1904-1959). Francesa, discípula de Bourdelle. Parte de un cierto clasicismo hacia formas totalmente nuevas: figuras convulsionadas de miembros muy alargados.

Alberto GIACOMETTI (1901-1966). Suizo, iniciado en el naturalismo lo abandona influenciado por las corrientes de vanguardia. Sus primeras influencias fueron del cubismo y del arte negro africano.

Su obra de madurez se caracteriza por el expresionismo. Deshumaniza las figuras: personajes alargados, de aspecto torturado. Los cuerpos quedan reducidos a una serie de hierros retorcidos. Desmaterializa el volumen. Tema principal: el ser humano.

Ej.: Hombre andando. La mujer cuchara (1928). Palacio a las cuatro de la mañana. (1933).

Ernest BARLACH (1870-1938). Alemán. Quiso combinar estructuras cubistas con una expresión dramática.

Su arte viene definido por el empleo de la forma-cubo y la expresión de angustia, desesperanza y, en general, todo aquello que pueda transmitir un sentimiento patético al espectador.

Ej.: El terror. (1912). Los abandonados. (1913).

Abstracta figurativa.

Esta corriente se desentiende de los problemas espirituales centrando el interés en el mundo de las formas.


El movimiento cubista, con sus presupuestos teóricos, fue determinante básico en la nueva orientación de la escultura. El cubismo se aparta de la estricta realidad figurativa reduciéndola a volúmenes geométricos. Lo que le interesa es la arquitectura plástica de las formas.

Persigue la representación simultánea que dé perspectivas incrustando unos volúmenes en otros. También se interesó por los vacíos o espacios interiores.

Prestó especial atención a los materiales en cuanto confieren a la obra una calidad especial y una significación determinada.

Al igual que en pintura, introdujo los «collages» escultóricos. Fue practicado, en algún momento, por la casi totalidad de los escultores modernos.

Pablo PICASSO (1881-1973). Español. Busca la geometrización de los volúmenes. Evoluciona hacia nuevas fórmulas expresivas pero nunca abandona el cubismo.

Ej.: Cabeza de mujer (1909). La copa de ajenjo (1914). cabra (1950).

Alejandro ARCHIPENKO (1887-1964). Ruso. No se puede clasificar en una tendencia determinada. La influencia cubista se aprecia en el geometrismo de algunas de sus formas en las que alternan curvas y triángulos.

Tiende a combinar las formas llenas las vacías. Se interesa por los vacíos excavando el interior de las esculturas y seccionándolas para que resulte visible el hueco.

Fue el primero en desmantelar la forma compacta. Mezcla la escultura y la pintura en algunas de sus obras. Inventó móviles a los que llamó “arquipinturas».

Ej.: Carrusel Pierrot (1913). Mujer peinándose (1915).

Jacques LIPCHITZ (1891-1973). Ruso. Sufrió una gran evolución a lo largó de su vida. Adoptó del cubismo su geometrización y simplificación de las formas reales, inventó la llamada “escultura transparente» en la que sobre todo cuentan los perfiles y sus superposiciones. Utilizó frecuentemente como material chapas de metal.

Ej.: Hombre con mandolina. (1917). Mujer con guitarra (1927). Prometeo. (1936).

Raymond DUCHAMP VILLON (1876-1918). Francés. Sus primeras obras manifiestan la influencia de Rodin, posteriormente se adhiere a los principios cubistas, especialmente al grupo de la «Section D’Or”.

En algunas de sus obras consigue la síntesis del movimiento, del espacio y de la forma, de lo orgánico y lo mecanizado.

Ej.: Cabeza de Baudelaire. (1911).

Julio GONZÁLEZ (1876-1942). Español, amigo personal de Picasso. Introdujo la técnica del forjado, convirtiendo al hierro, hasta entonces despreciado, en un medio específicamente moderno de expresión.

Se adhirió al cubismo pero posteriormente se liberó de su influencia acercándose a lo abstracto. Está considerado como uno de los grandes escultores contemporáneos, origen de una nueva concepción de la escultura.

Ej.: mujer peinándose. (1932). Bailarina de la paleta. (1933). Montserrat. (1938).

PABLO GARGALLO (1881-1934). Español.

Destaca, sobre todo, su escultura férrica. Su estilo fue cada vez más libre y expresivo aunque menos abstracto que el de Julio González. Gusta de representar los vacíos.

Ej.: Danzarina (1927). El profeta (1933).


Puede considerarse como una variante del cubismo. Analiza los volúmenes, pero no en un sentido estático como el cubismo, sino en un sentido dinámico. Defiende el empleo de toda clase de materiales. Fragmenta y distorsiona la figura.

Umberto BOCCIONI (1882-1916). Italiano. En su obra domina la expresión del movimiento. Se interesa por la interrelación del objeto con el espacio circundante.

Es típico de sus obras el dar la impresión de inacabadas, consiguiéndolo al dejar abiertas algunas porciones de la escultura o al dar toques quebrados sobre las aristas.

Ej.: Desarrollo de una botella en el espacio. (1913). Forma única de continuidad en el espacio. (1913).


También es considerada como una variante del cubismo, distinguiéndose de éste por el sentido de continuidad de las superficies curvas de forma que los cuerpos constituyen un solo volumen.

Constantino BRANCUSI (1876-1957). Rumano. Se aparta de la figuración considerando que debe ser el material el que sugiera el tema y la forma. Juega con todo tipo de materiales.

Volúmenes de formas simples, esenciales, abstractas, de acabado pulido y perfecto. Formas ovales y fusiformes.

Ej.: Musa dormida (1910). Señorita Pogany (1913). Pájaro en el espacio. (1928). columna sin fin. (1937).

Amadeo MODIGLIANI (1884-1920). Influenciado por la escultura negra y su simplicidad.

Ej.: Cabeza de piedra. (1912).

Henry MOORE (1898-1989). Inglés. Recibió las más variadas influencias: arte precolombino, Miguel Ángel, Brancusi, Archipenko, Picasso, Surrealismo, Constructivismo. Tiene obras figurativas y abstractas. Alterna el vacío con formas planas, convexas y cóncavas.

Sus obras, incluso las abstractas, están llenas de humanidad. Expresan la austeridad, el dolor, la tragedia, las aspiraciones eternas del hombre.

Ej.: Figura reclinada. (1929). La novia. (1939). madre recostada con niño. (1960).

Hans ARP (1887-1966). Francés. Uno de los fundadores del dadaísmo. Formas inacabadas y muy simples. Evolucionó hacia formas de aspecto monumental en las que el volumen, las superficies curvas, la belleza de la materia y la unidad de conjunto son los valores esenciales.

Se inspira en la morfología de elementos naturales (cantos rodados, conchas pulidas) que sugieren elementos orgánicos humanos. Anticipa el informalismo o pura abstracción.

Ej.: Pastor de nubes (1953). Desnudo floral. (1957).

Henry LAURENS (1885-1954). Francés. El geometrismo de su primera etapa escultórica se debe a la influencia cubista. Evolucionó hacia volúmenes ondulados, curvos, estableciendo juegos entre las masas y los huecos.

Ángel FERRANT (1891-1959). Español. Evolucionó desde una figuración monumental y estilizado hacia una expresiva dad más rítmica de la forma, pasando a la abstracción.

Sus obras abstractas evocan monumentos megalíticos y esculturas de la Prehistoria. También hizo esculturas móviles y otras en las que el espectador cambia a su voluntad las piezas. Empleó materiales muy diversos: corcho, madera, latón, hierro, piedra, etc.

Ej.: Tres mujeres.

Abstracta no figurativa.

El objeto queda totalmente liberado de cualquier referencia al mundo circundante. La escultura es producto de la pura invención del artista.

Antoine PEVSNER (1886-1962). Ruso nacionalizado francés. Defensor del «constructivismo» para el que el principal problema de la escultura es la organización de la forma y de los planos del espacio.

Rechaza los volúmenes compactos concediendo gran importancia al vacío, a los huecos. Decía que «el espacio es parte integrante de la obra». También concede importancia al movimiento. Practica una escultura abstracta y matemática.

Ej.: Mundo.

Alejandro CALDER (1898-1976). Norteamericano. Creador de la escultura de «móviles”, nombre dado por Duchamp. El movimiento venía dado por un motor, por el mismo aire o por un impulso inicial.

Las obras están confeccionadas con alambres y otros elementos de diversas formas, policromadas. Se encuentran suspendidas y al moverse adoptan formas más variadas.

Ej.: Móvil. (1956). Pez.

Jorge de OTEIZA (1908) Español. Sus progresivas abstracciones tienden al volumen y al espacio encerrado en formas geométricas. Factura muy cuidada, pureza de la forma, calidad de la materia.

Ej.: Fusión de dos políforos.

Pablo SERRANO. (1910). Español. Fluctúa entre lo tradicional (figuración expresionista) y lo vanguardista.

Ej.: Unidades-yunta. (1969).

MARTÍN CHIRINO (1925). Español. Obras a base de bandas de hierro o acero que se revuelven en curvas y contracurvas, espirales.

Ej.: El viento. (1963).

Eusebio SEMPERE (1924). Busca el movimiento.

Eduardo CHILLIDA (1924). Geometrismo. Parece buscar el punto de encuentro entre escultura y arquitectura.

Ej.: Abesti Gogora.



Los postimpresionistas habían intentado desligarse del arte meramente sensorial y transitorio de los impresionistas optando por el antinaturalismo. Este alejamiento de lo natural y, sobre todo, de la función utilitaria de la pintura, que ya no podrá competir en este aspecto con la fotografía y el cine, dirigirá a las artes plásticas a la búsqueda de lo elemental, de la esencia de las cosas más que a simple reproducción.

El arte, durante este período, tiene dos características básicas:

  • El antinaturalismo, que se manifestará de diferentes maneras:

Mediante un intento de ordenación intelectual de la naturaleza como se observa en las obras de Seurat y Cézanne. Pretenden pintar las cosas como son y no como la vemos: por eso, abandonan la visión única implantada por el Renacimiento y tienden a la visión múltiple de los modelos, o mejor dicho, de los elementos geométricos que forman estos modelos. El arte se convertirá a partir de ahora en el creador de un mundo subjetivo no en su representación.

Por un proceso de idealización de la naturaleza mediante un lenguaje plástico altamente simbólico cuyo iniciador fue Gauguin y que se continuará con el fauvismo, donde el color alcanzará una total independencia respecto a la forma>aunque seguirá manteniendo una referencia a ésta.

La aparición de la idea de que la pintura no debe imitar a la naturaleza sino expresar los estados de ánimo del artista, sus sueños, etc. Dentro de esta tendencia estarían el simbolismo, el surrealismo e incluso el expresionismo. Esta visión individualista y subjetiva marcará toda la experiencia artística del siglo XX, tanto si se mantiene en el campo de la figuración como si opta por el abstraccionismo.

  • Independización de las reglas tradicionales de la expresión.

Esta independencia se reflejara en:

  • El tratamiento del color, con el abandono convencional de éste o su casi total eliminación.
  • La ruptura con los métodos tradicionales para representar:
  • El volumen: no utilización del claroscuro.
  • profundidad: eliminación de los puntos de fuga.
  • El espacio: empleo de la visión múltiple en sustitución de la visión única.
  • Abandono, más o menos acusado, de la base sensorial como punto de partida de la actividad artística desde Cézanne que parte de ella para su propia experiencia artística, pasando por el cubismo que crea a partir de ella un mundo objetivo, hasta la abstracción que conseguirá la total independencia de la experiencia sensorial, llevando así hasta sus últimas consecuencias la ruptura con la tradición grecolatina que estaba en el origen del arte occidental.

Esta liberalización de la simple representación iniciada por los impresionistas, impulsará una creciente búsqueda de nuevas fórmulas expresivas, los sucesivos «ismos» que investigando los distintos aspectos de la experiencia artística, no producirán un estilo globalizador a semejanza de épocas anteriores.

Estas características artísticas verán favorecido su desarrollo por los cambios políticos, sociales, económicos, ideológicos, que se producen a nivel mundial. Se genera un arte internacionalista, individualista, aunque a veces se intentan formar grupos relativamente homogéneos de artistas.


El fenómeno pictórico del siglo XX es muy complejo. Se suceden rápidamente las tendencias pictóricas, a veces incluso aparecen varias tendencias de una forma simultánea.

La pintura de forma especial refleja los cambios políticos, sociales, económicos, de esta época.

Diversos factores influyen en el nuevo rumbo que toma la pintura:

  • El desarrollo de los presupuestos pictóricos impresionistas y postimpresionistas.
  • Los progresos de la fotografía que se manifiesta como el mejor medio para representar con total objetividad la realidad.
  • El descubrimiento y divulgación del arte de otras culturas, principalmente el negro y el oceánico.

Los avances y descubrimientos técnicos y científicos, como, por ejemplo, las teorías psicoanalíticas de Freud (especialmente las referentes a las representaciones oníricas) y la teoría de la relatividad de Einstein (demuestra la pérdida de valor real de la geometría tridimensional, base de la representación espacial tradicional). El individualismo, que empuja a cada artista a forjarse su propio estilo, dificulta el análisis del arte contemporáneo por la práctica imposibilidad de clasificar a los artistas en unos grupos concretos y sistematizados.



  • Se desarrolla entre 1888 y 1903.
  • Suele incluirse en este movimiento a los «Nabis» (profetas).
  • Antinaturalismo, carácter fantástico, subjetivismo, decorativismo.
  • Su objetivo era representar, mediante formas y colores simbólicos, el sueño, el misterio, las experiencias místicas o espirituales.
  • Defiende el «arte por el arte» siguiendo el principio enunciado por Maurice DENIS:
  • «Recuérdese que el cuadro antes que un caballo, una mujer, una flor, es esencialmente una superficie plana cubierta de colores dispuestos en un cierto orden».
  • Para ellos el arte era un medio de manifestar la realidad profunda del hombre, por encima de su pensamiento convencional.
  • Precedente inmediato es Gauguin que convirtió al color en símbolo. También recibe influencias de las estampas japonesas.
  • Es un precedente del expresionismo.
  • Odilon REDON (1840-1916).
  • Maurice DENIS (1870-1943).
  • Pierre BONNARD (1867-1947).


El nombre procede del francés «Fauves» (fieras), término empleado por el crítico Louis VAUXCELLES al contemplar, en el Salón de otoño de 1905, una pequeña estatua renacentista que contrastaba con los violentos colores de las pinturas allí expuestas; esto le hizo exclamar: » ¡Donatello chez les fauves!». También recibieron el nombre de “incoherentes» e «invertebrados».

Es el primer movimiento vanguardista del siglo XX: reaccionan contra el modo de pintar entonces vigente.

Iniciado en 1903, alcanza su mayor auge entre 1905 y 1907; a partir de 1909 los componentes del grupo se dispersan siguiendo cada uno diferentes orientaciones pictóricas.

  • Antecedentes: Gauguin y Van Gogh por su cromatismo y el valor que dan al color.

Frente al impresionismo defienden el color y la expresión del mundo interior del pintor.

  • Sus dos principios básicos son:
  • El DIBUJO: a base de grandes líneas de color; a veces utilizan varios colores en el trazado de una misma silueta.
  • El COLOR: es un color vivo, estridente, violento, tonos puros y fuertes; lo emplean de un modo totalmente arbitrario (sin relación con la realidad objetiva); conceden al color un valor subjetivo y emotivo, convierten al color en un vehículo para expresar emociones y sentimientos.
  • Aplican el color a base de manchas planas y anchas. Renuncian al claroscuro y al modelado.
  • Composiciones planas.
  • Consideran al tema como algo secundario: prefieren los paisajes, las naturalezas muertas.
  • Henri MATISSE (1869-1954).

Principal representante del fauvismo.

Gran dibujante y colorista.

Organiza el espacio pictórico a base de planos de colores puros y tintas planas, dando el mismo valor a todos los elementos y zonas, del cuadro. Reemplaza la perspectiva y el sombreado por los contrastes cromáticos.

Valora lo curvo, tendiendo al arabesco.

Da una visión subjetiva de la realidad. Obras:

  • Lujo, calma y voluptuosidad (1904-1905).
  • La alegría de vivir (1905-1906).
  • Retrato de la raya verde (1905).
  • Maurice de VLAMINCK (1876-1958).

Se caracteriza por la intensidad del colorido y los violentos contrastes.

Composiciones exuberantes, llenas de expresividad colorística.

Distorsiona las formas.

Gran paisajista: obtiene un gran efecto de dramatismo.

Al abandonar el fauvismo practica el cubismo. Obras:

  • El puente de Chatou (1904).
  • Calle bajo la nieve en Chandais (1925).
  • Andre DERAIN (1880-1954).

Es el más conservador de los fauvistas.

Destacan sus representaciones de ciudades contempladas desde un punto de vista muy elevado.

Se acerca después al cubismo. Obras:

  • Puente de Westminster (1905).
  • Albert MARQUET (1875-1947).

Destacan los contornos de gran fuerza y expresividad.

Principal paisajista.

Colorido menos brillante y puro.

  • Francisco ITURRINO (1864-1924).

Incorporó la fuerza del color y la libertad poética al realismo español. Es, más bien un precursor del fauvismo.

Temas frecuentes: toros y caballos.

  • Juan de ECHEVARRÍA (1872-1931).

Retratista de los personajes de la generación del 98 y autor de excelentes bodegones y paisajes.

Destaca la riqueza del colorido y las cuidadas pinceladas.


Se desarrolla entre 1905 y 1914, aunque después de 1920 todavía pueden encontrarse pintores expresionistas.

Surge en Dresde (Alemania) pero pronto se internacionaliza.

El nombre procede del crítico H. Walden que lo empleó como opuesto al de Impresionismo. Fue difundido por la revista «Der Sturm» («La tormenta») que lo aplicó a todas las vanguardias surgidas entre 1910 y 1920.

Se encuentra dentro de las llamadas corrientes pictóricas subjetivas, aquellas que se interesan por el contenido de la obra de arte descuidando, o no valorándolos aspectos formales.

Sus raíces más inmediatas se encuentran en Gaugin (el color) y en Van Gogh (el gesto).

Coincidió cronológicamente con el Fauvismo, el Cubismo y el Futurismo.

Los artistas constituyeron dos grupos distintos: «El Puente» y «El Jinete Azul».

El principio básico es que el artista debe expresar en el cuadro su mundo interior. Debe prevalecer el sentimiento frente a la razón.

Frente a la objetividad impresionista aparece el expresionismo como un arte totalmente subjetivo: las cosas son según las siente cada uno.

El dibujo se forma con líneas rotas, figuras y objetos distorsionados, siluetas intensas. Esta deformación de la realidad acentúa la expresividad.

Los colores son violentos, de tonos oscuros, aplicados a base de gruesos e irregulares toques que recuerdan «zarpazos». Su función no es agradar los sentidos sino expresar el mundo interior.

Sus temas poseen una fuerte carga crítica tanto política como social. Quieren expresar los problemas y sentimientos del hombre: miedo, soledad, perversiones, etc.


  • Edward MUNCH (1863-1944).

Dibujo de líneas sinuosas, figuras distorsionadas.

Colores arbitrarios, de tonos puros.

Representa rostros demacrados, de mirada extraviada, que reflejan el miedo a la soledad, la amargura, el dolor, la angustia, etc.

Influyó decisivamente en el movimiento expresionista. Obras:

  • El grito (1893).
  • La danza de la vida (1899).
  • James ENSOR (1860-1949).

Rostros deformes y descompuestos.

Colores alegres y luminosos.

Intención burlesca en sus obras: unas veces enigmáticas, otras irreverentes. Se complace en lo absurdo y brutal para ridiculizar los defectos morales del hombre.

Las máscaras y los esqueletos tienen una gran importancia en su obra. Obras:

  • Entrada de Cristo en Bruselas (1888).
  • Baile de máscaras (1897).
  • La muerte y las máscaras (1897).
  • El Puente («Die Brücke»).

Surge en 1905 en Dresde como puente de unión entre todos los elementos artísticos revolucionarios.

Exageran las formas y los contornos.

Emplean colores puros, tonos oscuros, contrastes cromáticos. Es considerado por algunos críticos como una especie de «fauvismo germánico», incluso a veces más extremista que el francés.

Practica un arte subjetivo; sus obras resultan tensas, emotivas, visionarias. Ahondan bajo la superficie de una sociedad que consideran hipócrita y quieren transmitir las preocupaciones políticas, sociales y éticas existentes en la Alemania prebélica.

  • Ernest Ludwig KIRCHNER (1880-1938).

Dibujo: formas angulosas, goticistas.

Color: estridente, especialmente al principio.

Pintura dura, expresión de la soledad y amargura de los hombres de su época.

Crea un tipo femenino desgarrado; resaltan también sus escenas callejeras.

  • Emil NOLDE (1867-1956).

Dibujo: muy simplificado; distorsiona y deforma los rostros (parecen máscaras) y los objetos.

Color: intensos, chillones, bruscamente yuxtapuestos. Evocan las fuerzas del instinto y del espíritu.

Temas: religiosos (tratados con irreverencia) y de la naturaleza.

Su pintura resulta violenta y tumultuosa, manifestación de su personalidad mística y atormentada. Obras:

  • Sol tropical (1914).
  • Tríptico de Santa María Egipciaca.
  • Oscar KOKOSCHKA (1886-1980).

Dibujo: figuras retorcidas y nerviosas; siluetas de gruesos trazos negros.

Color: triste, aplicado directamente con el tubo o con la espátula, dando como resultado superficies de arremolinadas manchas de color.

Temas: retratos de personajes de psicología complicada, vistas de ciudades. Obras:

  • La novia del viento (1914).
  • Paganos (1918).
  • El Jinete Azul («Der Blaue Reiter»).

Se desarrolla entre 1911 y 1914.

El nombre procede de un almanaque del mismo título en el que se reprodujeron por primera vez unas obras del grupo en honor de Kandinsky (al que le gustaba pintar caballos) y de Marc (el azul era su color preferido).

Se opusieron al cubismo, rechazando el fondo racionalista del mismo.

Mientras que «El Puente» critica la sociedad, «El Jinete Azul» la idealiza exaltan do sus valores espirituales.

A este grupo se deben dos aportaciones fundamentales:

  • Dieron consistencia teórica al movimiento expresionista.
  • Hicieron evolucionar la pintura desde el soporte figurativo a la abstracción.
  • Vasil KANDISKY (1866-1944).

Perteneció a la Bauhaus.

Evolucionó mucho, siendo uno de los creadores del arte abstracto. Llegó a basar sus composiciones en el trazado de líneas, ángulos, cuadrados y círculos coloreados con pinturas planas.

Dibujo de formas geométricas y planas. Gran colorista. Forma y color son los instrumentos de que se vale para hacer visible su mundo interior. Obras:

  • Con el arco negro (1912).
  • Improvisación IV.
  • Paul KLEE (1879-1940).

Perteneció a La Bauhaus.

Evolucionó hacia la abstracción.

Distribuye con armonía y delicadeza las líneas, los colores, las formas.

Practicó la abstracción, pero también el arte figurativo de formas más o menos abstractas.

Difícil de clasificar ya que unas veces es abstracto y otras expresionista o su realista.

Sus caligrafías «infantiles» guardan cierta relación con la pintura de Miró. Obras:

  • Ad Parnassum (1932).
  • Senecio (1922).
  • Franz MARC (1880-1916).

Es el más figurativo del grupo, aunque también llega a la abstracción en algunas obras.

Su estilo puede ser definido por el esquematismo y la arbitrariedad del color (rojos, amarillos, azules), al que otorga un valor simbólico. Obras:

  • Caballo rojo y azul (1912).
  • Georges ROUAULT (1871-1958).

Alterna el expresionismo con el fauvismo.

Dibujo: contornos de líneas gruesas muy marcadas a base de negro que recuerdan los planos de las vidrieras góticas.

Colores: tonos fuertes y planos, opuestos entre sí.

Temática religiosa debido a su ferviente cristianismo. Algún crítico ha dicho de él que es el mayor pintor religioso después de Rembrandt. Obras:

  • Jesús entre los doctores (1894).
  • Los clowns (1917).

El Expresionismo en España e Hispanoamérica.

  • Isidro NONELL (1873-1911).

Hábil dibujante.

Dota al color, a la atmósfera y la pincelada de un valor expresivo profundo, intimista y dramático.

Representa la miseria y la angustia de la gente pobre en los barrios bajos de Barcelona.

  • Ramón CASAS (1866-1932).

Emplea un colorido claro y es menos patético que Nonell.

  • José GUTIÉRREZ: (1886-1945).

Dibujo a base de trazos gruesos.

Color: tenebroso, gamas terrosas.

Pintura pesimista que llega a lo tétrico. Pinta la «España Negra» de los desheredados, los mendigos y marginados. Gusto por lo feo, lo amargo, lo doloroso y desagradable. Obras:

  • Las chicas de la Claudia.
  • Ignacio ZULOAGA (1870-1945).

Estilo enérgico y fuerte.

Influenciado por Solana, ejecuta una pintura costumbrista áspera, aunque menos dura que la de aquel.

Reproduce tipos duros y tierras secas; visiones fantasmales de castillos ruinosos, pueblos desolados.

Algunos críticos le consideran dentro del fauvismo.

  • Rafael ZABALETA (1907-1960).

Combina el cubismo y el expresionismo con lo popular.

  • Benjamín PALENCIA (1902-

Pintor de la sobriedad y sencillez de los campos de Castilla.

Fundó la «Escuela de Vallecas».

  • José Clemente OROZCO (1883-1949). Mejicano.

Se inspira en el folklore y en el arte azteca.

Su realismo se mezcla con lo simbólico y visionario. Obras:

  • Frescos del castillo de Chapultepec, Méjico.
  • Diego RIVERA (1886-1957).

Mantuvo contactos con el cubismo.

Temas preferidos: los relativos a la revolución mejicana y los populares. Obras.

  • La civilización zapoteca. Frescos del Palacio Nacional. Méjico.



Se desarrolla entre 1908 y 1914 aunque permanecerá latente en todos los movimientos posteriores.

El nombre fue puesto por el crítico Louis de Vauxcelles al comentar unos cuadros de Braque expuestos en el «XXV Salón de los Independientes» y afirmar que estaban compuestos por «pequeñas masas cúbicas». Según algunos historiadores, el primero en hablar de «cubos» para referirse a Braque fue Matisse; el crítico lo oyó y lo empleó en su escrito.

Las primeras manifestaciones cubistas se producen en París en 1907: Picasso pinta el cuadro “Las Señoritas de Avignon” (en realidad debería llamarse de «Avignó», nombre de una calle de Barcelona), y Braque realiza una serie de paisajes basados en el espíritu constructivo de Cézanne. Son los dos creadores de la estética cubista.


Cezanne con su espíritu constructivo, sus intentos de reordenar los elementos de la realidad v su principio de que la naturaleza debe ser considerada por las formas geométricas puras que la forman.

La valoración en los ambientes artísticos del arte de las culturas primitivas, especialmente del arte africano, con su tratamiento de las figuras a base de planos angulares.

El neoimpresionismo o puntillismo con su tendencia a la estructuración geométrica del cuadro.


El cubismo fue una reacción plástica contra el fauvismo: el cubismo no pretende retornar al realismo pero si restablecer el volumen en la figura.

Es un arte intelectual. Se publicaron numerosos tratados teóricos sobre el mismo.

Apollinaire principal teórico del cubismo, decía que «el cubismo pretende pintar conjuntos nuevos con elementos tomados no de la realidad de la visión, sino de la realidad del conocimiento». El cubismo intelectualiza la realidad representando no al objeto captado visualmente sino como es aprehendido por el entendimiento. Para el cubismo la realidad es concebida como constituida por cuerpos geométricos puros: pretende ver en la realidad el reflejo de los volúmenes fundamentales de la geometría del espacio.

Representa la ruptura total con la pintura tradicional

Desaparece la perspectiva tradicional.

Utiliza colores apagados: grises, pardos, verdes suaves, amarillos, blancos. No son reales por su excesiva neutralidad. Gaya Nuño dice: «Todos los pintores cubistas pusieron su paleta a pan y agua». Eugenio D’Ors afirma: «Después del carnaval impresionista se impone la cuaresma cubista».

Tratan de dar una visión de los objetos desde diversos puntos de vista: de ahí que junten la visión de perfil y la de frente de un rostro. Esta síntesis de visiones corresponde al espacio-tiempo, es decir, al afán de estabilizar el volumen en un tiempo determinado.

La suma de varios ángulos visuales se efectúa sincrónicamente en el cuadro, cuando en la naturaleza esto no es posible: «Debe darse la vuelta en torno al objeto para tomar varias apariencias sucesivas que, fundidas en una sola imagen, le reconstituyan».

Se sirven de los engaños ópticos, es decir, de la relatividad de las formas, ya que al yuxtaponerse se afectan mutuamente, resultando diferentes. Así, una elipse dentro de un polígono parece una circunferencia. Las formas de los cubistas adquieren su verdadero valor en función de las colindantes. Algo similar habían hecho los impresionistas con el color.

Descomponen los cuerpos en formas geométricas y después las recomponen.

Para el pintor cubista el tema, propiamente dicho, carece de importancia: lo que le interesa es la composición de las formas. Introducen la técnica de los «collages»: se incorporan a los cuadros todo tipo de materiales (papel de periódicos, trozos de revistas, telas, etc.) para lograr un efecto más llamativo.

Algunos críticos consideran al cubismo como la mayor revolución plástica intentada desde el Renacimiento.

Cubismo analítico

Se desarrolla entre 1908 y 1911. El artista lleva a cabo un análisis intelectual del objeto descomponiéndolo en figuras geométricas y recomponiéndolo posteriormente asociando las distintas partes con entera libertad tal y como las recuerda.

Prescinden del punto de fuga único, característico de la perspectiva del Renacimiento, y utilizan tantos puntos de fuga como sea preciso para abarcar la visión total del objeto.

El resultado es la representación de objetos constituidos por una serie de formas geométricas diferentes y complementarias, fragmentadas por una serie de líneas y planos.

Pretende dar con ello una visión global del objeto, aunando todos los puntos de vista desde los que se puede contemplar el objeto.

Esta descomposición del objeto puede dar una visión tan complicada del mismo que algunos críticos le llaman CUBISMO HERMÉTICO.

Utiliza unos colores apagados (marrones, ocres, grises); tiende a la monocromía

Cubismo sintético

Se desarrolla entre 1912 y 1914. El hermetismo en que había desembocado el cubismo analítico provoca una intensa reacción y se intenta recuperar la objetividad perdida haciendo reconocible el tema representado.

El artista selecciona los puntos de vista más esenciales del objeto y procede a hacer una síntesis de los mismos, de manera que el tema se haga reconocible.

Guy Habasque llama al cubismo sintético cubismo EIDÉTICO para expresar que lo que se pretende es representar sólo lo «esencial» del objeto.

Introduce la técnica del «papiers-collages» para conseguir determinados efectos estéticos al mismo tiempo que se recobran fragmentos de la realidad, que caracterizan esencialmente al objeto.

El collage contribuye también a dar un relieve de carácter escultórico a la pintura.


  • Pablo Ruiz PICASSO (1881-1973) Málaga.

1891. La familia se establece en La Coruña. Picasso empieza a pintar.

1895. Nuevo traslado a Barcelona. Ingresa en la Escuela de Bellas Artes (hizo en un sólo día el tema del examen de admisión, trabajo para el que disponía de un mes). Demuestra un gran dominio del dibujo y del color.

1896. Instala en Barcelona su primer taller.

1897. Consigue entrar en la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid.

1900. Primer viaje a París. Entra en contacto con los impresionistas y postimpresionistas. Realiza escenas de cabaret y callejeras con sentido crítico; líneas sinuosas y onduladas; colores de tonos agrios.

1901-1906. Época del Expresionismo social.

Alterna sus estancias en París, Barcelona y Madrid. En 1904 se establece definitivamente en París. Allí reúne en su casa del «Bateau Lavoir» a toda la vanguardia parisina.

Toma conciencia de que la pintura debe expresar, no imitar, y de que el color debe ser vehículo fundamental para la expresión.

  • Época Azul

Color dominante el azul.

Pintura triste, reflejo de su visión pesimista de la vida: atmósfera de tristeza y dolor en un clima desolado.

Figuras estilizadas, delgadas, famélicas, pálidas; representa una humanidad dolorida: mendigos, niños y mujeres abandonados, artistas de circo ambulantes.

Especial interés por el tratamiento de las manos. Obras:

  • La tragedia (19031).
  • La planchadora (1904).
  • Maternidad (1903).
  • Época Rosa (1905-1906).

Combina el rosa con los tonos azulados.

Pierde fuerza el pesimismo anterior.

Figuras más llenas y modeladas.

  • Temas del circo.

Toma contacto con poetas como Apollinaire y Gertrude Stein. Obra:

  • Familia de saltimbanquis.
  • Época Negra o Protocubista 1907.

Influencia de Cézanne y de la escultura negra.

Se interesa por la representación de las formas en el espacio sin referencias de perspectiva.

Estilo denso y macizo. Obra:

  • Las Señoritas de Avignon (1907).
  • Época cubista 1908-1916

Junto con su amigo Braque imponen los principios del nuevo movimiento.

Evoluciona del cubismo analítico al sintético.

A partir de 1912 introduce los collages. Obras:

  • La mujer del abanico (1908).
  • Los paisajes de Horta del Ebro (1909).
  • Botella de Pernaud (1912).
  • Ma jolie (1914).
  • Época del cubismo Neoclasicista 1917-1924.

Representa, bajo un aspecto cubista, formas sugeridas por el arte greco-romano renacentista.

Figuras femeninas de aspecto escultórico y formas monumentales, modeladas de una manera muy clásica. Obra:

  • Las tres bailarinas.
  • Época de las «Metamorfosis» 1925-1934.

Personajes violentamente deformados, formas retorcidas. Color hueso sobre fondo azul.

Guarda una cierta relación con lo surrealista, aunque nunca llega a pertenecer totalmente a este movimiento.

Realiza una serie de metamorfosis en las que intenta representar ciertos síntomas de la nueva sociedad: la aparición de los fascismos, el consumismo desatado el totalitarismo comunistas.

Las figuras se deforman y la pintura se convierte en signos, en metáfora de la realidad. Obra:

  • Mujer sentada al borde del mar 1934.
  • Tauromaquias

En ellas se refleja el dramatismo que subyace en el fondo de la humanidad.

Incorpora el caballo blanco, símbolo de la inocencia y víctima indirecta de las tragedias.

  • Período expresionista 1936-1950.

Figuras angulosas y deformadas.

Representa el horror que sólo queda compensado con la dulzura que emana de los rostros de los niños.

También se interesa por los temas mitológicos, especialmente el minotauro. Obras:

  • El Guernica (1937).
  • La mujer que llora.
  • Cráneo de buey (1942).
  • Homenaje a Julio González.
  • Período ecléctico 1950-1973.

Mezcla todos los estilos dando primacía al cubismo.

Realiza recreaciones de cuadros clásicos bajo el punto de vista cubista.

Visión optimista de la vida.

Realiza también trabajos de cerámica, escultura, grabados.

  • Las Meninas.

1973. Muere en Mougins (Cannes) el día 8 de Abril.

Es un auténtico símbolo de nuestra época: refleja los miedos, las angustias, supersticiones y mitos del hombre del siglo XX.

Profesó un auténtico y profundo humanismo, comprometiéndose con los problemas de los hombres de su época.

Nunca se sintió vinculado a una estética determinada: toda su vida actuó con total libertad, permaneciendo en una continua búsqueda de fórmulas nuevas. Participó en todas las tendencias, pero interpretadas por su gran personalidad.

Esto dificulta la clasificación y sistematización de su obra

  • Georges BRAQUE (1882-1963)

Junto con Picasso, fue el creador de la estética cubista.

Se diferencia de Picasso en que prescinde casi siempre de la figura humana y se dedica a la naturaleza inerte: botellas de vino y cerveza, guitarras, dados y naipes, periódicos y cartas.

Sus temas básicos fueron los bodegones y los interiores de habitaciones a los que proporciona una auténtica intimidad.

Contribuyó decisivamente al uso y difusión de los collages.

Aunque siempre fue fiel al cubismo, a partir de 1945 evolucionó hacia una mayor claridad y sencillez, dando a los objetos representados un valor cada vez más destacado. Obras:

  • Paisajes de L’Estaque (1908).
  • El portugués (1911).
  • Composición con as de trébol (1912).
  • Juan GRIS (1887-1927).

Nombre verdadero: José Victoriano González.

Practicó un cubismo sintético, rechazando los hermetismos anteriores.

Se interesó por la estructura de las obras con independencia de la visión de los objetos que las componen.

Valora el cromatismo y la simplificación formal.

Se interesó por el espacio interior.

Ha sido denominado el «Zurbarán del cubismo» por el ascetismo de su pintura. Obras:

  • Tablero de ajedrez. Guitarra, vaso y frutero (1918).
  • Amadeo MODIGLIANI (1884-1920).

Influido por Cézanne y por el arte negro se acerca al cubismo pero sin pertenecer realmente a este movimiento.

Figuras de estilización total. Obras:

  • Joven pelirroja con collar (1918).
  • María GUTIÉRREZ BLANCHARD (1881-1932).

Practica un cubismo figurativo.

Su pintura se caracteriza por la melancolía y la ternura. Obras:

  • La convaleciente.
  • Daniel VÁZQUEZ DÍAZ (1882-1969).

No es estrictamente cubista pero manifiesta en sus obras interés por la construcción arquitectónica de la pintura.

Terminó practicando una pintura tradicional y académica.

Gran dibujante.

Autor de grandes murales.

  • Francisco GUTIÉRREZ COSSÍO (1898-1970).

Geometriza las representaciones: retratos, bodegones, marinas.

Movimientos derivados del Cubismo.

Preocupación por las formas geométricas simples.

Intenta asociar el arte con los objetos industriales, mecanizados: sus formas parecen «mecanos».

Marca los contornos de las figuras con fuertes trazos negros.

  • Fernand LÉGER (1881-1955).
  • Los albañiles (1950).


Término ideado por Apollinaire. Coincide con el cubismo pero incluye el colorido en sus composiciones y concede gran importancia a la luz.

  • Robert DELAUNAY (1885-1941).

Junto con Kandinsky llegará a ser el pionero de la pintura abstracta.

  • Formas circulares (1912).

Sección D’Or o grupo de Puteaux. Estudian la relación entre líneas y colores mediante medidas armónicas constantes.

  • Marcel DUCHAMP (1887-1968).
  • Desnudo bajando la escalera.


Se extiende entre 1910 y 1915. Surgió y se desarrolló casi exclusivamente en Italia. No alcanzó la difusión internacional de los otros movimientos.

MARINETTI, poeta italiano, publicó en «Le Figaro» el manifiesto del movimiento futurista: exaltaba la belleza de la velocidad y de la máquina como nuevos valores de la civilización y símbolos de la sociedad industrial: un automóvil corriendo es más bello que la Victoria de Samotracia.

Hace una crítica del arte tradicional.

Propugna la quema de bibliotecas, museos, centros de cultura.

Defiende la guerra, la violencia, el militarismo, el antifeminismo.

A las tesis de MARINETTI se adhirieron en 1910, publicando otro manifiesto, un grupo de artistas dirigido por Boccioni.

La actitud provocadora de los futuristas fue un anticipo de la que adoptarán otros movimientos como el Dadaísmo y el Surrealismo.

El movimiento futurista tuvo un contenido político de carácter fascista, asociándose y sirviendo de propaganda al fascismo italiano.

Objetivo principal: representar la velocidad y el dinamismo en cuanto exponentes de la nueva sociedad industrial.

Intenta plasmar el movimiento mediante el color y la multiplicación de las posiciones de un mismo objeto, dando como resultado una serie de imágenes sucesivas vistas simultáneamente.

Desde el punto de vista técnico no aportó nada nuevo: los artistas no supieron encontrar la técnica adecuada para llevar a la práctica sus teorías.

Los críticos lo consideran como una especie de «cubismo dinámico».

  • Umberto BOCCIONI (1882-1916).

Teórico del movimiento futurista.

Terminó orientándose hacia la abstracción geométrica.

También fue escultor.

Mezcla la técnica puntillista con el uso del color de los expresionistas, mientras que la relación entre figura y espacio es plenamente cubista.

  • Visiones simultáneas (1911).
  • Giacomo BALLA (1871-1958).

Fue el más original de todos ellos.

Pasó sucesivamente por el realismo, divisionismo y cubismo.

Su forma de captar el movimiento le fue sugerida por el cine: plasma las sucesivas posiciones de las piernas y de los brazos al caminar.

Derivó hacia la abstracción geométrica.

Compenetración iridiscente

  • Paso de Mercurio ante el Sol.(1912-1914).
  • Muchacha corriendo por una galería (1912).
  • Dinamismo de un perro con correa (1912).
  • Gino SEVERINI (1883-1966).

Pintura alegre, brillante, de rico colorido.

Mediante la utilización de líneas curvas deriva hacia la abstracción total.

  • Danzarina azul.
  • Carlo CARPA (1881-1966).

Escribe un manifiesto: «La pintura de los sonidos, los ruidos y los olores”, defendiendo la integración de las diversas artes.

Anticipa el dadaísmo y la pintura metafísica.

  • Los funerales del anarquista Galli (1911).
  • Simultaneidad.


Se desarrolla durante los primeros años del siglo XX.

El término francés «naif” significa ingenuo, infantil.

Es una reacción contra el arte intelectual, conceptual y simbólico.

Representa figuras de aspecto irreal en un espacio bidimensional.

Su sencillez hizo que fuera muy bien aceptado por el gran público.

  • Henri ROUSSEAU (1884-1910).

Francés; llamado el «aduanero» en relación con su auténtica profesión.

Es el iniciador del movimiento «naif”.

Los temas, el color, la luz, dan a sus cuadros una atmósfera de magia y misterio.

  • Guerra (1894).
  • La gitana dormida (1897).
  • El sueño de Yadwigha (1910).


Comprende el período entre 1910 y 1915. Surge como reacción contra el dinamismo futurista. Giorgio de Chirico decía que su arte era más complejo y metafísico que el de sus coetáneos.

Persigue la inmovilidad; defiende la vuelta a la serenidad clásica y a la figuración.

Coloca las figuras en perspectivas bien construidas, en un ambiente de soledad y misterio.

Las figuras son tan esquemáticas, despersonalizadas, tan parecidas a máquinas, que semejan imágenes oníricas y fantásticas, próximas al surrealismo.

  • Giorgio de CHIRICO (1888-1979).

Greco-latino. Pretende dar una visión irreal utilizando ambientes gélidos y mezclando elementos reales e irreales.

Representa «interiores metafísicos”: especie de habitaciones cerradas, con luz espectral y con elementos derivados de la civilización, por medio de los cuales quiere simbolizar el laberinto interior del hombre moderno.

  • El enigma del oráculo.
  • Lucha de lapitas y centauros. (1909).
  • Juguetes de príncipe. (1914).
  • Las musas inquietantes. (1917).



Los movimientos pictóricos surgidos entre las dos guerras mundiales pueden ser considerados como consecuencia del desarrollo de las experiencias pictóricas anteriores. La Segunda Guerra Mundial puso fin a las llamadas «vanguardias históricas».

A partir de los años 50 las corrientes innovadoras se multiplican buscando los artistas nuevas formas y modos de expresión.


Surge en Zurich entre 1916 y 1921. Allí se reunieron un grupo de artistas, dirigidos por el poeta Tristán TZARA, con el objetivo de desmitificar y ridiculizar todos los valores de la cultura.

La palabra no tiene ningún significado artístico determinado. Dadá es una palabra con la que los niños designan a sus «caballitos». Fue elegida abriendo al azar un diccionario.

No es propiamente un estilo artístico sino una actitud de oposición a la sociedad y a las artes vigentes.

Sus seguidores defendían la irracionalidad, la rebeldía: se sublevan contra el arte, la moral y la sociedad vigentes.

Consideran que el arte se había convertido en un artículo de lujo al servicio de la burguesía: por eso adoptan formas destructivas, un humor crítico con el que pretenden escandalizar e irritar a la burguesía.

Defienden el «antiarte» del absurdo: según ellos la pintura no hay que comprenderla.

Utilizan el «collage», empleando toda clase de materiales de desecho (trapos viejos, papeles sucios, clavos roñosos, ruedas viejas de bicicleta) y el fotomontaje.

Influirá en el surrealismo.

Diversos factores influyen en su aparición:

  1. Los horrores y consecuencias de la guerra.
  2. El desencanto personal de unos pintores escasamente considerados.
  3. Su deseo de llevar a la pintura la destrucción que asolaba a Europa.
  • Marcel DUCHAMP (1887-1968).

Había militado anteriormente en las filas de la Section D’Or pero por influencia de su amigo Picabia se inicia en el dadaísmo.

Introdujo el dadaísmo en Nueva York.

Crea los «ready-made»: objetos manufacturados de uso común, desechados, a los que añadía o quitaba algún elemento para convertirlos en objetos artísticos.

Introdujo el movimiento real iniciando el llamado “arte cinético».

Ridiculiza el arte clásico, llegando al extremo de hacer una versión de la Gioconda con bigotes.

  • Desnudo bajando la escalera (1912).
  • Rueda de bicicleta. (1916).
  • Fuente (un urinario) (1917).
  • Max ERNST (1881-1976).

Practicó la técnica del «Frottage”: frotando con lápiz en hojas de papel aparecen huellas que, una vez completadas, sugieren obras misteriosas, pobladas de animales extraños y fantásticas vegetaciones.

Tiene también una vertiente surrealista.

En colaboración con ARP realiza una serie de collages denominados FATAGAGAS.

  • Hans ARP (1887-1966).

Combina su carácter de escultor con el de pintor de collages y de composiciones muy simples.

  • Francis PICABIA (1879-1953).

Origen hispano-cubano.

Ligado al cubismo órfico pasa al dadaísmo y, a través de él, al surrealismo.

  • Udine (1913).
  • El niño carburador.



Desarrollado entre 1925 y 1945.

La palabra fue empleada por primera vez por Apollinaire en 1917 para referirse a un movimiento relacionado con la pintura Dadá y que a veces también recibe el nombre de Suprarrealismo o Sobrerrealismo.

En 1924 André BRETON publicó el primer manifiesto surrealista en el que defendía el automatismo psíquico puro como medio para poder expresar, por escrito, verbalmente o de cualquier otra forma, el funcionamiento real del pensamiento, en ausencia de todo control ejercido por la razón, fuera de toda preocupación estética o moral

En 1925 se celebra la primera exposición de pintura surrealista en la Galería Pierre de París.

El inicio de la Segunda Guerra Mundial supuso el fin del movimiento surrealista como tal, aunque sobrevive hasta hoy como tendencia.

Antecedentes inmediatos: la pintura metafísica y el dadaísmo. De, éste heredó la actitud irracionalista, el gusto por el escándalo, los gestos teatrales y el espíritu de rebeldía social.

Su objetivo es distinto al del dadaísmo: tender un puente entre arte y sociedad, dar solución a los problemas planteados por la Primera Guerra Mundial para que el arte refleje mejor al hombre moderno en su totalidad.

Está muy relacionado con la obra de Freud, especialmente con los estudios realizados por éste acerca de los sueños.

Persigue la representación de la realidad del mundo del subconsciente: conceden a la realidad contemplada en estado subconsciente más valor y veracidad que a la percibida en estado de vigilia.

Automatismo en la ejecución: movimiento libre e incontrolado de la mano y del pincel para poder escapar al control de la razón.

Este automatismo se aplicaba tanto a la pintura como a la escritura y se combinaba con otros juegos como el del «cadáver exquisito», en el que cada uno de los participantes debía escribir una palabra sin conocer la palabra anterior a la posterior. El juego se bautizó así porque la primera frase que se escribió fue: «El cadáver exquisito beberá vino blanco».

A pesar de esta búsqueda del automatismo los pintores surrealistas presentan una cierta cohesión de escuela en los recursos que utilizan: animación de lo inanimado, metamorfosis, aislamiento de fragmentos anatómicos, máquinas fantásticas, confrontación de cosas incongruentes, perspectivas vacías, todo rodeado de una atmósfera espectral y gélida.

En la pintura surrealista predominasen generales dibujo sobre el color.

Los temas están basados en el mundo de los ensueños, en las pesadillas y obsesiones mentales.

Surrealismo figurativo

Tendencia objetiva, naturalista: los objetos, a pesar de ser combinados de forma ilógica, son reconocibles.

Emplean un lenguaje figurativo y una perspectiva ortodoxa.

Los objetos se transforma al variarse sus proporciones respecto al ambiente en que se sitúan y se crean conjuntos de objetos dispares en un contexto ambiental que únicamente se da en la mente.

  • Salvador DALÍ (1904-1989).

A partir de 1929 se instala en París identificándose con la pintura surrealista, con el surrealismo figurativo.

Excelente dibujante; técnica minuciosa, muy elaborada, descriptiva y con gran dominio de la perspectiva; realismo casi fotográfico.

Considera que para comunicar las visiones oníricas al espectador, y que resulten inteligibles, hay que manifestarlas con la máxima cantidad de medios pictóricos y tan explícitamente como sea posible.

Asocia distintos elementos en el cuadro de un modo insólito: resultan escenas extrañas y alucinantes.

Es un mundo de fantasía, onírico, con marcada inclinación a lo sexual y erótico.

En algunas obras la distorsión y el alargamiento de las figuras alcanzan efectos de gran dramatismo.

Dice que su actividad es paranoico-crítica: para algunos críticos es una actitud simplemente publicitaria.

Colorido brillante y luminoso.

Su mejor etapa surrealista es la que se extiende hasta 1936; a partir de es té año comercializa su pintura.

  • Seis apariciones de Lenin sobre un piano.
  • La persistencia de la memoria (1931).
  • El nacimiento de los deseos líquidos (1932).
  • Las tentaciones de San Antonio.
  • Max ERNST (1891-1976).

Dadaísta que se acerca al surrealismo tanto figurativo como abstracto.

Recuerdo del dadaísmo son la sátira amarga y la crítica social.

Investiga nuevas técnicas: el «frottage”: colocar debajo del lienzo un objeto áspero y frotar con un carboncillo o pincel y el «dripping”: aprovechar las formas surgidas al azar sobre el lienzo al caer sobre él la pintura contenida en un recipiente agujereado.

Sigue practicando el collage.

  • Napoleón en el desierto.
  • El manto de la novia.
  • El elefante de las célebes (1921).
  • La mujer de las cien cabezas. (1929).
  • Oscar DOMÍNGUEZ (1906-1957).

Difusor del surrealismo figurativo aunque poco a poco se acerca al cubismo.

  • La máquina de coser electrosexual (1935).
  • Drago (1933).
  • René MAGRITE (1898-1967).

Dota a los objetos representados de propiedades que por su propia naturaleza no les corresponden: piedras ardiendo, cuerpos fragmentados.

Combina lo insólito y lo cotidiano, lo erótico y lo macabro: resultan obras intrigantes. Manías de grandeza.

  • El imperio de la luz.
  • El falso espejo. (1928).
  • La tumba de los luchadores (1960).
  • Paul DELVAUX (1897)

Especializado en representaciones nocturnas, de escenografías delirantes y atmósferas de ensueño, con sonámbulos inquietantes y figuras femeninas de carácter erótico y como hipnotizadas.

Su técnica se aproxima a la tradición realista tanto en el dibujo como en la forma.

  • Alba (1937).
  • La ciudad dormida.
  • Surrealismo abstracto.

Tendencia antiobjetiva

Las representaciones, de carácter abstracto, recuerdan formas orgánicas combinadas sin lógica aparente.

  • Joan MIRÓ (1893-1984).

En sus inicios estuvo influenciado por Cézanne, Van Gogh y el fauvismo, pero a partir de 1925 practica un surrealismo que deriva cada vez más hacia la abstracción.

Desde sus comienzos se plantea el problema de la liberación del hombre a través del arte.

Su pintura es aparentemente ingenua, de aspecto infantil, pero está muy elaborada técnicamente.

Composiciones de gran colorido: tonos puros (amarillo, azul, rojo), armonías cromáticas.

Lo desrealiza todo: ha inventado numerosos signos y símbolos que sustituyen a los objetos y constituyen un auténtico lenguaje jeroglífico en el que cada signo adquieren sentido por su relación con los demás.

No plasma ni el volumen ni la perspectiva.

También practicó la cerámica.

  • El oro del azul del cielo.
  • La corrida de toros.
  • La alquería (1921-1922).
  • El carnaval del arlequín (1924-1925).
  • Interior holandés.
  • Decoración cerámica. Edificio de la UNESCO. París.
  • Ives TANGUY (1900-1955).

Se dedica a la pintura por influencia de Giorgio de Chirico y en 1925 se adhiere al movimiento surrealista.

Mezcla las dos visiones del mundo: la surrealista y la metafísica.

Paisajes poblados de seres de ambigua naturaleza, bien vegetal, bien animal, o tal vez producto de las alucinaciones.

  • El tiempo amueblado.
  • March CHAGALL (1887-1985).

Su estilo es difícilmente clasificable: es una síntesis del arte folklórico ruso, del colorido fauvistas y de la geometrización cubista.

Es al mismo tiempo fantasiosa, simbolista y expresionista por la intensidad con la que trata el problema humano.

Cuadros de escenas visionarias en las que no se tienen en cuenta las leyes de la gravedad ni de la verosimilitud, ni la lógica asociativo (gato con cara humana, figuras al revés).

Gran colorista.

  • A mi mujer.
  • París visto desde una ventana.
  • Autorretrato con siete dedos (1912-1913).


Recibe el nombre de pintura abstracta aquella obra pictórica que no hace referencia a ningún ser o forma conocida de la naturaleza, es decir, la que no es figurativa. No se consideran como figuras estrictamente dichas las formas geométricas. El pintor abstracto prescinde del objeto incluso como pretexto para pintar. La pintura abstracta no tiene en cuenta ninguno de los postulados de la pintura clásica como el modelado, la perspectiva, la ordenación del espacio pictórico, etc.

Su principal objetivo reside en la adecuada distribución v armonía de los colores y de las formas n la realidad visual.

La abstracción es la tendencia más opuesta al realismo: desaparece en la obra artística el tema; en lo representado no hay alusión a la naturaleza o a la figura humana.

Ya desde inicios del siglo XX el objeto había sido sometido a todo tipo de experimentos:

  • El fauvismo lo redujo al color.
  • El cubismo lo geometrizó.
  • El expresionismo no dudo en distorsionarlo.
  • El futurismo lo hizo vibrar dinámicamente.
  • El surrealismo lo soñó.
  • El arte abstracto culmina este proceso procediendo a su eliminación definitiva.

La abstracción tiene presente el postulado del pintor «nabi» Maurice Denis: «Recordad que un cuadro antes que un caballo, una mujer, una flor, es esencialmente una superficie plana cubierta de colores dispuestos en un cierto orden».

Abstracción geométrico

Se inicia durante la segunda década del siglo XX. Reduce el contenido del cuadro a puras composiciones geométricas de líneas y colores planos.

Existen diversas tendencias dentro de la abstracción geométrico pero todas tienen unos caracteres comunes:

Empleo de formas geométricas con predominio de la línea recta.

Ausencia de toda referencia a las imágenes de la naturaleza. El arte no debe ser «representación» sino «construcción».

Sometimiento a unas normas estrictas de procedimiento.

Utilización de colores puros y claros.

Basado en el cubismo y en la obra de Robert Delaunay, miembro fundador de la Section D’Or.

Recibe generalmente el nombre de Constructivismo y ha evolucionado de una manera progresiva e ininterrumpida hasta el momento actual.


Surge en Holanda hacia 1917. También es conocido como movimiento «Der Stijl” (El Estilo), nombre de la revista que lo promocionó.

Está relacionado con el cubismo, al que se considera como inmediato precedente, pero se distingue del mismo por negar el volumen.

Defiende la abstracción geométrico y la simplificación. Su objetivo es armonizar el espaciosa forma y el color.

Emplea formas geométricas ortogonales a base de horizontales y verticales.

Colores: los tres primarios (amarillo, rojo, azul) y los no-colores (blanco, negro, gris), valorando cada color mediante la separación por líneas negras, por el tamaño de la superficie coloreada y por la intensidad del tono.

Las superficies coloreadas se distribuyen y yuxtaponen hasta formar una organización y significación plásticas consideradas como «arte puro».

La influencia del neoplasticismo se dejó sentir en la arquitectura, en el urbanismo, en el diseño.

El punto de partida en el neoplasticismo es el espacio que al estructurarlo hace surgir la forma.

  • Piet MONDRIAN (1872-1944).
  • Composición
  • Tableau II.
  • Theo Van DOESBURG (1883-1931).


Creado por Malevitch, en Rusia, hacia 1913 y dado a conocer en 1915.

Es considerado como una rama del Constructivismo.

El nombre se lo dio Malevitch al preconizar la supremacía de la sensibilidad o percepción pura.

Pretende armonizar las formas geométricas totalmente simples (el cuadrado, el círculo, el triángulo) de colores puros y situadas sobre un fondo plano.

Se diferencia del Neoplasticismo en que mientras que éste crea la forma de estructurar el espacio por medio del colores suprematismo estructura el espacio a través de la forma.

Influyó en la Bauhaus.

  • Kasimir Malevitch (1878-1935).

Suprematismo 417, cuadrado negro sobre fondo blanco (1913). Cuadrado blanco sobre fondo negro (1918).


Parelelo al suprematismo.

Defiende la funcionalidad de la obra artística.

Va a ser tan importante en pintura como en escultura.

  • Vladimir TATLIN (1885-1952).

Creador del movimiento constructivista.

  • EL LISSITZKY (1890-1941).

Combina formas planas con otras de carácter tridimensional.

Algunas pinturas pueden ser transformadas en esculturas y adquirir movimiento.

  • Proun.
  • Antoine PEVSNER (1886-1962).

Junto con su hermano NAUM GABO, publica el «Manifiesto realista» en 1920, base de futuros experimentos aplicables tanto a la pintura como a la escultura.

Abstracción expresiva

Surge en Europa a partir de la Segunda Guerra Mundial desarrollándose en la década de los años 50.

El término expresionismo abstracto se generaliza a partir de 1950 aunque fue empleado por primera vez en 1929 por el crítico Alfred Barr al referirse a las «improvisaciones» de Kandinsky.

Algunos críticos utilizan el término l informalismo» como sinónimo del expresionismo abstracto»; con ello quieren señalar que se trata de una pintura en la que están ausentes las formas definidas.

El punto de partida del expresionismo abstracto son Kandinsky y el Expresionismo.

Se diferencia de la abstracción geométrico en que ésta emplea formas rígidas toma das de la geometría mientras que la abstracción expresiva emplea formas flexibles, es decir, formas que no pueden ser definidas.

Es una pintura basada en la intuición y en la subjetividad, que intenta reproducir sobre el lienzo los efectos de un determinado estado emocional ya que para ellos el sentimiento debe prevalecer sobre la razón.

Existen varias tendencias pictóricas pero todas tienen unas características comunes:

Es una pintura de acción.

La obra es gestada en el mismo acto de pintar.

El azar, más o menos controlado, es parte importante del proceso creador.

  • Vasily KANDISKY (1886-1944).

Parte del expresionismo pero poco a poco se aleja de él, acercándose sólo al color que se ordena libremente a impulsos de la inspiración.

Trabajará en la Bauhaus con Paul Klee.

Realizó no sólo obras prácticas sino también teóricas.

  • Puntas de arco.


El nombre procede del francés “tache», mancha, y fue utilizado en 1954 para designar a una pintura que emplea manchas y manchones de colores.

Algunos críticos le denominan «Art Autre» con el fin de designar a una pintura que debería diferenciarse de cualquier otro género preexistente.

Valora la expresividad del artista y su proyección psicológica en la obra artística.

Es una pintura en la, que se anula, todo tipo de estructura formal o conceptual y que no se somete a ningún principio teórico.

No se encuentra en ella forma alguna que recuerde al mundo exterior ni objeto inventado.

  • Jean FAUTRIER (1989-1964).
  • La judía.

“Action Painting” (Pintura de acción).

Es el nombre con el que se conoce en EE.UU. al expresionismo abstracto y se lo dio el crítico Harold Rosenberg en 1952 para resaltar que se trata de una pintura en la que se valora el acto físico de pintar.

Reaccionó contra el academicismo cubista y surrealista que había triunfado entre las dos guerras mundiales.

Lleva hasta sus últimas consecuencias técnicas del automatismo, valorando la espontaneidad del artista en el momento de ejecutar la obra; la acción» debe ser autónoma e incontrolada.

Es una pintura vigorosa. impetuosa, violenta, que emplea lienzos de gran tamaño y colores violentos, estridentes, agresivos.

Algunos pintores practicaron la técnica del «dripping”, chorreando pintura sobre tela de manera que, al menos parcialmente, se extienda al azar.

  • Jackson POLLOCK (1912-1956).
  • Senderos ondulados.
  • Composición nº 13.
  • Franz KLINE (1910-1962).
  • Pintura nº 2. (1954).
  • Willem de KOONING (1904)
  • Mujer II.
  • Mark ROTHYO (1903-1970).
  • Rojo, blanco y marrón.

Pintura sígnica y gestual

Aunque sígnico y gestual no son exactamente lo mismo, los críticos suelen agrupar conjuntamente a los artistas de ambas tendencias.

sus raíces hay que buscarlas en el automatismo surrealista y en el descubrimiento de las grafías y pictografías del Extremo oriente.

  • Sígnica: utiliza un particular grafismo para crear «nuevos alfabetos.
  • Gestual: basa la pintura en la ejecución rápida y no controlada racionalmente.

Rasgos típicos:

  • rapidez en la ejecución.
  • impulso personal irreflexivo.
  • creación de signos abstractos: el cuadro es una especie de indescifrables caligrafías orientales.
  • Alfred Otto WOLFGANG WOLS (1913-1951).
  • Composición V.
  • Georges MATHIEU (1921
  • Jean DUBUFFET (1901-1985).

Fue el creador del concepto «Art Brut» para designar las obras de los psicópatas y de los niños.

  • Paisaje filosófico.

Pintura matérica

Los materiales empleados en la confección de la obra deben ser los que centren la atención del artista, la única motivación del cuadro.

La materia ocupa el primer lugar en la escala de los valores artísticos; es el medio expresivo por excelencia, incluso es más importante que la forma.

Se preocupan por el aspecto físico y técnico de la obra, desinteresándose del dibujo y la composición.

La obra es confeccionada con los más diversos materiales: cortezas, trapos, arpilleras, telas metálicas, jirones de tejido cosidos sobre un armazón metálico, arena, serrín, barnices, etc., unidos y pintados para conseguir efectos sorprendentes.

La utilización de materiales de este tipo y otros muchos de desecho se hace cada vez más frecuente (Pop Art, Arte Povera). Los primeros ejemplos de esta nueva importancia dada a la «materia» se encuentran ya en determinados trabajos de los primeros surrealistas y entre los dadaístas.

  • Alberto BURRI (1915
  • Saco nº 5.
  • Antoni TAPIES (1928
  • Blanco y naranja.
  • Manolo MILLARES (1926-1972).

Representantes españoles

Se forman dos importantes grupos que toman como punto de partida el Surrealismo:

  • DAU AL SET, nacido en Barcelona en 1948.
  • Modest CUIXART (1925).
  • Antoni TAPIES (1928).
  • EL PASO, celebra su primera exposición en 1957 en Madrid.
  • Antonio SAURA (1930
  • Manuel MILLARES (1926-1972).
  • Rafael CANOGAR (1934
  • Manuel VIOLA (1919
  • Martín CHIRINO (1925



A partir de la década de los años 60, Norteamérica impone su primacía en el terreno artístico, tomando la iniciativa con la invención de nuevas técnicas y lenguajes artísticos.

Este período se caracteriza por la búsqueda de nuevos caminos. Los artistas utilizan toda clase de métodos naturales o no naturales (por ejemplo, las drogas), así como materiales no considerados como artísticos hasta ahora (plásticos, chatarras, objetos usados).

A veces resulta difícil establecer si se trata de esculturas o pinturas ya que los cuadros introducen los elementos más variados.

Se concede gran importancia a la luz, al movimiento y al sonido en las nuevas experiencias plásticas.

Las corrientes o tendencias aparecen y desaparecen rápidamente, algunas incluso no han pasado de ser infructuosos intentos de nuevas experiencias.

Como reacción contra las tendencias geometrizantes y abstractas anteriores, se tiende, a partir de 1960, a una nueva figuración aunque no se olviden totalmente las experiencias pasadas.


Comprenden aquellas tendencias cuyas representaciones son identificables con la realidad objetiva.

Neofiguración o Nueva Figuración

Fue una reacción contra el expresionismo abstracto, intentando recuperar la realidad pero sin caer en el realismo académico.

Se pretendía hacer un arte asequible a las mayorías.

Composiciones desordenadas, colores vibrantes, perspectivas extrañas y no convencionales.

Temas: principalmente interesa la figura humana contemplada bajo un punto de vista pesimista, para lo cual distorsiona los miembros de las figuras.

  • Francis BACON (1910
  • Retrato de Henrietta Morales
  • Retrato del Papa Inocencio X de Velázquez.
  • Antonio SAURA (1930

Tonalidades muy sobrias.

  • Retrato de Brigitte Bardot.
  • Jean DUBUFFET (1901
  • Ser y parecer.


«Popular Art», entendiendo por «popular» lo vulgar, se conoce también como novorrealismo.

Se desarrolla fundamentalmente en EE.UU. aunque surge en Inglaterra.

Antecedentes: dadaísmo y los “ready-made» de Duchamps.

Se basa en la inclusión en la obra de arte de objetos tomados de la sociedad de consumo (botellas de Coca-Cola, latas de cerveza, elementos de objetos de uso común, materiales de desecho); hasta entonces considerados indignos de figurar en una obra de arte y a los que se intenta dotar de un valor artístico.

También emplea materiales «kitsch”: término alemán equivalente a objeto o acción de mal gusto.

Se inspira en los comics, en los anuncios publicitarios, en las fotonovelas, etc.

Se pueden presentar dos corrientes: una de carácter conformista y otra crítico-social.

  • Robert RAUSCHENBERG (1925

Mantiene la técnica del frottage surrealista.

  • Odalisca.
  • Roy LICHTENSTEIN (1923

Realiza serigrafías a base de ampliaciones de comics.

  • Felices sueños, nena.
  • Tom WESSELMANN (1931
  • Gran desnudo americano nº 98.
  • James ROSENQUIST (1932

Mezcla publicidad y pintura.

Anteojeras para caballo.

  • Andy WARHOL (1930-

Realiza series en las que repite objetos de la vida cotidiana: botellas de Coca-Cola, latas de sopa, etc.

  • Marilyn


También llamado realismo radical o fotorrealismo.

Surge en Norteamérica en 1966 al celebrarse en el Museo Guggenheim de Nueva York una exposición sobre fotografía. A Europa llegará hacia 1972.

Trata de conseguir que la realidad pintada sea tan real como la realidad de la naturaleza, de tal forma que puedan incluso confundirse.

Incluso en ocasiones pone de manifiesto que hay aspectos de la realidad que el ojo humano no puede percibir.

Técnica: se sirve de proyecciones ampliadas de diapositivas y fotografíaselo que se traduce en una falsa creatividad pues, aunque las imágenes están técnicamente muy cuidadas, parecen copias.

  • John C. KACERE (1920
  • Noel MEHAFFREY (1944
  • Richard BLACKWELL (1938
  • Antonio LÓPEZ GARCÍA (1936

Realismo social

También conocido como «Crónica de la sociedad».

Sus obras poseen un sentido crítico de la problemática moderna y un fuerte sentido político.

Temas: la violencia, el terror, la desmitificación de acontecimientos históricos y culturales.

Técnicas muy variadas, heredadas de movimientos anteriores.

  • Juan GENOVÉS (1930-
  • Fila rota, En torno a una prohibición.
  • Rafael CANOGAR (1934

Desmitificación de las grandes obras de arte como Las Meninas.


Op Art.

Abreviatura de Optical Art. Término utilizado, en contraposición al de Pop Art, para designar el arte visual interesado sobre todo en los fenómenos perceptivos y cinéticos.

Su antecedente fue la abstracción geométrico.

No pretende representar el movimiento sino dar la sensación de movimiento.

se basa en principios científicos y utiliza medios estrictamente pictóricos: reproduce figuras geométricas capaces de originar efectos ópticos de movimientos mediante la interacción de líneas y colores.

Este efecto óptico se incremento al desplazarse el espectador.

Su excesivo tecnicismo provoca un arte un tanto impersonal.

Se diferencia del arte cinético en que sus obras no poseen un movimiento real.

  • Víctor VASARELY (1908
  • Bridget RILEY (1931
  • Carlos CRUZ-DIEZ (1923

Arte Cinético.

Es un reflejo de la obsesión de la cultura moderna por el movimiento.

Es el arte del movimiento producido mediante mecanismos incorporados a la obra, o bien por la acción del aire producido al desplazarse el espectador o al manipular éste la obra de arte.

Se persigue crear un arte global y público.

En ocasiones incorpora la luz física: arte cinético-lumínico.

  • Julio LE PARC (1928
  • Nicolás SCHÓFFER (1912


Lo que caracteriza a los movimientos artísticos de la década de los años 70 es su afán de profundizar en el proceso creador, dando preponderancia al concepto de arte sobre el objeto artístico en sí.

Desaparece la distinción entré escultura y pintura, creándose obras tridimensionales que participan de ambas.

Minimal Art.

«Arte Mínimo», «Primary Structure», «ABC Art”, son varios de los nombres que recibe este arte.

El término fue creado por Richard Wolheim en 1965. El tema desaparece de las obras: no pretende crear una escultura o una pinturas¡ no realizar formas visuales reducidas al mínimo tanto perceptiva como formalmente y donde lo importante es el «todo».

Utiliza estructuras simples y elementales, geométricas la mayoría de las veces, destacando la claridad estructural.

Antecedentes: el suprematismo de Malevich al adoptar el cuadrado y el cubo como las formas más elementales, más simples, y al mismo tiempo «mínimas» en cuanto a estructuras.

Materiales: simples, a menudo toscos, no sofisticados (acero, hierro, aluminio, plástico, madera, etc.), pero siempre de enormes dimensiones. El artista sólo realiza el boceto o diseño, dejando la ejecución en manos de otras empresas. De esta manera se da más importancia al proceso de creación que a la realización física de la obra.

  • Dan FLAVIN.
  • Donald JUDD.

Arte Conceptual

Otros nombres: «arte microemotivo, arte situacional”.

El término fue utilizado por primera vez por Sol Le Witt en 1967.

Arte teórico o del concepto que intenta sustituir al arte tradicional o del objeto. Sus seguidores lo consideran no como arte, sino como una actividad creadora sin materia.

Pierde interés por la materialidad de la obra. Con la idea basta.

Lo que se hace es dar a conocer la teoría: escritos, documentos, catálogos, fotografías y, fundamentalmente, vídeo. Intenta desmitificar el hecho de la creación artística.

Guarda una cierta relación con el pensamiento oriental (Zen).

  • J. KOSUTH.
  • Robert BARRY.

Arte Povera

También conocido como «Process art” o «Arte procesual».

Se desarrolla en Italia, fundamentalmente en Turín, a partir de 1967.

Utiliza materiales pobres (andrajos, madera, yeso, paja) y evita los sistemas complicados con el fin de que el espectador pueda rehacer fácilmente el proceso seguido por el artista.

Coincide con el Minimal Art en que se interesa más por el proceso de la obra que por su elaboración. Difiere en que sus formas no son geométricas y acabadas si no ambiguas y casuales.

También difiere de la pintura matérica en que los materiales utilizados no son transformados sino que se conservan en estado natural.

  • MERZ.
  • ZORIO.

Arte ecológico

También recibe los nombres de «Land Art”, “Earth art», «Earthwork”.

Nació a finales de 1967 en Norteamérica.

Se trata de realizar operaciones artísticas dirigidas a transformar los paisajes naturales (campos, praderas) por medio de divisiones espaciales (zanjas, surcos, muros de tierra).

Está estrechamente vinculado al arte conceptual con el que coincide en el rechazo de los tradicionales medios artísticos y en dirigir su atención hacia nuevas posibilidades expresivas.

Se vale de la fotografía o del cine para fijar las operaciones sobre el terreno.








1.4.PINTURA. 9


2.1.Vida 10

2.2.Estilo 11


2.4.temas históricos 14

2.5.pintura relixiosa 14

2.6.pinturas negras 14

2.7.gravados e debuxos 14








5.1.Bélxica 23

5.2.Francia 23

5.3.Inglaterra. 23

5.4.Austria. 23

5.5.España. 23







9.1.escultura 27

9.2.PINTURA 27




10.1.Francia. 33

10.2.Inglaterra. 34

10.3.España. 34


11.1.Introdución. 35

11.2.cronoloxía. 36

12.Neoimpresionismo. 39

13.Postimpresionismo. 39

13.1.España. 41








20.A ARQUITECTURA ENTRE 1945 e 196 49

20.1.Norteamérica. 49

20.2.Francia. 49

20.3.Alemaña e Italia. 49

20.4.Holanda. 50

20.5.Brasil. 50




22.1.Antecedentes. 52









26.2.FAUVISMO 63


26.4.O Expresionismo en España e Hispanoamérica. 67

26.5.O CUBISMO 68

26.6.Cubismo analítico 69

26.7.Cubismo sintético 70

26.8.ORFISMO 74





27.1.DADAÍSMO 76


27.3.Surrealismo figurativo 78

27.4.Tendencia antiobjetiva 80


27.6.Abstracción xeométrico 81

27.7.Neoplasticismo 82

27.8.Suprematismo 82

27.9.Constructivismo 82

27.10.Abstracción expresiva 83

27.11.Tachismo 83

27.12.?Action Painting? (Pintura de acción). 84

27.13.Pintura sígnica e gestual 84

27.14.Pintura matérica 85

27.15.Representantes españois 85



27.18.Neofiguración ou Nova Figuración 86

27.19.POP ART 86

27.20.Hiperrealismo 87

27.21.Realismo social 87




Xorde, a mediados do século XVIII pero mantense, xunto con outras tendencias ao longo do século XIX. Centros principais: Roma e París.

Reacción clasicista fronte ao Barroco favorecida pola Ilustración. É un intento de someter a creación artística a regras racionais e de elaborar modelos de validez universal: por iso, carece de forza creadora e resulta unha arte de escasa orixinalidade. A súa aceptación popular foi mínima.

Algúns factores contribúen ao seu desenvolvemento:

* As publicacións dos tratadistas preconizando o i grego como punto de partida, de toda beleza, defendendo un r torno ás fontes da Antigüedad. Hai que destacar a obra de Winckelmann Historia da arte da Antigüedad» de 176
* As escavacións de Herculano (1719) e Pompeya (1748).
* As expedicións arqueolóxicas inglesas a Grecia.
* A creación das Reais Academias que dirixen a estética do seu tempo de acordo cunha normativa clásica.
* Refírese especialmente á arquitectura aínda que sen esquecer totalmente á escultura e pintura.



Reacción contra os efectos decorativos do Barroco e do Rococó.

Inspírase nos monumentos, clásicos, pero non é unha copia dos mesmos senón que os recrea.

É unha arquitectura erudita e racional. Representa un concepto de beleza baseado na pureza das liñas arquitectónicas, nas formas xeométricas claras, na medida clásica. Fronte ao subjetivismo barroco oponse a obxectividade da beleza baseada na racionalidade.

Gusto pola sinxeleza e severidade: predomina o arquitectónico sobre o decorativo. Para Winckelmann a beleza dos edificios radica no seu monumentalidad, simetría, proporcións suxeitas ás leis da medida e das matemáticas.

Emprega elementos básicos da arquitectura clásica: as columnas, as ordes especialmente o dórico e o jónico, os frontóns as bóvedas e cúpulas, etc.

Os temas decorativos tamén son tomados da antigüidade: guirnaldas, rosetas, ovas, meandros.

O edificio clásico máis empregado como modelo pola arte neoclásico é o templo grego, especialmente o pórtico e o frontón, que se empregan mesmo como modelo á e as construcións civís.

A pesar das súas preferencias polos modelos gregos rompen co ?antropocentrismo» destes e tenden á monumentalidad romana.

As construcións son, principalmente, de carácter civil: museos, academias, bibliotecas.

O urbanismo busca os trazados xeométricos, de damero ou, estrelados, con amplas, avenidas e prazas. Na cidade zonas verdes.

Dentro da arquitectura neoclásica pódense estudar dous tipos:

Unha arquitectura que segue sendo basicamente barroca en canto á exaltación do poder, pero que simplifica os seus elementos. É chamado o «barroco vitrubiano» e é a máis estendida por Europa e mesmo por Estados Unidos.

A «arquitectura da razón», preocupada pola adecuación entre funcionalidade e forma. Fóxese de todo tipo de decoración. Planéanse obras de tipo práctico ou industrial en relación cos cambios económicos e sociais: bolsas de comercio, bibliotecas, teatros, cemiterios, hospitais. É considerada como a máis propiamente neoclásica.

Abandona a decoración de interiores da época de Luís XV e Luís XVI tendendo cara a formas máis puras.

Cobra especial importancia no Imperio de Napoleón: desenvolvemento do urbanismo e dos monumentos conmemorativos.

JACQUES GABRIEL (1698-1782). Ex.: Petit Trianon. Palacio de Versalles. (1762-1764).

SOUFFLOT (1713-1780). Ex.: Igrexa de Santa Genoveva actual Panteón de Homes Ilustres. París (1758).

GONDOIN e LEPÉRE. Ex.: Columna de Austerlitz. Praza Vendome. París. (1806-1810).

VIGNON (1763-1828). Ex.: Igrexa da Madalena. París.

FONTAINE e PERCIER. Ex.: Arco do Carrusel. París. (1806-1809).

CHALGRIN (1739-1811). Ex.: Arco da Estrela. París. (1806-1836).


As súas obras están relacionadas coa «arquitectura da razón» aínda que moitas delas non pasaron de ser meros proxectos.

Desenvólvese especialmente nos países protestantes. Foi decisiva a dirección de Winckelmann. Centros principais: Berlín e Munich.

LEON VON KLENZE (1784-1864). Ex.: Gliptoteca de Munich. Propileos. Munich. O Walhalla. Ratisbona.

LANGHANS (1732-1808). Ex.: Porta de Brandeburgo. Berlín

Influencia da tradición grega e da arquitectura renacentista palladiana: algúns autores pensan que o neoclasicismo inglés é unha continuación do renacemento debido ao escaso desenvolvemento do barroco neste país.

Juntamente co Neoclasicismo advírtese un fortalecemento do gótico tardío, estilo nunca abandonado totalmente en Inglaterra.

Irmáns ADAM.

JOHN NASH (1752-1855). Ex.: Regent’s Park. Londres. Cumberland Terrace. Londres.

WILKINS (1778-1839). Ex.: National Gallery. Londres. (1833).

SMIRKE (1781-1867). Ex.: Museo Británico. Londres. (1823-1847).
Estados Unidos.

O Neoclasicismo desenvólvese paralelamente á independencia e construción do novo país.

THORTON, BULFINCH e WALTER. Ex.: Capitolio. Washington. (1827-1865).

Hai varios factores que favorecen o desenvolvemento da arquitectura neoclásica: a Academia de Belas Artes de San Fernando, fundada en 1752 por Fernando VIN, reaccionou contra o Barroco adoptando como modelo artístico o ideal grecorromano.

A chegada ao poder dos Borbóns que se rodean de artistas italianos e franceses moi imbuídos do espírito neoclásico.

O impulso dado á arquitectura e ao urbanismo por Carlos III (1759-1788). Trazo distintivo da arquitectura española do Neoclasicismo é a abundante construción de edificios relixiosos, consecuencia do poder da Igrexa en España.

Desenvolvemento do urbanismo: en Madrid planéase o Salón do Prado decorado con fontes como a de Neptuno, Apolo e Cibeles, constrúense novas portas monumento lles como a de Alcalá, Toledo, remodelanse cidades xa existentes e constrúense cidades de nova planta como La Carolina e O Ferrol Novo que impoñen o trazado regular.


Aínda que a súa formación é barroca, é considerado como o iniciador da transición ao Neoclasicismo.

Colaborador de JUVARA na planificación dos xardíns do Palacio de oriente de Madrid.

Ex.: Fachada de San Francisco o Grande. Madrid. Casa da Aduana. Ministerio de Facenda). Madrid. Porta de Alcalá. Madrid. (1778). Ampliacións do Palacio de Aranxuez. Proxectos para a urbanización do Salón do Prado. Madrid.


Evoluciona desde o barroquismo de Borromini até o clasicismo de Juvara e Sacchetti. Ex.: Igrexa de San Marcos. Madrid. Capela da Virxe. Basílica do Pilar. Zaragoza. Fachada da Catedral de Pamplona. Capela do Palacio Real. Madrid.

JUAN DE VILLANUEVA (1739-1811). Principal arquitecto do Neoclasicismo español. Eliminou os restos barrocos da arquitectura neoclásica española. Anticipou a concepción funcional e a austeridade de formas e volumes da «arquitectura da razón».

Ex.: Casiña de Arriba. El Escorial. Casiña do Príncipe. El Escorial. Portada do Xardín Botánico. Madrid. Museo do Prado. Madrid. Igrexa-Oratorio do Caballero de Graza. Madrid. Observatorio Astronómico. Madrid: influencia de Palladio. Reconstrución da Praza Maior. Madrid. (1790).

Outras obras importantes.

Proxecto do Monumento do Dous de Maio. GONZÁLEZ VELÁZQUEZ. Madrid.

Palacio de Vistahermosa. LÓPEZ AUGADO. Madrid.

Porta de Toledo. (1813-1817). Madrid. LÓPEZ AUGADO.

Teatro leal. Madrid. LÓPEZ AUGADO.

Congreso de Deputados. (1843-1850) PASCUAL E COLOMER.

Conxunto de Guernica. ANTONIO DE ECHEVERRÍA.

Biblioteca Nacional. Madrid. FRANCISCO JARRETO.

Edificio da Bolsa. Madrid. E. REPUELLES.

Palacio do Senado. Madrid. ALVAREZ BOUQUEL.

Fachada do Casón do Bo Retiro. Madrid. VELÁZQUEZ BOSCO.


Predomina a racionalidade da expresión serena e sosegada sobre a irracionalidad do impetuoso.

Imita o estilo dos grandes escultores da Antigüedad, principalmente dos gregos. Tómanse como modelos os temas clásicos porque queren razoar intelectualmente sobre a beleza.

Fronte ao realismo e expresionismo da escultura barroca oponse a serenidade e beleza da escultura clásica: hai unha reacción contra os efectos pictóricos, a teatralidad e o movemento desbordado do Barroco.

Os artistas neoclásicos procuran plasmar formas correctas, ideais; existe unha tendencia a destacar formásea valorar o contorno e a beleza formal das figuras e obxectos; evítanse os fortes contrastes de claroscuro; dótase á representación dun modelado suave e dun acabado pulido e homoxéneo.

En xeral, interesou máis a beleza puramente formal que a forza espiritual da obra. Por iso caen na frialdade e na excesiva uniformidade.

Materiais preferidos: mármore branco e bronce.

Principais manifestacións: grupos escultóricos, ornamentación de edificios públicos, monumentos conmemorativos, monumentos funerarios, retratos, etc.
Representantes europeos.

ANTONIO CANOVA (1757-1822). Propugnou a volta aos canons clásicos. Combina a sensibilidade veneciana co idealismo neoclásico resultando unha arte suave e delicada. Inspirouse nas copias romanas das obras gregas. Non coñeceu os orixinais gregos até o final da súa vida.

Gran técnico: virtuosismo na execución.

Temas: mitológicos, sepulcros, retratos, Ex.: Mausoleos de Clemente XIII e Clemente XIV. Venus. Paulina Borghese. Perseo. Eros e Psiquis.

ALBERTO THORWALDSEN (1770-1844). Danés, residiu e formouse en Roma. Interesouse polas obras gregas das que coñece os orixinais: na súa obra advírtense as influencias de Policleto, Fidias e Praxíteles.

Estilo grandioso e monumental para representar o heroico. Figuras frías e académicas debido á excesiva corrección formal.

Ex.: Jasón e o vellocino de ouro. Amor e Psiquis. Ganimedes e a aguia.

Lento e tardío arraigamento das formas neoclásicas. Mármore e bronce desprazan á madeira policromada.

Temas preferentemente profanos: monumentos conmemorativos e retratos; os temas relixiosos perden moita importancia.

JOSÉ ALVAREZ CUBERO (1768-1827). Influenciado por Canova.

Ex.: Defensa de Zaragoza. Madrid. (1825). Apolino. Amor durmido.

DAMIAN CAMPENY (1771-1855). Influenciado por Canova aínda que algunhas obras teñen xa un aire romántico. Ex.: Lucrecia morta. (1804).

ANTONIO SOA (1787-1861). Ex.: Monumento a Daoiz e Velarde. Madrid. (1830). Estatua de Cervantes. Madrid. (1835).

PONCIANO PONZANO e JOSÉ PIQUER. Marcan a transición entre neoclasicismo e romanticismo. Ex.: Frontón das cortes. Madrid. (P. Ponzano).


Triunfa a finais do século XVIII favorecido polos principios éticos propugnados polos enciclopedistas que atacaban o carácter artificioso de moitas das obras do Rococó.

Ao non contar con restos pictóricos da antigüidade grecorromana, o Neoclasicismo inspírase na escultura, en especial nos relevos, o que dotará dun marcado carácter escultórico ás representacións pictóricas neoclásicas.

Predomina o debuxo academicista sobre a cor.

Luz clara e difusa.

A base da beleza é a harmonía das proporcións e das liñas.

Os principais temas serán: retratos, mitológicos, cadros de historia.

JACQUES LOUIS DAVID (1748-1825). Representante da pintura neoclásica francesa. Estilo frío, severo, equilibrado, oposto ao espírito rococó. Coida moito o debuxo: dá primacía á forma sobre a cor e a luz. As figuras aparecen con contornos ben delimitados, como esculturas.

Composicións simétricas de escasa profundidade e con figuras ordenadas en filas paralelas.

Busca os temas heroicos e o espido como expoñentes da beleza e da perfección, tanto se representa temas da antigüidade como temas da súa época.

Vinculado á Revolución Francesa será, posteriormente, nomeado pintor oficial de Napoleón Bonaparte: todo isto será reflectido por el nos seus cadros.

Ex.: O xuramento dos Horacios (1784). Rapto das Sabinas (1789). Morte de Marat. (1793). Coroación de Napoleón (1805-1807).

JEAN AUGUSTE DOMINIQUE INGRES (1760-1867). Discípulo de Luís DAVID, con todo practica un estilo máis poético, prerromántico practicamente. A súa pintura perde o contido político que tiña a do seu mestre.

Destaca o tratamento do espido feminino e os temas de carácter oriental. Mal aceptado en Francia, traballou case exclusivamente en Roma. Preocupación psicolóxica nos seus retratos.

Ex.: Apoteose de Homero. O baño turco. A fonte (1864).


Todos eles son discípulos de DAVID. Presentan xa unha concepción prerromántica no tratamento dos temas.

Escaso arraigamento do clasicista. Algúns pintores tratan temas fantásticos e alegóricos como FÜSSLI (1741-1825) e

BLAKE (1757-1828). Os temas máis utilizados seguen sendo as paisaxes. Paisajistas como CONSTABLE e TURNER enlazarán coa paisaxe romántica.

Importante papel da Academia de Belas Artes de San Fernando creada en 1752 por Fernando VIN. Predomina a pintura profana, costumista e adquire un gran desenvolvemento o fresco.

Pintores estranxeiros:

ANTON RAFAEL MENGS (1728-1779). Alemán, vén a España chamado por Carlos III permanecendo até 17ó8; regresa en 1771 até dous anos antes da súa morte. Iniciador, impulsor e difusor do Neoclasicismo en España.

Practicou o retrato e a pintura ao fresco con temas alegóricos, relixiosos e mitológicos. Como retratista aínda participa do refinamiento rococó aínda que coa frialdade propia do Neoclasicismo. Debuxo seguro e meticuloso.

Ex.: Sala Gasparini. Palacio Real. Madrid. Cámara da raíña. Palacio Real. Madrid. Carlos III.

Pintores españois:

FRANCISCO BAYEU (+1795). Pintor de cámara de Carlos III. Decorador ao fresco.

RAMÓN BAYEU (+1793). Pinta escenas costumistas en cartóns para tapices.


VICENTE LÓPEZ (1772-1850). Primeiro pintor de cámara de Fernando VII. Foi, ante todo, retratista.

Academicismo, estilo dibujístico e minucioso, sentido da cor que aplica coma se fose esmalte. Visión idealizada da sociedade.

Ex.: Retrato de Fernando VII. Retrato de Goya.

JOSÉ MADRAZO (1781-1859). Discípulo de LUÍS DAVID, practica un neoclasicismo frío e grandilocuente. Pintor de cámara e director do museo do Prado (1838-1857). Temas: retratos, históricos relixiosos, etc.

De todos os pintores españois do século XVIII o máis destacado é GOYA e por tanto merece unha mención especial e un sentido máis detido.

Nace en 1746 en Fuendetodos (Zaragoza). Despois de realizar os seus primeiros estudos no Colexio das Escolas Pías de Zaragoza, ingresa no taller de JOSÉ LUZAN (1760). Trasládase a Madrid en 1763 coa pretensión de gañar os concursos da Real Academia de San Fernando e conseguir unha das bolsas ou pensións que este organismo outorgaba para estudar en Italia. Fracasa e en 1770 viaxa pola súa conta a Italia, onde aprende a técnica do fresco, a arte de compor e o colorismo.

En 1772 decora unha das bóvedas do Pilar de Zaragoza e realiza varios cadros para a Cartuxa da aula Dei.

O seu matrimonio en 1773 con Josefa Bayeu, irmá dos pintores Bayeu, facilítalle o ingreso como cartonista na Real Fábrica de tapices de Santa Bárbara. Aquí permanecerá desde 1774 até 179 Durante estes anos tamén terá acceso ás Coleccións Reais e poderá coñecer aos grandes mestres, especialmente a Velázquez.

En 1780 é nomeado académico de San Fernando, presentando no acto da súa recepción na Academia o cadro de «Cristo na Cruz», de clara influencia velazqueña. A súa fama na Corte vai crecendo e en 1786 é nomeado pintor de Carlos III. En 1789 Carlos IV noméalle pintor de cámara. Inicia unha intensa relación cos Ilustrados: Jovellanos, Moratín.

Despois dunha grave enfermidade sufrida en Cádiz en 1792 queda practicamente xordo e isto inflúe decisivamente na súa pintura: perde o carácter alegre e optimista e faise máis intimista e pesimista. Este cambio apréciase nalgúns cadros desta época como «O enterro da sardiña, ou «Casa de tolos». Realiza tamén dous das súas obras máis importantes: «Os Caprichos» e os «Frescos da ermida de San Antonio da Florida».

En 1799 Carlos IV noméalle primeiro pintor de cámara co que alcanza o cume do triunfo oficial. Nestes tempos é cando realiza os máis importantes cadros da familia real.

En 1808 prodúcese unha nova crise na vida de Goya: a Guerra da Independencia acrecenta o seu pesimismo e o seu carácter crítico. É obrigado a ser pintor de cámara de José I.

En 1812 morre a súa esposa Josefa Bayeu.

Ao regreso de Fernando VII en 1814, Goya ten problemas polas súas ideas ilustradas e liberais e por algúns dos seus cadros coa Inquisición e co mesmo rei.

En 1819 trasládase a unha leira, alén do Manzanares, a chamada «Quinta do Xordo». Alí pinta unha das súas obras máis famosas: As Pinturas Negras. Padece unha nova e grave enfermidade que intensifica o seu illamento.

Ante o agravamento do absolutismo despois de 1824 e ante o temor das represións por parte do rei, Goya marcha a Bordeus onde permanecerá, excepto en dúas curtas viaxes a España, até a súa morte ocorrida o 16 de Abril de 182

Non foi un artista precoz. O seu estilo foise formando e evolucionando lentamente baixo a influencia dos acontecementos que lle tocaron vivir e que lle afectaron profundamente.

A súa arte atópase en permanente evolución: paulatino progreso na técnica, procura de novas formas expresivas, continua corrección e profundización.

A arte de Goya preséntasenos cheo de contrastes: representacións de festas alegres que exaltan a vida á beira de sucesos dramáticos e de morte; escenas de nenos que xogan felices e outras misteriosas e alucinantes de bruxas participando en aquelarres; retratos da nobreza pero tamén dos ilustrados e dos «simpáticos» e as «simpáticas» que simbolizan o popular. Pintou o belo con exquisita delicadeza, pero tamén soubo reflectir o feo, o terrible, o monstruoso.

En Goya apunta algo que, segundo Víctor Hugo, é propio do mundo moderno: o grotesco. Enfrontouse co academicismo dos seus mestres e dos seus contemporáneos, opóndose á estética neoclásica. O debuxo perde importancia fronte á cor, á inspiración e ao movemento.

Foi pintor esencialmente colorista: a esencia da pintura, para el é a cor. Afirmaba que os seus verdadeiros mestres foran Velázquez, Rembrandt e a propia natureza. Do primeiro herda o amor polo retrato psicolóxico; do segundo, a profundidade espiritual e a técnica pastosa; do seu terceiro mestre, a natureza, hai abundantes probas nas paisaxes dos cartóns para tapices.

Pero aínda hai outro factor, a imaxinación. Goya non coñeceu límites para as súas facultades e nisto apréciase o seu romanticismo. Combina o realismo coa imaxinación creando, a partir do real, un mundo propio no que a fantasía e a crítica xogan un papel aínda máis importante que a realidade visual.

Crea unha arte testemuñal e comprometida no que leva a cabo unha crítica de todos os estamentos sociais: Corte, igrexa, nobreza, a sociedade en xeral. Temáticamente a súa obra é moi variada, estando presente na mesma case Iodos os xéneros.

Utilizou principalmente a técnica do óleo que aplica sobre os máis diversos materiais (lenzo, táboa, parede, etc.) pero tamén realiza frescos, litografías, aguafuertes, etc.

Empregou normalmente composicións de tipo neoclásico, é dicir, tende á ordenación xeométrica e regular. As figuras agrúpanse en triángulos, cadrados, pirámides. Para que se distingan ben os personaxes nos retratos colectivos crea liñas paralelas oblicuas. Con todo, na etapa de madurez busca a liberdade compositiva pero sempre mantén unhas liñas reitoras que evitan o caos compositivo.

Dunha forma moi xeral pódense distinguir en Goya dúas formas de facer:

* visión optimista e alegre da vida:

Temas alegres de ambiente rococó.

Debuxo de trazo continuo.

Cores vivas e luminosas aplicados a base de pinceladas moi iguais.

Composicións ordenadas geométricamente.

* visión pesimista e patética da vida:

Temas críticos, dramáticos e dunha fantasía sombría.

Debuxo descontinuo e mesmo, en ocasións, pouco correcto.

Aplicación da cor a base de manchas, de pinceladas soltas con vibracións luminosas.

Maior liberdade nas composicións.

É indiscutible a importancia histórica de Goya: é contemporáneo de LUÍS DAVID e con todo é o polo oposto da súa pintura. Influíu en moitos pintores españois como ALENZA E LUCAS e sobre todo en pintores franceses do romanticismo e do realismo, especialmente en MANET e COURBET.

Anuncia unha serie de movementos pictóricos posteriores:

* Romanticismo: polo seu individualismo, pola preocupación psicolóxica dos seus retratos, polo apasionamiento e exaltación dalgúns dos seus temas. Ex.: A carga dos mamelucos.
* Impresionismo: pola súa pincelada solta e vibrante. Ex.: A leiteira de Bordeus.
* Expresionismo: pola súa despreocupación pola forma para conseguir un maior valor expresivo. Ex.: As pinturas negras. Desastres da guerra.
* Surrealismo: polo mundo de fantasía que representa. Ex.: Disparates, caprichos.


* Cartóns para tapices:

Máis que cartóns son, en realidade, cadros ao óleo. Realiza 54 durante a súa estancia na Real Fábrica de tapices.

Trata os temas populares de Madrid: verbenas, romarías, xogos, etc. Son escenas cheas de graza e poesía.

Os personaxes populares aparecen ataviados cos traxes típicos dos simpáticos e as simpáticas.

Utiliza cores claras, unha gran gama cromática e desdibuja os contornos o que dificulta o labor dos tejedores. Apréciase neles unha clara evolución:

* Nos primeiros, coincidentes co reinado de Carlos III, ao redor de 1776, utiliza cores planas, forte debuxo e temas de cazaría.
* Máis tarde, con Carlos IV, cara a 1780, realiza temas costumistas con manchas de cor e celajes de influencia rococó. Mantén unha composición central xeométrica con árbores que marcan unha diagonal e fondos arquitectónicos. Obras:

* O quitasol.
* O cacharrero.
* A randeeira.
* O catro estaciones.
* A galiña cega.
* O pelele.

* Nos seus últimos cartóns, por influencia da Ilustración, realiza temas nos que se manifesta unha certa crítica social, como ?A Voda?.

* Retratos:

Foi o xénero que máis cultivou, pousando para Goya xentes de todas as clases sociais: reis, nobres e personaxes populares. Sentiu especial predilección polo retrato feminino.

Caracterízase polo seu realismo e sinceridade, reflectindo perfectamente ao retratado, aínda que en ocasións maniféstase o interese, simpatía ou indiferenza que Goya sentía ante o retratado.

Evolucionou desde os retratos elegantes e estáticos dos primeiros anos até os executados ao redor de 1800 a base de pinceladas soltas, curtas e luminosas, de debuxo a base de trazos rotos, descontinuos e de maior penetración psicolóxica.

Excelente tratamento das calidades dos vestidos, obxectos, etc. Obras:

* Carlos III cazador.
* Familia do duque de Osuna.
* A tirana.
* Francisco Bayeu.
* Josefa Bayeu.
* As simpáticas.
* Condesa de Chinchón.
* Familia de Carlos IV (1800).
* Fernando VIN.
* Autorretrato.
* Marianito Goya.
* A leiteira de Bordeus (1827).

temas históricos

Principalmente temas sobre a Guerra da Independencia: destacan polo seu expresionismo, auténtica alegación contra a crueldade e a barbarie da guerra.

As súas composicións son complexas, cheas de movemento e acción. Obras:

* O coloso.
* Dous de Maio ou a Carga dos Mamelucos (1814).
* O tres de maio ou os fusilamentos da Moncloa (1814).

pintura relixiosa

Non foi moi cultivada por Goya e realízaa tanto en lenzos como frescos. Mentres algúns cadros pecan de excesivo academicismo, outros posúen un profundo sentimento relixioso. Obras:

* Cristo na cruz, Academia de Belas Artes de San Fernando.
* Frescos de San Antonio da Florida, Madrid (1798).
* Última oración de san José de Calasanz (1819).
* A oración no horto.

pinturas negras

Reciben este nome tanto pola cor empregada (branco, negro, ocres, dourado-verdosos), como polo seu tenebrosa significación pesimista, sombría e desesperanzada. Son escenas macabras e de bruxaría de difícil interpretación, expresión dun mundo interior abatido e terrible, alucinante.

Unha fantasía e imaxinación desatadas presidiron a súa execución. Obras:

* Aquelarre.
* Vellos comendo sopa.
* As Parcas.
* Saturno devorando ao seu fillo.
* Can afundido na area.

gravados e debuxos

Son de gran forza expresiva e cheos de vigor. Mediante eles leve unha crítica da sociedade e da política da época e neles mestúrase o pesimismo, o humor e a sátira.

* Caprichos:

* Comprenden un total de 80 láminas e comezou a súa execución en 1797, sendo publicados en 1799. Por medo á inquisición recolleunos e regalou a Carlos IV.
* Están inspirados na súa propia imaxinación, en estampas populares, nos devanditos do pobo e en libros de maxia.
* Utiliza unhas formas anchas, unha composición maciza, un violento contraste en branco e negro co que acentúa os efectos de luz.
* A segunda parte da colección, a partir de ?O soño da razón? é invadida por unha fauna horrenda ou grotesca, de diaños e monstros. Obras:

* O soño da razón produce monstros.
* Que vén o coco!
* Divos perdóea e era a súa nai.
* Que sacrificio!

* Desastres da guerra:

* Realizados entre 1810 e 1819, reproducen escenas do que viu, do que lle contan ou, simplemente do que imaxina. Obras:

* Con razón ou sen ela.
* Grande fazaña! Con mortos!

* Tauromaquias:

* Publicadas en 1816, constitúen unha auténtica enciclopedia da arte taurino.

* Disparates:

* Realizados entre 1820 e 1822, expresan un mundo fantástico, onírico.
* É a obra máis personalista de Goya: parece anunciarnos o surrealismo.


Situación cronolóxica e espacial: Cambios:

* ideolóxicos: desenvolvemento do liberalismo.
* económicos: revolución industrial. Ampliación do capitalismo.
* políticos: aplicación do liberalismo: paulatina substitución das monarquías absolutas por sistemas constitucionais, desenvolvemento do nacionalismo, expansión colonial.
* sociais: definitiva substitución da sociedade estamental pola de clases. Desenvolvemento da burguesía. Formación do proletariado: a «cuestión social» e os movementos obreiros.
* Cultura: avances científicos. Aplicación de principios racionalistas e experimentais.


* Un aspecto fundamental deste século é a gran forza que presentan os cambios políticos, ideolóxicos, económicos e sociais e a súa enorme repercusión no mundo artístico.
* Desenvólvense un gran número de movementos artísticos que responden á rápida evolución da situación política, económica e social.
* Rebeldía contra a razón e o academicismo do século anterior.
* Avances científicos moi numerosos que inflúen nos diferentes movementos artísticos.
* O home do século XIX descobre as civilizacións descoñecidas ou mal estudadas: viaxe de CHAMPOLLION a Exipto, investigacións no Próximo Oriente, inicio dos estudos sobre Prehistoria por BOUCHER DE PERTHES, triunfo da arqueoloxía iniciada no século XVIII cos descubrimentos de Pompeya e Herculano, etc.
* O nacionalismo favorece o gusto polo folclore, polo costumista, especialmente durante o Romanticismo.



Non hai correspondencia coa pintura e a escultura.

* A arquitectura vese afectada polos profundos cambios sociais operados pola Revolución Industrial. Deberá dar resposta ás novas esixencias da sociedade:
* Os avances técnicos e a invención de nova maquinaria para a produción esixirán a construción de novas fábricas que substitúan aos tradicionais talleres artesanais.
* O desenvolvemento económico e comercial expón a necesidade de construír unha nova tipoloxía de edificios acordes coas novas esixencias: pontes e obras públicas, museos, bibliotecas, pavillóns para exposicións internacionais, o aumento demográfico nas cidades provoca grandes problemas urbanísticos.
* O século XIX preséntase como algo contraditorio no campo da arquitectura: á estética da forma oponse a estética da función. Ao longo do século, dúas grandes liñas de acción definirán o quefacer da arquitectura: a arquitectura-arte e a arquitectura-enxeñaría. Algúns arquitectos tentarán unir as dúas tendencias buscando no recordo de estilos pasados o medio de investigar novos materia lles como o ferro (VIOLLET LLE DUC), Ou ben, preocupándose polas posibilidades puramente estéticas da enxeñaría (EIFFEL).
* A arquitectura verase favorecida por movementos como o romanticismo e o colonialismo: tómanse como modelos os edificios medievais e os doutras culturas exóticas.
* Xoga un papel moi destacado no desenvolvemento da arquitectura a aparición de novos materiais. Algúns deles, como o ferro, xa se coñecían na antigüidade, pero o seu emprego fundamental é a partir do século XIX. Como complemento úsase o vidro. O cemento non fará a súa aparición até fins do século XIX polo que alcanzará a súa auténtica importancia xa no século XX.
* O principal problema con que se atopa a arquitectura é o de atopar un novo estilo xa que se pon en dúbida o valor artístico do Neoclasicismo. A consecuencia que se deriva desta procura é a aparición do «Eclecticismo»: cópiase a outros estilos anteriores, principalmente o gótico, pero non se crea unha nova linguaxe arquitectónica.
* A arquitectura do século XVIII pódese dividir no seguintes catro apartados:

* Arquitectura historicista ou ecléctica.
* Arquitectura dos novos materiais.
* A escola de Chicago.
* Modernismo.
* Mención especial merece o estudo do urbanismo.



* Tamén é coñecida como época dos ?revivals?.
* É, en esencia, un movemento de carácter romántico que pretende resucitar e imitar as formas construtivas e estilos do pasado, especialmente os medievais.
* Varios factores contribuíron á súa implantación:
* A reacción romántica contra o frío neoclasicismo.
* A ansia de atopar no pasado as raíces da propia personalidade nunha época de profundo desequilibrio histórico.
* O rexeitamento da nova técnica deshumanizadora.
* Motivos políticos de exaltación nacionalista que pretendían buscar e resucitar as orixes da propia civilización.
* Existen notables diferenzas entre a arquitectura historicista das distintas nacións: a súa importancia non alcanzou a mesma dimensión en todas elas, nin tampouco resucitaron os mesmos estilos. En xeralos máis empregados foron os de orixe medieval, especialmente o gótico, pero tamén se levantan construcións neoegipcias, neohindúes, neochinas, neomudéjares, etc.
* Esta arquitectura historicista non se afasta da arquitectura dos novos materiais: houbo construcións que utilizaron o ferro e o vidro con formas arquitectónicas do pasado, E, por outra banda, houbo arquitectos historicistas que coas súas investigacións prepararon o camiño da arquitectura moderna.
* O historicismo emprega un ou outro estilo segundo a función do edificio. Isto implicaba pensar na forma como algo subordinado á función, o cal prepara o advenimiento das novas concepcións arquitectónicas.
* Este historicismo tamén se aprecia na literatura: destacan autores como Walter Scott, Víctor Hugo, Gustavo Adolfo Bécquer, etc.


EUGENIO VIOLLET LLE DUC (1814-1879). Gran estudioso do estilo gótico.

Recomenda a utilización do ferro en estruturas góticas moi aptas, segundo el, para os novos edificios necesarios para a sociedade industrial.

Restaurador de edificios medievais: catedrais de Amiens, Vezelay, Santa Capela de París, etc.

Tamén se constrúen en Francia edificios neobizantinos como o SACRE COEUR de París.

Foi onde máis aceptación tivo o gótico que foi considerado como estilo nacional: en 1818 chegouse a promulgar unha lei sobre a obrigatoriedade de utilizar o gótico perpendicular para todas as novas igrexas que se construísen.

BARRY (1795-1863) e PUGIN (1812-1852). Ex.: Reconstrución do Parlamento de Londres.

RUSKIN (1818-1900). Gran teórico do neogoticismo: «O sete lámpadas da arquitectura».

SCOTT (1811-1878). Ex.: Monumento ao príncipe Alberto. Kensington Park. Londres.

Tamén se constrúen edificios neohindúes como exemplo da influencia colonial destacando entre eles o Pavillón Real de Brighton (1818) por J. NASH.

Nesta época en España prodúcese unha total desorientación: combínanse formas clásicas con elementos medievais e renacentistas.

Resucítanse, principalmente, o plateresco, o mudéjar e o gótico.

Destacan varios edificios importantes:

Escolas Aguirre. Madrid. RODRÍGUEZ AYUSO. (Neomudéjar).

Banco de España. Madrid. E. ADARO. (Neorrenacentista).

Monumento a Alfonso XII. Parque do Retiro. Madrid.

Catedral da Almudena. Madrid. Iniciada polo Marqués de Cubas e continuada CHUECA GOITIA.

Igrexa de San Ginés. Madrid.

Igrexa de San Jerónimo o Real. Madrid. NARCISO PASCUAL E COLOMER.

Praza de España. Sevilla.


A utilización de novos materiais non vai acompañada da creación dunha nova linguaxe arquitectónica: séguese facendo uso das solucións e elementos de épocas anteriores.

Enfrontamento entre arquitectos e enxeñeiros: os primeiros considéranse creadores de beleza sen conectar coas novas necesidades da sociedade industrial; os segundos buscan ante todo a solución de problemas, a utilidade, deixando ao carón os aspectos estéticos.

Como consecuencia do anterior as obras van ser confiadas a uns ou outros segundo o carácter das mesmas.

Materiais: ferro, fundido, vidro, aceiro, formigón armado.

As vantaxes da utilización destes novos materiais son moitas:

Até a utilización dos novos materiais a arquitectura fundábase na elevación de muros mediante a yuxtaposición de elementos sólidos. Os novos materiais cambian esta situación facendo recaer o peso da edificación e o equilibrio sobre unha armadura cuxos ocos se enchen despois doutros materiais.

A invención de vigas, arcos e soportes, tanto metálicos como de formigón, permiten un espaciamiento dos puntos de apoio da construción e ordenar moito máis perfectamente empúxelos.

A eliminación dos muros como elementos sustentantes e a redución da estrutura vertical sustentante posibilita a liberdade de composición e distribución das amplas superficies cubertas.

Pódense levantar bóvedas de gran amplitude e superponer varios pisos aproveitando ao máximo o espazo edificable.

Os novos materiais permiten realizacións máis rápidas e baratas.

En consecuencia, a altura do edificio, o aumento da superficie cuberta e a amplitude dos volumes orixinados, todo iso crea unha auténtica revolución no mundo da arquitectura.

Durante a primeira metade do século XIX, o ferro só é empregado por razóns utilitarias, sen finalidade estética; a partir da segunda metade do século empézanse a alzar voces en defensa do valor estético do ferro.

Tipos de obras.

* Pontes.

As primeiras pontes de ferro datan do século XVIII. Realízanse adaptando o ferro a métodos procedentes da construción en pedra.

No primeiro cuarto do século XIX xa se realizan pontes colgantes.

Ex.: Ponte sobre o río Severn. Inglaterra. (1779). Ponte de Sunderland. Inglaterra. (1793). Ponte colgante de Bristol. Inglaterra. (1832). Pont deas Arts. París. (1801-1803). Ponte de Austerlitz. París. (1806).

* Edificios.

De tipoloxía moi variada: factorías, estacións de ferrocarril, grandes almacéns, mercados, galerías comerciais, bibliotecas, etc.

A fins do século XVIII empezáronse a utilizar soportes de ferro nos interiores dos edificios. Os muros seguían sendo de materiais tradicionais (ladrillo, pedra, etc.).

Posteriormente é toda a estrutura a que se fai de ferro, aínda que nun principio só se aplica nos interiores. Os muros convértense exclusivamente en elementos de cerramento. Aplicarase aos exteriores cando se combine co vidro.

O vidro foi tamén moi utilizado para determinadas construcións como galerías comerciais, invernadoiros, etc.

En xeralos novos materiais empréganse para a construción de edificios de carácter industrial; por razóns de tipo estético exclúense das construcións de tipo tradicional e, cando se emprega a estrutura de ferro, esta enmascárase con mampostería mediante o uso de formas arquitectónicas tradicionais.

HECHOR HOREAU (1801-1872).

Defendeu o uso de novos materiais sen ocultalos, pero non puido levar á práctica os seus proxectos. Ex.: Proxecto para Ácheslles Centralles». París.

HENRI LABROUSTE (1801-1875).

Utiliza o ferro e o vidro e maniféstase na súa obra un desexo racionalista por atopar a forma arquitectónica derivada da función. Ex.: Biblioteca de Santa Genoveva. París. (1843-1850). Biblioteca Nacional. Gran Sala de Lectura. París. (1868-1878).

C. BRODRICK. Ex.: Corn Exchange. Leeds. (1860-1863).

BARLOW e ORDISH. Ex.: Cuberta da estación de San Pancracio. Londres. (1863).

G. MENGONI. Ex.: Galería Vittorio Emanuelle. Milán.

BRUNET e BELLANGÉ. Enxeñeiro e arquitecto respectivamente, colaboran na construción de novos edificios. Ex.: Mercado do trigo. París. (1811).

JAMES BOGARDUS (1800-1874).

Americano que ten a idea de substituír as paredes exteriores dos edificios por fachadas de ferro coado combinadas con cristal.

RICARDO VELÁZQUEZ. Ex.: Palacio de Cristal. Parque do Retiro. Madrid.

* Exposicións Internacionais.

Desenvólvense a partir da segunda metade do, século XIX como signo do avance industrial e comercial da economía liberal.

Os pavillóns son construídos a base de elementos de ferro prefabricados que poden montarse e desmontarse segundo as necesidades. Isto é a causa de que moitos destes pavillóns non se conserven na actualidade.

A primeira exposición data do ano 1851 e celébrase en Londres; outras importantes foron as de París de 1855 e 188

Palacio de Cristal. Londres. (1851)

* Cubría unha superficie de 7000 m. Baseado no sistema de invernadoiros. Construído con elementos prefabricados e de forma modular: abaratamento na construción. Foi desmontado posteriormente.
* Palacio da Industria. París. (1855). Realizado por CENDRIER e BARRAULT. Supera en luz (anchura interna da nave) ao de Paxton.
* Sala das Máquinas. París. (1889). Realizado por DUTERT e CONTTANCIN. Enorme espazo interior cuberto sen columnas intermedias. Foi desmontada en 191
* Torre. Eiffel. París. (1889). Autor: GUSTAVO ALEJANDRO EIFFEL. (1832-1923). Moi criticada no seu momento, é un símbolo da cidade de París.


A mediados do século XIX prodúcese en EE.UU. un forte impulso arquitectónico. Factores que favorecen este desenvolvemento son:

* O sentido práctico americano.
* A existencia de novas necesidades urbanas.
* O gran desenvolvemento da técnica.
* Parten da herdanza europea pero planean cidades con grandes avenidas e edificios de altura moi superior á dos edificios europeos.
* A súa vantaxe sobre Europa é que non están sometidos a ningunha tradición e poden deseñar os edificios en función das necesidades do momento.

O punto de partida é o incendio de Chicago en 187 Quérese reconstruír a cidade con materiais incombustibles: ferro e formigón armado e cerámica refractaria para as fachadas.

Subordinan o espazo á función. Prescinden case totalmente da decoración. Constrúense rañaceos favorecidos por:

* A necesidade de aproveitar ao máximo os solares dado o seu elevado prezo.
* O descubrimento do ascensor e do teléfono.
* A utilización de armaduras metálicas que permiten superponer numerosas plantas.
* A racionalización da vida burocrática e social concentrando nunha mesma zona os diversos servizos.

A Escola de Chicago impuxo unha nova estética que cambiou a fisonomía das cidades.

A. RICHARDSON (1838-1886). Discípulo de Labrouste. Ex.: Almacéns Marshall. Chicago. (1877).

WILLIAM LLE BARON JENNEY (1832-1907). Iniciador da escola: primeiro construtor de rañaceos.

Substitúe os muros exteriores por estruturas metálicas o que permite abrir grandes xanelas.

Máis preocupado pola funcionalidade que pola estética. Equilibra verticais e horizontais cun certo sentido academicista. Ex.: Home Insurance. Chicago. (1883-1885).

LOUIS SULLIVAN (1856-1924). Principal representante da escola.

Puxo as bases do funcionalismo da arquitectura moderna. Atribúeselle a frase: «A forma segue á función», fundamento da nosa arquitectura racionalista e funcional.

Creou o tipo de xanela apaisada de tanto éxito no século XX. Ex.: Auditorium. Chicago. (1887-1889). Wainwright Building. Saint Louis. Edificio Guaranty. Buffalo.

Xorde en Bélxica desenvolvéndose entre 1890 e 1910. Cando aparece recibe o nome de ART NOUVEAU de forma totalmente circunstancial: Van de Velde decorara en París en 1895 unha tenda chamada «L’Art Nouveau».

Difúndese rapidamente por Europa, grazas ás revistas ilustradas, recibindo diversos nomes:

* España: Modernismo.
* Francia e Bélxica: Art Nouveau ou Style Metro.
* Austria: Sezessionstil.
* Inglaterra: Modern Styl.
* Alemaña: Jugendstil.
* Italia: Liberty.

O seu estudo por escolas é moi difícil debido á gran orixinalidade dos artistas pero todos teñen en común o seu desexo de crear formas novas. Diversos factores contribúen á súa aparición:

* A nova burguesía enriquecida e refinada, desexosa dunha arte enraizada no pasado pero máis elegante e mellor que o dos arquitectos historicistas ou o dos enxeñeiros do ferro.
* Os movementos románticos que propugnan o uso dunha fantasía libre e creadora, do subjetivismo e a defensa do pracer que proporcionan as artes.
* O cansazo provocado polo historicismo.
* Reacción contra a arquitectura xurdida da nova técnica: vólvese á decoración como un intento de crear unha arte bela e amable.
* As ideas de Morris e Ruskin que defenden a integración das diversas artes e a volta aos métodos artesanais.
* O seu antecedente inmediato é o movemento inglés «Artes e Oficios» (Arts and Crafts) que propugnou a confección, mediante métodos artesanais, dos obxectos decorativos e de uso común coidando moito a calidade estética dos deseños empregados na súa execución.
* Individualismo e fantasía creadora.

O modernismo pretende, por unha banda, facer unha arte novo, sen ningunha relación coas formas artísticas da antigüidade, aínda que normalmente está impregnado de recordos históricos; por outra banda, desexa aproveitar as vantaxes da moderna técnica pero reaccionando contra a vulgaridade e fealdad dos produtos manufacturados.

Existe un desexo integrador de todas as artes. Trata de abolir a tradicional separación entre as chamadas «artes maiores» (arquitectura, escultura e pintura) e as «artes menores» ou aplicadas. Todas deben unirse para configurar un edificio.

Empréganse os novos materiais achegados pola industria, fundamentalmente o vidro e o ferro, xunto con outros que proporcionan cromatismo aos edificios (azulexos, ladrillos vidriados, esgrafiados, etc.).

A decoración ocupa un primerísimo plano na arquitectura modernista:

* Caracterízase por imitar á natureza dunha forma máis, ou menos abstracta. Os motivos decorativos son tomados da flora e fauna: talos florais estilizados e serpenteantes, capullos, árbores, pavos reais, polbos, libélulas, predominan as liñas curvas e onduladas, a asimetría, os arabescos, etc., utilizan estes temas non de forma tradicional senón tentando crear unha nova linguaxe decorativa.
* O edificio é concibido coma se fose un ser vivo: as superficies sinuosas, a asimetría na distribución das xanelas e portas, os motivos decorativos, todo contribúe a producir a sensación de movemento.
* O cromatismo é outra das características do modernismo.
* O modernismo anticipou algunhas das solucións arquitectónicas do século XX: desexo de que os elementos estruturais queden á vista e funcionen como partes esenciais do sistema decorativo.


VÍCTOR HORTA (1861-1947). Creador do estilo modernista. Foi o primeiro en dar e conta das posibilidades decorativas do ferro. Curva os elementos estruturais coma se fosen talos vexetais.

Ex.: Casa Solvay. Bruxelas. (1895). Casa do Pobo. Bruxelas. (1897-1900). Actualmente destruída.

HENRY VAN DE VELDE (1863-1957). Arquitecto, decorador e pintor. Dirixiu en 190ó en Alemaña a Escola de Artes e oficios de Weimar, a famosa Bauhaus dos anos 3 Dirixiu tamén a primeira revista de deseño moderno: a Werkbund.

Ex.: Museo Folkwang. Hagen.

HENRI GUIMAR) (1867-1942). Considérase decorador máis que arquitecto: traballa artesanalmente debuxando cada un dos elementos decorativos para despois pasalos ao ferro. Preferencia polo emprego deste material, aínda que emprega materiais de varias cores para dar máis variedade á decoración.

Ex.: Estacións de Metro. París.

CHARLES VOYSEY (1857-1941).


CHARLES RENNIE MACKINTOSH (1868-1928). Precursor do racionalismo: crea o espazo a base de volumes moi simplificados. Ex.: Escola de Belas Artes. Glasgow.

OTTO WAGNER (1841-1918). Preferencia polas superficies planas e estruturas xeométricas. Liberdade absoluta na procura dos espazos e na distribución dos interiores. Terminou proclamando a primacía da estrutura sobre a decoración.

Ex.: Estacións de Metro (Karlplatz e Schombrunn). Viena. Casa Majólica. Viena. Banca Postal. Viena.

JOSEPH Mª OLBRICH (1867-1908). Estruturas ortogonales. Ex.: Edificio da Sezessión. Viena.

O centro principal é Cataluña: desenvolvemento industrial e existencia dunha forte clase burguesa mercantil.

ANTONIO GAUDÍ (1852-1926). Considerado por Chueca Goitia como o arquitecto máis xenial do Modernismo europeo.

Comezou practicando unha arquitectura de carácter medievalista, evolucionando cara a unha arquitectura máis funcional e valorando a integración na mesma da escultura, pintura e artes aplicadas.

Os seus trazados son dunha gran orixinalidade; prodiga as superficies ondulantes e os arcos parabólicos, as columnas inclinadas, etc. Todo parece cobrar vida. Vivo e intenso cromatismo.

É o arquitecto que creou formas esculturales máis atrevidas para remates de torres, chemineas, etc. Nos seus temas decorativos destaca o amor á natureza: formas vexetais, animais, etc. Utiliza todo tipo de materiais: cemento, pedra, ferro, mosaicos.

Ex.: Casa Vicens. Barcelona. (1880). Palacio Güell. Barcelona. Colexio Teresiano. Barcelona. (1888-1890). Parque Güell. Barcelona. (Iniciado en 1889). Casa Batlló. Barcelona. (1905-1907). Casa Milá (A pedrera). Barcelona. (1905-1910). Templo da Sacra Familia. Barcelona. (1883-192ó). Sen terminar. Palacio Arzobispal. Astorga. Casa dos Botíns. León.

LLUIS DOMÉNECH I MONTANER (1850-1924). Ex.: Palacio da música. Barcelona.

JOSEPH PUIG I CADAFALCH (1867-1957). Ex.: Casa Terrades. Barcelona.


A Revolución Industrial provoca profundos cambios nas cidades, especialmente nas fabrís. O crecemento demográfico e a concentración de grandes masas de poboación convértenas rapidamente en macrociudades.

Non houbo, con todo boas respostas urbanísticas, prevalecendo no trazado das cidades razoes puramente especulativas: o utilitarismo e razóns de produción.

A cidade dividiuse en dúas zonas claramente diferenciadas:

* Os barrios obreiros, situados ao redor das factorías e configurados por vivendas aglomeradas, carentes das mínimas condicións de habitabilidade e de hixiene.
* As zonas residenciais da burguesía acomodada con grandes avenidas e espazos verdes.
* Necesidade de adecuar a cidade aos novos medios de transporte.


Concepcións utópicas.

* Queren crear novas cidades en consonancia co desenvolvemento e industrial e con mellores condicións de vida para os obreiros.
* Tiveron un valor máis testemuñal que técnico: os proxectos non eran viables porque se baseaban na construción de cidades de nova planta, esquecéndose dos vellos núcleos urbanos onde vivía moita poboación e que non podían ser demolidos.
* Se influirán, indirectamente, nos proxectos de ensanche das vellas cidades.
* Antecedente: C. Nicolás LEDOUX.

ROBERT OWEN (1771-1858).

CHARLES FOURIER (1772-1837). Ex.: Falansterios.

JEAN BAPTISTE GODIN (1817-1889). Ex.: Familisterios: renuncia á vida en común.

As grandes transformacións urbanas.

A solución máis aceptada foi o trazado en cuadrícula, tanto por motivos económicos, especulación do terreo, como por motivos socio-politicos, mellor ordenación da poboación.

O barón HAUSSMANN (1809-1891), alcalde de París, leva a cabo a reforma do centro da cidade entre 1853 e 1870.

Trazado en cuadrícula: para facilitar o tráfico, para sufocar rapidamente calquera loita rueira de tipo revolucionario, para facilitar os desfiles militares, para evitar os focos de epidemias e crear amplas zonas de paseo (os bulevares, etc.).

Realizáronse grandes bulevares con paseos no centro: principal contribución ao urbanismo.

Uns critican a obra de Haussmann polo que supón de destrución da cidade medieval; outros a encomian porque mantivo a visión barroca das grandes perspectivas.

Influíu decisivamente nas ampliacións doutras cidades como Florencia, Viena, Bruxelas, etc.

Séguese o plan de ILDEFONSO PORCA (1816-1876), realizado en 1859. Estivo guiado polas ideas do movemento e comunicabilidad, trazando amplas diagonais.

Algo semellante realízase en Madrid (barrio de Salamanca) en 1860 (Carlos Mª de Castro), en San Sebastián, Bilbao, etc.
Proxecto de Cidade-Lineal.

ARTURO SORIA E MATA (1844-1920), pretende conciliar as vantaxes da vida no campo (abundantes espazos verdes) coas dunha gran cidade. O seu proxecto baséase no trazado dunha gran vía de circulación bordeada por unha estreita banda urbanizada, e cuxo crecemento fose só longitudinal. Daba especial importancia aos transportes colectivos.

Púxose en práctica en 1882 en Madrid pero non se finalizou e desvirtuouse aos poucos.
Proxecto de cidade-xardín.

HOWARD publicou en 1898 un libro titulado «Tomorrow» onde expuña as súas ideas sobre un novo tipo de cidade planificada. O seu obxectivo era construír pequenas cidades, rodeadas de terreos para cultivo, enlazadas entre si por rápidas vías de comunicación.

Tiñan que ser de pequeno tamaño (non máis de 3.000 persoas) e autosuficientes, o cal lles daba unha forte identidade. Baseaba o seu proxecto na defensa dea a propiedade colectiva do chan como medio de evitar a especulación e o crecemento esaxerado das cidades.
Proxecto de cidade industrial.

TONY GARNIER (1869-1948) publica en 1917 un proxecto de cidade industrial.

Divide a cidade segundo as súas funcións: traballo, residencia, zonas de recreo, vías de transporte, etc. A zona industrial colocábase no exterior e o núcleo da cidade era onde se situaban os edificios públicos, hospitais, bibliotecas, etc.

Planificada en forma lineal para permitir a súa expansión. Anticipa o urbanismo racionalista do século XX: casas sobre alicerces, terrazas-xardín, ordenación rectangular, etc.
Proxecto de cidade futurista.

ANTONIO SANT’ELIA (1888-1916) imaxina o mundo moderno a base de torres de cristal e interconexiones do transporte a distintos niveis. Os seus plans nunca chegaron a materializarse, pero influirá decisivamente nos arquitectos e urbanistas do século XX.

Caracteres xerais

O panorama escultórico europeo do século XIX non foi moi brillante se se exceptúan algúns artistas moi determinados como Rodin.

Dous factores poden ser considerados como causas do atraso da escultura en relación coa pintura:

* Maior control das Academias sobre os escultores: a escultura convértese nunha arte formalista, carente de sentido por completo.
* Limitacións inherentes á propia escultura: non hai unha evolución continua e pódese comprobar un certo illamento histórico-evolutivo.

A tendencia dominante foi a imposta pola estética neoclásica. Os autores móvense. Dentro dun certo eclecticismo que dificulta a súa adscrición a un movemento determinado.

Mantéñense os últimos artistas do século XVIII como CANOVA e THORWALDSEN.


Iníciase a finais do primeiro cuarto do século XIX (cara a 1830). Reacción contra a frialdade e quietud das manifestacións escultóricas neoclásicas: defende unha escultura máis movida e apaixonada.

O modelado tende ás superficies ásperas e aos xestos grandilocuentes. Emprégase unha técnica máis pictórica (efectos de claroscuro) e preténdese captar o movemento e o pasional. Fóxese dos contornos para que a cor sexa o protagonista.

Estatuíllas de pequeno tamaño para decorar os interiores das casas burguesas e realízanse tamén monumentos conmemorativos.

Temas: aqueles que destacan a exaltación nacionalista; monumentos a personaxes ilustres e temas literarios que representan ás glorias nacionais.


FRANCOIS RUDE (1784-1855). Carácter nacionalista. Evolucionou cara ao realismo. Ex.: A Marsellesa. Arco da Estrela. París.

JOSÉ GRAGERA (1818-1897). Ex.: Estatua de Mendizábal.


Centra o seu interese na realidade circundante: a natureza serve de inspiración ao escultor. Temas de contido social. Tipos populares.


JEAN BAPTISTE CARPEAUX (1827-1875). Considerado como iniciador do Realismo. Rompe co clasicismo academicista resucitando unha arte graciosa, baseado no Rococó francés. Gran veracidade nas representacións. Preocúpase por captar o movemento. Ex.: A Danza. Opéraa. París.

MEUNIER. Ex.: O estibador O forjador.

AUGUSTO RODIN (1840-1917). Principal escultor europeo do século XIX: rompe totalmente co Neoclasicismo abrindo o camiño para a escultura do século XX.

* Valorou o inacabado como parte esencial da realidade. Utilizou a técnica do «non-finito» aprendida de Miguel Anxo.
* Poderoso modelado de superficies rugosas.
* Soubo captar a importancia da luz na escultura: multiplica os planos para conseguir efectos de claroscuro. Consumado mestre do movemento.
* Foi máis aló do realismo, podendo ser cualificada a súa obra de impresionista.
* Temas: fundamentalmente os que teñen relación co home.
* Evolucionou cara ao simbolismo e o expresionismo.

Ex.: O pensador. Os burgueses de Calais. (1886). O bico. A Idade do Bronce. (1876). Catedral.

RICARDO BELLVER (1845-1924). É un ecléctico romántico-realista. Barroquizante nas súas formas, sabe captar o dramatismo das súas figuras. Ex.: O anxo caldo. Parque do Retiro. Madrid.

AGUSTÍN QUEROL (1860-1909). Segue a Rodin pero fáltalle a súa forza e expresividade. Modelado brando: as formas desvanécense. Ex.: Monumento a Quevedo. Madrid. Tumba de Cánovas do Castelo. Panteón de Atocha. Madrid.

JOSÉ LLIMONA (1864-1934). Ex.: Desconsuelo.

MARIANO BENLLIURE (1862-1947). Practica un realismo case impresionista. Gran calidade técnica: detallismo, expresividade, movemento.

Ex.: Monumento ao Xeneral Martínez Campos. Mausoleo de Joselito. Estatua de Goya (Museo do Prado)

Caracteres xerais.

O século XIX foi un século contraditorio, de profundos cambios sociais que repercuten no mundo artístico, especialmente na pintura.

As tendencias artísticas sucédense con rapidez: o Neoclasicismo é substituído polo Romanticismo (cara a 1830); a este sucédelle o Realismo (cara a 1848) e imponse finalmente o Impresionismo (cara a 1875) que sinala o comezo da arte moderno.

É difícil clasificar aos artistas nestes estilos, principalmente no que a romanticismo e realismo refírese.

París convértese no principal centro artístico.

Son importantes as Exposicións que reciben o nome de Salóns convócanse concursos e premios que modifican as relacións dos artistas co público.

En España o panorama pictórico non é moi brillante e non está en sintonía co resto de Europa. A partir de Goya, non hai ningunha outra figura que iguale a súa importancia. Nesta situación inflúe a inestabilidade política, económica e social de España durante estes anos.

Continúa ao Neoclasicismo do século XVIII; vai ter unha curta duración no século XIX debido á aparición duns pintores revolucionarios que anuncian o Romanticismo.

Preocupación polo debuxo; luz difusa que cobre todo o cadro; volta aos temas clásicos, históricos e mitológicos; idealización das figuras.

Mantéñense os mesmos artistas que traballaban a finais do século, anterior: Luís David, Ingres, Reynolds, Gainsborough, Bayeu, Goya, Vicente López.


Movemento ideolóxico iniciado ao redor de 1830 que afectou a todos os ámbitos da sociedade europea. Aspiraba a plasmar a través de todas as artes (literatura, música, pintura, etc.) os principios revolucionarios que en 1815 quedaron soterrados.

Hai unha identificación da arte co nacionalismo e o que este representa en canto ao rexurdir das tradicións e dos valores propios de cada pobo. É unha reacción contra a arte severa, ríxido e frío do Neoclasicismo: o artista romántico vai proclamar a súa liberdade fronte ás directrices académicas.

Individualismo. Anteponse o sentimento á razón rexeitando o racionalismo da Ilustración. Gusto polos xestos teatrais capaces de chamar a atención do espectador. Concepto subxectivo da beleza.

Primacía da cor fronte ao debuxo e a liña: cores brillantes e luz vibrante que destrúe a forma. Composicións dinámicas: o movemento chega a ser convulsivo e os xestos dramáticos. Úsase unha pincelada solta, vibrante, para dar máis expresividade aos cadros.

Temas moi variados:

* Históricos: medievais, contemporáneos, cun carácter político ou fatalista.
* Orientais: polo seu exotismo.
* Paisaxes: a súa interpretación subxectiva é un excelente medio para manifestar os estados de ánimo.
* Retratos: representan aos personaxes cun aire melancólico, de tristeza ou soidade.
* Relixiosos: cun gran valor simbólico.



Considerado como un pintor de transición: pode ser clasicista pola importancia que concede ao debuxo e romántico pola súa preferencia polo patetismo e o movemento. Tendencia ao realismo nas representacións. Ex.: A balsa da Medusa. Derby en Epson.

EUGÉNE DELACROIX (1798-1863). A súa formación é neoclásica pero as súas preferencias diríxense cara a Rubens e os venecianos. É o principal representante do Romanticismo francés. Concede unha primacía absoluta á cor sobre o debuxo.

Abandona as cores terrosos e utiliza cores intensas, puros, luminosos. Contrastes violentos de cor. Emprega a cor con total liberdade, dun modo arbitrario, sen axustarse á obxectividade da natureza. Mediante a cor subliña a composición e dá un aspecto escultórico, de relevos, á pintura.

Pinceladas soltas e vibrantes que acrecentan a sensación de movemento.

Temas históricos, literarios, simbólicos e fantásticos. Nos temas históricos interésanse tanto polos temas medievais como polos contemporáneos. Liberdade nos temas.

Introduce os temas orientais no romanticismo a partir dunha viaxe a Marrocos en 1832: interésanlle estes temas non só pola súa iconografía senón pola luminosidade do colorido.

Ex.: Dante nos infernos (1822). Matanza de Quíos. (1824). Guerras entre musulmáns e gregos). Morte de Sardanápalo. (1827). Tema exótico: A liberdade guiando ao pobo. (1830). Decoración da Igrexa de Saint Sulpice. París.

CAMILLE COROT (1796-1875).

Anticipa o impresionismo. Paisajista: a paisaxe chega a alcanzar tanta importancia que pode ser considerado como precedente directo da paisaxe impresionista. As súas paisaxes posúen un sentido moderno, superando a concepción da paisaxe histórica que practicou nos seus comezos.

Moi influído polos paisajistas ingleses CONSTABLE e TURNER: en 1824 celébrase en París unha exposición de ambos os pintores que vai ser decisiva para a nova concepción da paisaxe.

A técnica de Corot foi evolucionando lentamente até alcanzar a súa consagración definitiva en 1855 con motivo da Primeira Exposición Internacional de París.

Inspírase na realidade pero non a copia senón que realiza unha recreación poética dela; advírtese unha tendencia lixeiramente idealizadora da natureza.

Colorido suave: dicía que a cor é un encanto suplementario do cal hai que usar con discreción. Baséase nos valores cromáticos, é dicir, nas gradaciones tonales debidas á luz e á distancia.

A auténtica protagonista do cadro é a luz: son os efectos lumínicos os que determinan esteticamente as formas da natureza; mediante gradaciones da luz consegue dar ás cores maior ou menor profundidade, obtendo desta forma a espacialidad do cadro.

A composición está organizada mediante campos de luz. A luz clara parece desmaterializar os obxectos: os contornos se desdibujan, coma se envolvéseos a bruma, creando un efecto de atmosfera.

Defende a pintura ao aire libre para poder captar os cambios de luz: isto convértelle nun precursor do impresionismo. Ex.: Coliseo de Roma. Catedral de Chartres. Ponte de Narni. (1826).

A esta escola pertence Corot. Antecedente do impresionismo. Existe como tal desde 1830 até 1850.

Barbizón é unha pequena localidade próxima a París onde se reúnen un grupo de pintores que queren pór en práctica as ideas de Rousseau sobre a volta á Natureza.

Defenden o tema da paisaxe cunha concepción baseada na observación directa da natureza, sen idealizaciones, até tal punto que algunhas das súas obras parecen fotografías; non lles interesa a visión fugaz do impresionismo.

Preocúpanse por investigar os cambios atmosféricos, os efectos de distancia e os efectos producidos pola luz ao filtrarse entre as árbores.

THEODORE ROUSSEAU (1812-1867). Creador da escola: radical oposición á arte oficial. Centra a súa atención na paisaxe prescindindo dos elementos humanos ou animais. Gusta de representar luces matizadas polas sombras, os reflexos da vexetación, os ambientes brumosos. Pinceladas pequenas e vibrantes.

Ex.: O carballo de roca. (1861).

JULES DUPRÉ (1811-1884).

NARCISO DÍAZ DE LA PEÑA (1807-1876). Gran colorista.

CHARLES FRANCOIS DAUBIGNY (1817-1878). É, seguramente, o máis próximo ao impresionismo.

A pintura paisajista do século XIX constitúe o momento de máximo esplendor da pintura inglesa e a súa maior achega á historia da pintura.

Interésanse por captar as impresións fugaces de luces e cores; os ambientes melancólicos, brumosos ou crepusculares. Característicos da paisaxe inglesa son o rico colorido e os efectos lumínicos.

Constable e Turner exercen unha gran influencia nos pintores franceses; son considerados como precedentes do impresionismo.

JOHN CONSTABLE (1776-1837). Practicou a pintura ao aire libre anticipándose a Corot e os impresionistas. Capta a luz no cadro: nun momento determinado representa os reflexos e movementos da luz. Consegue extraordinarios efectos lumínicos.

Presta especial atención aos ceos nubrados, ás sombras das nubes no chan, á choiva e ao vento.

Ás veces representou un mesmo paisaxe baixa diferentes condicións lumínicas e atmosféricas. Aplica a cor con gran soltura para conseguir máis intensos efectos de luz. A materia, ás veces moi espesa e grasienta, é aplicada ás veces con espátula. Os seus cadros parecen abocetados.

Ex.: catedral de Salisbury. O carro de heno. A ponte de Waterloo.

WILLIAM TURNER (1775-1851). Evolucionou cara a unha maior liberdade na interpretación, no colorido e na técnica: os seus cadros convértense en algo totalmente imaxinario.

Nas súas paisaxes a natureza perde forma e gaña luz: as formas disólvense no medio dunha luz coloreada. Concede máis importancia aos efectos atmosféricos como a choiva, a tempestade, a néboa.

Foi o primeiro en aplicar as cores yuxtapuestos, é dicir, sen mesturalos, conseguindo harmonías cromáticas e efectos ópticos de gran beleza. Anticípase á pintura impresionista.

Ex.: Choiva, vapor e velocidade, deforma incluso a realidade (1844). Batalla de Trafalgar. Tempestade de neve.

Os Nazarenos.

Tamén chamados «Irmáns de San Lucas», están integrados por un grupo de pintores alemáns que se reúnen en Roma ao redor de 1810 para levar unha vida comunitaria de carácter monástico. Este é o seu aspecto máis romántico.

Tomaron como punto de referencia aos artistas anteriores a Rafael e isto relaciónalles cos «Prerrafaelistas» ingleses. Practican unha arte híbrido cunha forte carga de relixiosidade.

Valoran a forma e o debuxo máis que a cor, así como as composicións simples e equilibradas.



Fóra dos Nazarenos tamén destacaron os paisajistas que representan a importancia do home fronte á natureza, o fantástico. Destaca FRIEDRICH (1774 -1840) coa súa obra «O naufraxio da Esperanza».

A pintura romántica tivo un gran desenvolvemento: mantense a influencia goyesca. Destaca tanto o retrato como a pintura de paisaxe e a costumista.


ANTONIO MARÍA ESQUIVEL (1806-1857). Atmosferas melancólicas e sentimentais rodeando as figuras. Superficies lisas, composicións academicistas. Ex.: A lectura.

FEDERICO DE MADRAZO (1815-1894). Discípulo de Ingres. Gran fama como retratista: elegancia nas figuras.

Evoluciona desde o debuxo academicista até o estudo de calidades e a difuminación dos contornos. Tamén realizou cadros de historia. Ex. -. Marquesa de Montejo. Gertrudis Gómez de Avellaneda. Condesa de Vilches.


JENARO PÉREZ VILLAAMIL (1807-1854). Mestura a paisaxe cos temas, de arquitectura medieval. Interiores de edificios góticos.


LEONARDO ALENZA (1807-1845). Reflicte a «España Negra», satirizando os costumes: influencia goyesca neste costumismo pesimista.

Temas: escenas populares, festas de touros, etc. Ex.: O galego dos curritos.

EUGENIO LUCAS (1824-1870). Tamén practica un costumismo pesimista: procesións, cárceres, ajusticiados. Confire á representación un ambiente misterioso.

Totalmente identificado con Goya: ás veces atribuíronse a este obras de Eugenio Lucas.

Aplica a cor a base de pequenos e rápidos toques, resaltando máis a mancha que o contorno. Ex.: Corrida de touros.

VALERIANO DOMÍNGUEZ BÉCQUER (1834-1870). Costumismo alegre e optimista. Pintor de escenas rexionais, especialmente andaluzas. Ex.: Baile de aldeáns.


Tendencia pictórica que despraza ao Romanticismo a partir de 1848 aproximadamente; mantense até 187 É unha especie de ponte entre o Romanticismo e o Impresionismo.

Hai varios factores que contribúen á súa aparición:

* As transformacións económico-sociais producidas pola Revolución Industrial.
* A difusión da filosofía positivista que defende a experiencia e a observación como única fonte de coñecemento; influirá decisivamente nos avances científicos.
* O novo sentido práctico da vida.
* O cansazo provocado polas esaxeracións románticas.

Fronte ao exaltado idealismo romántico os artistas defenden á realidade concreta como auténtico fundamento da arte.

Os artistas toman conciencia dos problemas que afectan as clases obreiras: a pintura cárgase de contido social.

O carácter polémico e de crítica social de moitas destas pinturas fai que os artistas se aparten da chamado arte oficial propugnado polas Academias.

Desde o punto de vista técnico, o realismo non introduce novidades senón que revitaliza a técnica dos grandes mestres barrocos, especialmente dos españois. O realismo barroco, en canto ao estudo da luz e das calidades, volve ter vixencia.

A pincelada é firme, o contorno preciso.

O seu desenvolvemento está intimamente unido ao desenvolvemento do socialismo en política e do naturalismo en literatura.

Reacciona contra os grandes temas mitológicos, históricos, relixiosos, heroicos, que foran tratados con apasionamiento no romanticismo.

Utilízanse novos temas, especialmente os que se refiren aos problemas da sociedade contemporánea co que a pintura adquire, en moitas ocasións, un carácter de denuncia político-social.

Os personaxes son tomados preferentemente das clases sociais menos favorecidas: campesiños, obreiros, emigrantes; é o mundo do traballo en toda a súa miseria.

Os temas tradicionais son tratados con todo realismo e obxectividade: paisaxes tomadas do natural, feitos históricos do pasado ou contemporáneos.

A súa preocupación polo enfoque real dos temas vese favorecida pola aparición da fotografía.

JEAN FRANÇOIS MILLET (1814-1875). Pintor da vida rural, reflicte a existencia dura e difícil do campesiño. A súa pintura posúe un fondo sentimento relixioso e conxuga poesía con sentido social.

Realizou magníficos estudos do ambiente e da luz do campo preparando o camiño do impresionismo. Adscribiuse á Escola de Barbizón pero dá máis importancia á figura humana que á paisaxe.

Horizontes amplos, cores terrosos: o conxunto parece aumentar a sensación de fatiga e resignación que manifestan as obras. Ex.: O ahechador. O ángelus. As espigadoras. (1848). A pastora.

GUSTAVE COURBET (1819-1877). Principal representante do realismo, do que tamén foi un teórico, e un dos máis destacados pintores europeos do século XVIII.

A súa vida artística sempre estivo mesturada coa política: concibe os cadros como manifestos de carácter político-social.

Pinta a base de grandes manchas con grosos toques de negro. Realizou estudos sobre os efectos da luz e os reflexos nas paisaxes: é considerado como precedente de MANET e os impresionistas.

Gran variedade temática: destacan os de carácter socializante e crítico pero, segundo algúns críticos, as súas mellores obras son aquelas en as que pinta a natureza.

Ex.: Enterro en Ornans. Bos días, Sr. Courbet (O encontro). (1854). O taller do pintor. Mozos ao bordo do Sena. Os picapedreros.

HONORÉ DAUMIER (1808-1879). Para el a pintura ten unha intencionalidade político-social de carácter crítico e satírico.

Os temas, frecuentemente, son de tipo costumista reflectindo tanto o aspecto de marxinación como o da revolta social.

Os seus cadros caracterízanse polo debuxo incisivo e vigoroso: as figuras están trazadas a base de perfís sinuosos e cortantes, con aspecto caricaturesco, de gran expresividade.

O seu profundo realismo coincide cuns fortes xogos de luz e sombra o que lle converte nun predecesor do expresionismo. Ex.: O vagón de terceira. A revolta. A lavandeira.

EDUARD MANET (1832-1883). Formado no academicismo, evolucionou desde o realismo até o impresionismo polo que é considerado como un precedente deste movemento.

Interesouse pola pintura española, especialmente por Velázquez e Goya; tamén se interesou pola pintura xaponesa e o seu sentido da cor.

Tratou de unir a tradición clásica do Renacemento co Realismo: «O xantar na herba? , e «Olimpia» son interpretacións do «Concerto campestre» de Giorgione e de «Venus» de Tiziano, respectivamente, pero con novas formulacións estéticas.

A figura humana, de debuxo preciso e plano, é só o pretexto para os seus cadros pois o verdadeiro protagonista é a cor. Concibe as formas como masas de cor: grandes manchas de cores puras e planos, con violenta oposición de tons, aplicados con pinceladas soltas. Os cadros producen a impresión de abocetamiento.

O emprego de cores puras yuxtapuestos e a total falta de idealización fai que Manet rompa co tradicional.

Ex.: Xantar na herba. (1861). Olimpia. (1865). Bar de Folies-Bergere. As simpáticas do balcón. Fusilamento do emperador Maximiliano. Retrato de Zola.
A Irmandade Prerrafaelista.

Movemento místico-relixioso e pictórico, contemporáneo do realismo que xorde en Inglaterra cara a 1848 e cuxo principal teórico foi o crítico JOHN RUSKIN.

Defendían a volta a unha arte primitiva, sen convencionalismos, simple imitación da natureza, como o que realizaran os mestres italianos anteriores a Rafael.

Defenden tamén os valores relixiosos medievais en oposición á nova mentalidade xurdida coa aparición da sociedade industrial.

Para eles a pintura debe posuír un carácter transcendente, místico e relixioso, que eleve moralmente ao espectador: apártanse deste xeito da concepción que da pintura tiñan os seguidores da tendencia realista.

A súa técnica é minuciosa e detallista, subordinando a cor ao debuxo e á liña. Temas moi variados: paisaxes, retratos, relixiosos, asuntos medievais, etc.



FORD MADOX BROWN (1821-1893).

Realismo costumista.

MARIANO FORTUNY (1838-1874). Anticipa o impresionismo. Presenta trazo realistas pero tamén románticos. Practica unha técnica minuciosa e efectista.

Gran colorista: destaca na súa pintura a brillantez e luz da cor, conseguindo efectos de luz case impresionistas na pintura ao aire libre.

Aplica a materia mediante pinceladas miúdas; ao final da súa vida predomina a luz e a cor aplicada a base de grandes manchas.

Dá unha visión poética e idealizada da realidade. Trata temas de historia, costumistas, retratos, etc., introducindo o elemento exótico.

Ex.: Batalla de Wad-Nivel. Batalla de Tetuán. Fantasía sobre Fausto. (1866). O afeccionado a estampas (1866). A Vigairía (1870). Vello espido ao sol. (1872).


CARLOS DE HAES (1829-1898). Introduce a paisaxe realista en España, evita os aspectos folclóricos e románticos.

AGUSTÍN RIACHO (1841-1929). É o pintor da paisaxe de Cantabria. A pesar da súa modernidade, aínda utiliza os tons escuros das sombras característicos dos pintores anteriores ao impresionismo.

CASIMIRO SAINZ (1853-1898).

Pintores de historia.

Os temas de historia son os máis representativos do realismo español. Cadros de grandes proporcións con numerosas figuras e excesivos detalles secundarios que chegan, en ocasións, a desvirtuar o asunto principal.

Interesa máis a representación do tema que a calidade artística: gran erudición e documentación na preparación e ambientación do tema polo que o cadro de historia perde a exaltación e o idealismo do, romanticismo.

EDUARDO ROSALES (1836-1873). Sensación de atmosfera real nos seus cadros. Ex.: Testamento de Isabel a Católica.

FRANCISCO GRELLA (1841-1921). Ex.: Dª Juana a Tola.

JOSÉ CASADO DO ALISAL (1832-1886). Ex.: Rendición de Bailén.

Desenvólvese como movemento artístico no último cuarto do século XIX.

Coa súa aparición iníciase a chamada «arte moderna»: a partir del as tendencias artísticas ou «ismos» sucédense cunha gran rapidez. Quizá una das principais achegas do impresionismo radica na dinámica de cambio e renovación que imprime na arte occidental.

A partir del fálase de «ismos» e non de estilos. A diferenza entre ambos estriba en que os estilos xorden como expresión dunha cultura, mentres que o «ismo» é o resultado dunha vontade expresamente orientada cara a unha finalidade.

Do mesmo xeito que o realismo baseábase no positivismo de Comte, o impresionismo faio na teoría das sensacións de Locke: a sensación é a fonte do noso coñecemento. A sensación alimenta a vista que é a porta da nosa experiencia. Por iso é polo que se desdeñe a forma; todo debe partir do que o ollo ve e sen ningún tipo de prevención.

Xorde en 1874 na Exposición de Artistas Novos da Galería Nadar. Entre os cadros expostos había un, debido a MONET, titulado «l’Impresión, sol nacente». O cadro foi duramente criticado polo crítico LEROY e mesmo, foi o mesmo critico o que peyorativamente cualificou co nome de «impresionistas» a estes pintores; o grupo rexeitou nun primeiro momento o nome porque preferían chamarse ?independentes».

A última exposición como , grupo impresionista» celébrase no ano 1886.

A sensibilidade social foi remisa a este tipo de pintura que durante moito tempo tivo que soportar as críticas máis adversas. Xorde como rexeitamento da pintura academicista e de estudo de carácter clasicista.

Este movemento pictórico non tivo unha gran cohesión como grupo. Compartían uns intereses pictóricos e estéticos pero faltábanlles uns manifestos teóricos e mesmo unha liña de acción unitaria.

Antecedentes inmediatos foron:

* A tradición lumínica española: Velázquez e Goya.
* Os paisajistas románticos ingleses: Constable e Turner.
* Os paisajistas franceses do século XIX ou pintores da natureza: Corot, escola de Barbizón, MILLET, Courbet e especialmente Manet.


Antecedentes do Impresionismo.

* 1863: Manet presenta ao Salón o cadro «O xantar na herba» que supón unha total innovación estética e técnica. Napoleón III consente na creación dun «Salón de Rexeitados» onde poderán expor todos os pintores non admitidos no «Salón» e que representan o enfrontamento co academicismo.
* 1870: Ante a guerra franco-prusiana moitos pintores, entre eles Pisarro e Monet, van a Inglaterra onde entran en contacto cos paisajistas ingleses. Alí tamén coñecen ao que sería o seu principal marchante e mecenas, Paul DURAND-RUEL.


* 1874: Exposición colectiva duramente criticada por Leroy na revista «Lle Charivari».
* 1876-1886: Celébranse novas exposicións pero xorden disensións no grupo.

Desenvólvense novos movementos que completan ou rexeitan as ideas do impresionismo:

* O neoimpresionismo ou puntillismo.
* O Postimpresionismo: introducir tales modificacións que poden ser considerado como o punto de partida da pintura do século XX.


Principio básico: a realidade que captamos non é única senón múltiple; non é permanente senón cambiante. A realidade é a aparencia das cousas no momento de ser contempladas.

Algúns dos factores que inflúen no seu desenvolvemento son:

* Descubrimento da fotografía: composicións con novos encadres (perspectivas cortadas, superación do concepto de punto de fuga único, etc.); o fotógrafo ten unha visión instantánea da realidade do mesmo xeito que o pintor, pero este busca o fugaz e o inacabada fronte ao detallismo do fotógrafo.
* As novas teorías científicas, especialmente as novas leis ópticas e da cor establecidas por CHEVREUL: este científico descubriu ?a lei de contrastes simultáneos» que xa fora advertida por Delacroix. A cor non depende exclusivamente del mesmo, senón dos outros cores que lle rodean, exaltándose ou amortecéndose con eles.
* Divulgación das estampas xaponesas, especialmente polo seu brillo e colorido e pola presentación de novos encadres.
* A teoría empírica da sensación como única fonte válida de coñecemento.
* A LUZ é a auténtica protagonista do cadro: os obxectos só ven na medida en que a luz incide sobre eles. Por iso prefírese a pintura ao aire libre xa que permite captar a visión momentánea e fugaz dos efectos producidos pola luz.
* Non existen formas nin cores permanentes senón formas e cores mudables en función da luz que reciban.
* Ao ser os cadros un simple efecto de luz, un mesmo tema pódese representar varias veces e sempre de forma distinta con tan só cambiar a luz (a súa intensidade, o seu ángulo de incidencia, etc.).
* En canto á COR, utilizan a técnica da división de cores, non mesturan as cores na paleta senón que os aplican no seu estado puro para que sexa a retina do espectador a que os mesture.
* As cores complementarias (violeta, verde e laranxa) conséguense pola combinación dos primarios (amarelo, vermello e azul).
* As cores aplícanse en pequenas pinceladas, curtas e yuxtapuestas.
* A gama de cores é moi reducida co que os cadros adquiren unha extraordinaria luminosidade e claridade.
* As cores refórzanse ademais mediante a aplicación da lei de contrastes simultáneos de Chevreul.
* Non empregan cores escuras; desaparecen as sombras negras que se reducen a espazos coloreados con cores complementarias. En consecuencia, desaparecen os contrastes de claroscuro e o debuxo suprímese ou queda reducido a trazos disoltos entre a cor.
* Para captar mellor as vibracións da atmosfera rehuyen calquera retoque das pinceladas e prefiren as manchas pastosas e grosas. Pinceladas soltas aplicadas con pincel, espátula, os dedos, co mesmo tubo; toques yuxtapuestos de cores claras que serán distintos en cada pintor: en forma de comas en Monet, netos en Cézanne, en puntos en Seurat e Signac, longos e llameantes en Van Goght.
* Temas: a pintura impresionista é puramente sensitiva, o tema é algo accesorio, serve só de soporte para a cor. Represéntanse paisaxes (tanto rurais como urbanos) escenas tomadas da vida bohemia e burguesa, retratos, rexeita a pintura histórica. mitológica ou relixiosa.


* Pódense considerar como tales todos os pintores preocupados pola luz: desde Velázquez e Goya até os paisajistas ingleses e franceses.
* O precedente máis inmediato é Manet.


É o movemento que reflicte na súa maior pureza as características anteriores. Pintan a luz ao aire libre.

CLAUDE MONET (1840-1926). Pinta a luz ao aire libre. É o autor máis representativo do impresionismo e o máis poético. Interesouse especialmente polos cambios de luz durante o día e polas variacións atmosféricas en xeral. Neste sentido realiza series sobre as «Ninfeas?, a «Catedral de Rouen».

Pinta, sobre todo, paisaxes, mariñas, escenas fluviais, etc. Ás veces pinta paisaxes urbanas para ver como son modificados pola industrialización (?I’Estación de Saint Lazare»).

A súa pintura baséase en pequenos e rápidos toques de cores puras que dan un aspecto inacabado ao cadro.

Ex.: Impresión, sol nacente (1874). Ponte de Argenteuil. Campo de mapoulas. Catedral de Rouen. (1894). Parlamento de Londres. Ninfeas. (1919).

CAMILLE PISARRO (1830-1903). Paisaxes rurais e urbanas a través dos cales busca a luz. Puntos de vista moi altos para conseguir unha maior sensación de espazo. A partir de 1886 evolucionou cara ao puntillismo.

Ex.: Tellados vermellos (1877). A dilixencia de Louvenciennes.

ALFRED SISLEY (1839-1899). É un impresionista puro, dotando aos seus cadros dun gran lirismo. Pinta preferentemente temas de neve e inundacións.

Ex.: Inundación en Port-Marly. (1886). Campo de trigo. (1873).

AUGUSTE RENOIR (1841-1919). Clásico dentro do impresionismo. A partir de 1883 volve dar importancia ao debuxo fronte á cor.

Utiliza preferentemente o tema dos xardíns para captar a luz, como chispazos centelleantes, segundo fíltrense os raios de sol a través das árbores. Centra a súa atención na figura humana, principalmente no espido feminino. Representa formas grosas e pouco elegantes que lembran a Rubens. Tamén realizou escenas da vida bohemia parisiense.

Outro trazo distintivo da súa pintura é o colorido voluptuoso, de tons puros, que lle converten nun precedente do «fauvismo» e das tendencias cromáticas do século XX.

Ex.: Lle Moulin da Galette. No xardín de Luxemburgo. O palco (1874). Muller ao sol.

EDGAR DEGAS (1834-1917). Recibiu unha formación académica polo que sempre deu importancia ao debuxo. Prefire a luz de interiores, a das candilejas especialmente. A súa preocupación é captar o movemento, un instante na acción: por iso é o pintor das bailarinas e das carreiras de cabalos. Consegue dar a sensación de fugacidade.

Non se limita ao mundo elegante do ballet senón que mostra os esforzos dos ensaios; pinta tamén o cansazo dos traballadores e mesmo escenas íntimas de mulleres pero tratadas de forma nova.

Estas escenas da vida cotiá poden ser cualificadas de ?l’expresionismo social?. Crea un tipo de primeiro plano no que se secciona a cabeza dun dos personaxes, o cal sitúa bruscamente ao espectador ante o cadro. É un recurso para desencadear a idea de proximidade que será aproveitado despois polo cinema.

Ex.: Os músicos da orquestra. Os bebedores de ajenjo. As planchadoras. Muller lavándose na tina. Lección de danza. Series de bailarinas. Carreiras de cabalos.

BERTHE MORISOT (1841-1895).

MARY CASSAT (1845-1926).

Tamén chamado impresionismo científico, divisionismo e puntillismo. Leva até as súas últimas consecuencias os principios científicos da pintura impresionista.

Técnica moi coidada aplicando a cor a base de pequenos toques, realmente puntos, que dan aos cadros a aparencia de mosaicos.

Oponse ao impresionismo pola súa preocupación polo volume e pola geometrización das formas. Composicións moi coidadas, claras e ordenadas.

A súa existencia foi efémera debido ao fatigoso da técnica e á falta de realidade da escena representada.

A minuciosidade da súa técnica influirá en artes posteriores como o constructivismo e as tendencias abstractas do século XX.

Este estilo estendeuse fóra de Francia, por Italia e Bélxica. En Italia, influirá decisivamente na técnica do futurismo. En Bélxica influirá na formación do Art Nouveau. Mais tarde, con ODILON REDON, dará lugar ao grupo dos NABIS, os profetas.

GEORGES SEURAT (1859-1891). Creador da técnica puntillista: pretende que a forma recobre o valor que perdera cos impresionistas.

Composicións claras e monumentais, baseando a beleza nas proporcións matemáticas e na estrutura racional do cadro.

Os seus cadros distínguense polo contraste entrei a superficie vibrante da tea, chea de puntos románticos, e a estrutura xeométrica, case cobista e as figuras e masas representadas.

Ex.: Bañistas en Asniéres. Domingo na illa da Grande Jatte (1886).

PAUL SIGNAC (1863-1935). Discípulo de Seurat e teórico do movemento. Interpreta subjetivamente as cores. Ao final da súa vida deixou de empregar os tons puros. Tivo especial predilección polos temas mariños e polos de circo para captar o movemento.

Ex.: Porto de Marsella.

É un movemento vinculado nun principio ao impresionismo pero despois convértese nunha revisión das súas ideas. Reacciona contra o abandono da forma e do volume que o impresionismo practicara e quere recuperar o debuxo aínda que sen renunciar á cor.

Quere captar non soamente a luz senón tamén a expresividade das cousas e persoas iluminadas: buscan a análise daquilo sobre o que a luz incide. Coas súas achegas prepara o camiño para os movementos pictóricos do século XX.

PAUL CÉZANNE (1839-1906). Reacciona contra o impresionismo que practicara entre 1872 e 1882, revalorizando formásea estrutura, o volume do obxecto representado.

Utiliza os contrastes de cor para diferenciar as figuras e os planos. Emprega as sombras de ton violáceo renunciando ao negro e gris tradicionais. Dicía: «a liña non existe, un cadro non representa máis que cores».

Segundo el, baixo as aparencias dos obxectos subxacen formas xeométricas (esfera, cono, cilindro) que é onde, fundamentalmente, radica a beleza. Isto explica a aparencia xeométrico que presentan os corpos nos seus cadros. Para evitar que o obxecto se desdibuje recalca os perfís mediante unha forte liña escura.

Aplica a cor mediante fortes e grosas pinceladas, coma se fosen restregones; o debuxo é algo totalmente secundario, é a cor o que modela as figuras.

Temas: paisaxes, bodegóns, retratos, flores, etc. Non lle interesa o tema en si senón a esencia xeométrico do representado.

É precursor da pintura do século XX, especialmente do constructivismo e do cubismo. Poden distinguirse catro períodos na súa vida:

* Romántico: nos seus anos de mocidade, traballando na Académie Suisse, manifesta a influencia de Delacroix e de Courbet: ambientes sombríos, cores borrosas, formas monumentais e ondulantes.
* Impresionista: mediante a súa relación con Pisarro empeza a pintar ao aire libre e a súa pintura adquire unha maior luminosidade. Chega a expor cos impresionistas en 1874 e 1877 pero non se identifica plenamente con eles, xa que, segundo el, a luz cómese á forma, devora á cor».
* Construtivo: a partir de 1881 abandona a luz e utiliza á cor como construtor das formas. Inicia a geometrización e simplificación dos corpos.
* Sintético: por medio da simplificación xeométrico dos corpos e da aplicación da cor a base de pinceladas anchas consegue Cézanne a profundidade ou relación entre o obxecto, a súa contorna e o espazo, chegando deste xeito a conseguir a unidade total do cadro.

Ex.: Xogador de cartas. Bañistas. Paisaxe de L’Estaque. Bodegóns. Retratos.

PAUL GAUGUIN (1848-1903). A pintura para el é máis creación que representación. Elabora intelectualmente os datos da realidade.

A cor é a súa principal achega: emprega a cor para plasmar estados de ánimo. Son cores puras, planos, de tons vigorosos e intensos. A cor esténdese en grandes manchas encaixadas dentro das liñas do debuxo. A pintura lembra aos esmaltes ou as vidreiras. Son cores puras, arbitrarios, cun valor decorativo e simbólico. O efecto pictórico consistía, para el, na harmonía das manchas cromáticas.

Busca tamén os sentimentos a través da sinxeleza dos personaxes e das súas miradas conmovedoras. Renuncia á perspectiva: as cores puras acentúan o aspecto plano do cadro.

As composicións son moi coidadas, sinxelas e estáticas. Introduce o gusto polo exotismo a través da súa estancia na illa da Martinica (1887), na de Tahití (1891-1893, 1895-1901) e na illa de Dominica (1901-1903). Antecesor do fauvismo, expresionismo e simbolismo.

Ex.: Cristo amarelo. Visión despois do Sermón. (1882). Mulleres tahitianas.

VINCENT VAN GOGH (1853-1890). Holandés. Dedicouse á pintura nos últimos anos da súa vida, servíndolle como desafogo a un espírito atormentado que terminará conducíndolle ao suicidio.

Trazo fundamental: a expresión dos sentimentos mediante a cor e a deformación da realidade. Utiliza cores puras, vivos, fortes: vermello, azul, verde, amarelo (esta cor representaba para el ao sol, símbolo da divindade panteísta). Cores arbitrarias: non reproducen a realidade obxectiva senón que adquiren un valor simbólico.

Pinceladas fragmentadas, curtas e sinuosas que denuncian a súa angustia ante o mundo. Perfís curvilíneos, serpenteantes, flamígeros.

Temas moi variados: paisaxes, retratos,. Todos eles cunha forte carga de humanidade.

Arte subxectiva, independente da realidade sensorial. Quere buscar algo máis alá das aparencias xa que as cousas non só son cousas senón que expresan algo. Está considerado como antecesor do expresionismo e, en certa medida, do fauvismo.

Ex.: As botas vellas (antecedente do expresionismo). A habitación do pintor. (O cuarto amarelo). A cadeira. Noite estrelada. Os girasoles. O carteiro Roulin. Rama de almendro.

HENRI DE TOUSOUSE-LAUTREC (1864-1901). Os seus cadros caracterízanse polo debuxo coloreado e moi expresivo. Influenciado polas estampas xaponesas. Debuxo de trazos curtos, sinuosos, combinado con cores puras e brillantes. Pinceladas yuxtapuestas.

Temas: interésalle representar o movemento (danza, carreiras de cabalos), temas de expresionismo social (visión amarga e forte da vida); ambientes da vida bohemia parisiense (cabarets, teatro). Non se interesou pola paisaxe nin pola pintura ao aire libre.

Preocupación por captar a psicoloxía dos personaxes. Converteu aos carteis anunciadores de espectáculos en auténticas obras de arte.

Ex.: Lle Moulin Rouge. A Goulue (1891). Jane Avril.

Desenvólvese con certas diferenzas con respecto ao francés. A técnica de aplicar a cor a base de manchas anticípase con Rosales e Fortuny e algúns paisajistas, pero faltaba aínda a pintura ao aire libre.

IGNACIO PINAZO (1849-1916). Practicou un certo eclecticismo. Caracterízase por ser un gran colorista. Ex.: Lección de memoria.

DARÍO DE REGOYOS (1857-1913). Moi puntillista. Un dos poucos pintores españois que adoptou o puntillismo. Temas: paisaxes, fábricas, ferrocarrís. Algunhas das súas obras participan do expresionismo crítico.

Ex.: Pancorbo. O galiñeiro.

JOAQUÍN SOROLLA (1863-1923). Principal representante español do impresionismo. Parte de temas de carácter histórico e social para converterse no máximo defensor da pintura ao aire libre. É, sobre todo, o pintor da luz levantina.

Con pinceladas longas consegue captar a luz vibrando nos corpos, nas superficies molladas, na auga. Utiliza cores moi claros aplicados a base de pinceladas longas e soltas. Mantén en moitos dos seus cadros un debuxo poderoso e afronta problemas de composición e movemento que preocuparon pouco en Francia.

Ex.: E aínda din que o peixe é caro! Nenos xogando na praia. Paseo na beira do mar. Tipos rexionais españois. Sociedade Hispánica. Nova York.

AURELIANO DE BERUETE. Paisaxes madrileñas.



Situación cronolóxica e espacial.

* Economía: influencia do desenvolvemento científico. crise do capitalismo liberal e avance do socialismo. crecente división entre os países desenvolvidos e subdesarrollados.
* Política: crise das democracias liberais en Europa: aparición de sistemas políticos autoritarios e totalitarios. aparición dun sistema político oposto ao liberal: o socialista. paulatina perda da hexemonía europea debilitada polas guerras mundiais e pola descolonización.

formación dun sistema bipolar: dous bloques, capitalista e socialista, enfrontados no político, económico e social.

alteracións que provocan a formación dun novo mapa europeo.

* Sociedade: gran conflitividade social no primeiros trinta anos debido á crise económica do capitalismo liberal.

estabilidade social despois da Segunda Guerra Mundial, grazas ao desenvolvemento económico destes anos.

reflexo na sociedade da crise dos valores tradicionais a partir dos anos sesenta, adquiren gran importancia sectores até entón moi marxinados: mulleres, mocidade, etc.

* Cultura: grandes avances científicos que repercuten en todos os aspectos da vida.

grandes e rápidos cambios ideolóxicos que transforman aos valores tradicionais.

Entre o século XIX e o século XX non existe un corte ríxido senón que están intimamente ligados e os cambios iniciados a partir de 1880 configuran e determinan ao desenvolvemento artístico do século XX.

O século XX caracterízase polo fin da unidade artística: xa non se suceden os estilos senón que conviven nun mesmo período concepcións artísticas moi distintas. Isto dá á arte contemporánea un carácter de variedade e complexidade extraordinarias.

Prodúcese un rápido e intenso desenvolvemento da fotografía e o cinema, este desenvolvemento débese, en parte, a que son. máis facilmente comprensibles polas grandes multitudes que as innovacións producidas polas artes plásticas actuais.

O uso masivo e indiscriminado de todo tipo de materiais: algúns xa se usaban anteriormente (ferro, vidro), outros son proporcionados pola industrialización (cemento, aceiro, plásticos), pero, ademais, úsanse tamén materiais aos que até agora nunca se lles recoñeceron valores estéticos (papel, tea).

Grazas ao Imperialismo e aos novos medios de comunicación prodúcese un forte contacto con outras culturas e os seus consecuentes sistemas expresivos.

Tendencia á internacionalización da arte: as escolas nacionais perden aos poucos a súa razón de existir.

Fronte á sensación de confianza e fe no progreso anunciada no século XIX, alzáronse, xa a principios do século XX, as voces de persoas como NIETZCHE, EINSTEIN ou FREUD que anuncian o fin desa confianza e do racionalismo e homoxeneidade do ser humano. A arte do século XX reflicte esta nova situación.


A arquitectura modernista preparou o camiño para a aparición dunha nova linguaxe arquitectónica. Prodúcese a ruptura definitiva coa arquitectura historicista de ascendencia clásica (salvo algunhas excepcións) e condénase o eclecticismo arquitectónico.

Nos séculos anteriores, ao arquitecto centrara a súa atención e interese nos exteriores, na ornamentación, agora toma conciencia de que debe desenvolver unha nova arquitectura que estea en consonancia coas novas necesidades do home e que dea resposta aos problemas expostos polo desenvolvemento da moderna sociedade industrial.

Era evidente que os estilos tradicionais resultaban inadecuados para a construción dos novos tipos de edificios: aeroportos, estacións de ferrocarril, rañaceos, fábricas, etc. De aí a necesidade de buscar unha nova linguaxe arquitectónica, aínda que este non se fará realmente notorio até a segunda década do século XX.

O tratamento do espazo interior e a funcionalidade determinaron a nova estética arquitectónica: a beleza do edificio non radica na ornamentación senón en que sexa apto para a función á que está destinado.

Existe unha intima vinculación entre arquitectura, enxeñaría e urbanismo.

Manéxanse os volumes e os espazos con criterios completamente novos, influídos tamén polos novos materiais cos que se traballa.

Materiais: ferro, formigón armado, aceiro, cristal, plásticos.

A estética arquitectónica do século XX móvese entre dous polos: a procura da simplicidade dos volumes e a articulación coa natureza. Aínda que non se negan as grandes achegas da arquitectura moderna, algúns críticos consideran que adoece dunha monotonía exasperante até tal punto que conseguiu que calquera cidade do mundo teña o mesmo aspecto que as demais, eliminándose as características propias.

Até a década dos anos vinte, a principal influencia sobre a arquitectura é a exercida por algúns dos «ismos» ou movementos estéticos de vangarda xurdidos a partir do Impresionismo: Cubismo, Futurismo, Expresionismo, Constructivismo que defenden a simplificación estrutural decorativa, o gusto polas liñas ortogonales, a utilización dos novos materiais sen encubrilos, etc. Ponse as bases do novo Racionalismo.

Prodúcese unha forte reacción contra o decorativismo do Modernismo e contra o Eclecticismo. Deféndese unha arquitectura de espírito xeométrico, baseada na claridade e na coherencia estrutural.

Os edificios empezan a ser expresión dunha arquitectura de índole práctica e utilitaria. Proliferan as construcións en ferro e formigón armado.

Peter BEHRENS (1868-1940). Combina o racionalismo (geometrismo) co expresionismo do material construtivo (uso do ladrillo visto). Iniciouse no Modernismo pero abandonouno rexeitando o seu decorativismo. Realiza edificios de carácter industrial utilizando preferentemente o ferro e o cemento.

Ex.: Fábrica de turbinas AEG.

Adolf LOOS (1870-1933). Rexeita o modernismo e o eclecticismo anticipando o racionalismo: practica unha arquitectura concisa e simple, limitada aos elementos construtivos, de formas claras e distintivas. Pola simplificación decorativa e estrutural relaciónaselle co cubismo.

Ex.: Casa na Michaelerplatz. Viena.

Tony GARNIER (1869-1948). Destaca, aínda no século XIX, polo estudo que realiza da chamada «Cidade Industrial?: é un proxecto racionalista e funcional que reúne os caracteres precursores da urbanística moderna e anticipa a idea de que unha construción debe estar en función do adecuado marco urbano.

Propuxo a utilización do formigón armado para a construción de todo tipo de edificios.

Augusto PERRET (1874-1954). Difundiu o uso de estruturas de formigón armado na construción de edificios para vivendas, non só como auxiliar construtivo senón como parte integrante e expresiva da linguaxe arquitectónica.

Ex.: Casa da rúa Franklin. París. Igrexa de Lle Raincy.

Erich MENDELSON (1887-1953). Representante da influencia expresionista: quere mostrar o que é o edificio, ensinalo, sacando todo o partido posible dos materiais (ferro, cristal, etc.). Empregou con orixinalidade os novos métodos de construción ofrecidos polo aceiro e o formigón.

Nos edificios para almacéns impuxo un tipo de fachada a base de grandes fajas horizontais de xanelas corridas que foi moi imitada nos anos posteriores.

Ex.: Einstein Tower. Postdam. (1921). Almacéns Schocken. Stuttgart.

Desígnase como funcional, en xeral, á arte que manifesta un interese específico polo uso ao que se destinan as construcións.

O funcionalismo xorde e desenvólvese entre 1920 e 1930, consideraba a forma e estructuración dos elementos arquitectónicos, así como o material e a elaboración de mobles, como expresión da utilidade práctica e da construción técnico-matemática.

Coincide co Neoplasticismo no afán de combinar espazos cadrados e rectangulares, coincide co Cubismo porque ambos tentan representar aos obxectos desde varios ángulos de forma simultánea: tratan de obter a simultaneidade dos volumes.

As formas verticais altérnanse coas horizontais, abandónase o concepto de fachada principal, todos os planos importan. O seu afán de espazo interior reflíctese nas cristaleiras: o cristal foi o gran asociado do racionalismo.

Na arquitectura racional está presente o humanismo: o home e o seu benestar son o motor das ideas arquitectónicas.

Como principio básico adóptase a afirmación de L. SULLIVAN (Escola de Chicago): «A forma segue á función». Para o Racionalismo a beleza dun edificio radica na súa funcionalidade e no emprego apropiado e eficaz dos materiais utilizados na súa construción.

* Predominio das liñas rectas e dos volumes elementais.
* Conxuntos asimétricos.
* Estruturas vistas.
* Materiais: ferro, formigón armado, vidro, incorpora materiais novos como o aluminio, os plásticos, etc.
* Nos edificios o muro deixa de ser elemento de soporte, os teitos son baixos, as xanelas apaisadas, horizontais, empréganse azoteas no canto de tellados, os interiores aparecen pintados de branco.

LLE CORBUSIER (1887-1965). Carlos Eduardo JEANNERET, suízo afincado e nacionalizado en Francia.

É o arquitecto contemporáneo máis internacional: existen obras súas en Francia, Estados Unidos, Brasil, lndia, etc., e o que máis influíu na arquitectura moderna.

Foi un gran teórico difundindo as súas ideas e proxectos mediante artigos e manifestos, o que contribuíu á divulgación dos principios da arquitectura racionalista.

Investigou novas solucións: idea súa foi o «rompesol» (brise-soleil), lámina que permite a entrada da luz pero non do raio solar.

Principios básicos:

* o volume simple é o elemento arquitectónico primordial.
* construción dos edificios sobre «pilotis» (pilotes), quedando deste xeito o chan libre e podendo ser utilizado pola comunidade.
* planta libre: cada piso pode ser distribuído independentemente do superior e do inferior.
* fachada libre: pode deseñarse en función das necesidades de cada piso ao non estar suxeita a unha ordenación regular imposta polos muros de carga.
* uso de xanelas apaisadas continuasen desenvolvemento horizontal, maior iluminación.
* terrazas en lugar de azoteas: alí sitúanse solarios, pistas de tenis, piscinas, xardíns.

O seu obxectivo é tomar ao home como medida de todos os obxectos, inclusive das vivendas. Por isto escribe a súa obra «O Modulor».

Considera que a vivenda é unha «máquina de habitar», elimínase todo o superfluo e auméntase ao máximo a comodidade, condición necesaria para unha existencia adecuada do home.

Crea a chamada «unidade de habitación», especie de rañaceos pero con desenvolvemento horizontal. A finalidade destes bloques é crear unha sensación de comunidade e cooperación fronte ao illamento da cidade. Ausencia de decoración. Interesouse polos problemas urbanísticos.

Ex.: Vila Saboya. Poissy. (1929). Palacio dos Sindicatos. Moscova. Igrexa de Romchamp. (1925). Construcións en Chandigarh. India. (1950). Unidade de habitación. Marsella. (1946). Ministerio de Educación. Río de Janeiro.


A Bauhaus ou «Casa da Construción» foi unha escola alemá fundada en 1919 por Walter GROPIUS. A súa primeira sede estivo en WEIMAR, trasladándose en 1925 a Dessau.

Ante a persecución nazi moitos dos arquitectos alemáns e profesores da Bauhaus emigraron a EE.UU., que se converte así na primeira potencia na arquitectura moderna.

A Bauhaus é unha escola de carácter democrático baseada no principio da colaboración. Non era só unha escola de arquitectura senón que integraba todas as artes e revalorizaba a artesanía. Traballaron nela profesores como KANDINSKY e Paul KLEE.

Para os membros da Bauhaus tamén os obxectos utilitarios producidos pola maquinaria debían estar dotados de valor estético, dando así unha nova importancia aos obxectos feitos en serie. Deseñaron mobles, lámpadas, tapicerías, cadeiras, carteis e letras de tipografía, etc. Exerceu unha gran influencia no deseño industrial.

Todos estes deseños non eran só estudos teóricos senón que os alumnos levábanos á práctica, con iso pretendan demostrar a relación entre arte e técnica e entre arte e industria.

No que respecta á arquitectura difundiron as seguintes ideas:

* todo o edificio debía ser deseñado de acordo cuns principios estritamente racionais.
* rompe co principio de fachada única.
* prescinde das cornixas: substitúe os tellados por azoteas.
* alterna planos macizos con grandes ventás.
* propugna a construción de vivendas standard a base de elementos prefabricados. a decoración, a luz, o mobiliario, etc., tamén deben realizarse de acordo con principios racionais.

Dentro da Bauhaus destacan Walter GROPIUS e Mies Van Der ROHE.

WALTER GROPIUS (1883-1969). Fundador da Bauhaus e iniciador da arquitectura racionalista. idea fundamental: conxugar simplicidade, geometrismo e funcionalismo, concedeu gran importancia aos espazos interiores.

Deu gran importancia á construción de vivendas con materiais prefabricados. Introduciu o uso da carpintaría metálica para as cristaleiras en substitución da madeira.

Prefire as fachadas a base de ferro e vidro, transparentes, e isto é posible ao deixar de ser os muros os elementos de sostén. Coa chegada do nazismo trasladouse a EE.UU..

Ex.: oficinas Fagus. (1911-1914). Edificio Siemenstadt. Edificio Bauhaus. Dessau. (1926).

Ludwig MIES Van Der ROHE. (1886-1969). Substituíu a Gropius na dirección da Bauhaus.

É o gran impulsor da arquitectura racionalista e un dos grandes mestres da arquitectura da primeira metade do século XX. Afirmou que a estrutura é a esencia da arquitectura, rexeita a decoración.

Interesouse polos materiais construtivos como elemento expresivo, aceiro, mármores, pedra, vidro, etc., que deben ser utilizados no seu máis absoluta nudez e pureza.

Os seus edificios caracterízanse polo predominio das liñas horizontais e as longas ventás. Os seus espazos non son nunca pechados, son espazos abertos que se perden nos xardíns: isto é debido á influencia do grupo abstracto DE STIJL.

Perseguido polos nazis, refúxiase en 1937 en EE.UU..

Ex.: Casa Lange. Pavillón alemán. Exposición Internacional de Barcelona. (1929). Rañaceos. Chicago. Seagram Building. Nova York. (1956).

Esta arquitectura, tamén chamada «racionalismo orgánico?, ou «organicismo?, xorde en EE.UU. cara a 1940 cando se produce unha crise do Racionalismo, aínda que acepta moitas das solucións técnicas achegadas por este.

O nome foi acuñado por Lloyd WRIGHT. Fronte ao racionalismo da Bauhaus, os organicistas defenden que todo o que o home faga ten que entenderse non como un desafío á Natureza, senón como unha emanación dela.

Os seus materiais deben ser naturais: arxila, madeira, pedra, etc. e manter sempre a súa relación e semellanzas coa natureza.

As formas perden o geometrismo anterior, deben responder as formas naturais.

A arquitectura orgánica toma ao home como referencia constante: non como medida senón nun sentido máis individual. O arquitecto debe ter en conta a acústica, a harmonía das cores, o medio ambiente, etc., todo acuello que faga que o home se atope a gusto no interior do edificio.

O edificio debe crecer de dentro cara a fóra e estenderse de acordo coas necesidades do que o habita. É unha concepción totalmente distinta ás do paralelepípedo subdividido interiormente de Lle Corbusier.

O organicismo persegue lograr unha harmonía entre o home, o ambiente e o edificio.

Frank LLOYD WRIGHT (1869-1959). Formado na Escola de Chicago, reaccionou contra a arquitectura racional-funcionalista fundando o movemento organicista.

Humanizou a arquitectura póndoa ao servizo do home: sempre, tivo presentes as características do home ou do grupo de homes a quen ía destinado o edificio. Na década dos anos vinte, nunha viaxe a Xapón, recibe influencias da arquitectura tradicional xaponesa.

Desenvolve unha arquitectura adaptada ao ambiente que rodea a construción xa que esta atópase insere na natureza: o edificio ha de nacer a partir do chan en que se alza.

É tamén o arquitecto dos espazos interiores: deben ser amplos e continuos. Neles deixa os materiais no seu estado natural.

Ex.: Casa, da fervenza. (Casa Kaufmann). Pensilvania. (1936-1937). Fábrica Johnson Wax. Guggenhein Museum. Nova York. (1959). Casa Willitts. Illinois. (1902) .

Alvar AALTO. (1898-1976). Finlandés, influenciado por Wright, polo medio ambiente da súa patria e polas formas populares tradicionais da arquitectura rural finlandesa. O seu interese está dirixido ao interior, non ao efecto plástico exterior.

Emprega con frecuencia a madeira e os materiais máis elementais (cal, ladrillo, etc.) dotando ás casas de exóticos tellados.

Ex.: Sanatorio de Paimio. Centro cultural de Wolfsborg. Concello de Sáynátsalo. Finlandia. (1950).

A actividade urbanística é a preocupación máis importante dos gobernos dos diferentes países pola necesidade de reconstruír cidades enteiras despois da Segunda Guerra mundial.

Uniformización das correntes arquitectónicas polo exilio de moitos dos arquitectos europeos por mor das grandes alteracións políticas e ideolóxicas.

Traballan aquí os grandes arquitectos europeos F. Lloyd Wright, W. Gropius e M. Van der Rohe.

Richard J. Neutra (1892-1971). Ex.: Casa Lovell. Los Ángeles. (1927).

Continua o labor de Lle Corbusier que alcanza cada vez maior difusión grazas aos Congresos Internacionais de Arquitectura Moderna (CIAM).
Alemaña e Italia.

Supeditan a arquitectura moderna á necesidade de reconstruír as cidades.

Desenvolve un forte racionalismo, continuador do Neoplasticismo anterior.

Incorpóranse elementos tradicionais como os revestimentos cerámicas.

COSTA e NIEMEYER. Ex.: Proxectos para a cidade de Brasília (1917).

A. E. REIDY. Ex.: Conxunto residencial de Pedreglho. Río de Janeiro. (1950-1952).

Se continua a investigación de novos materiais máis lixeiros e isotérmicos, de sistemas de prefabricación de elementos, de grandes estruturas para cubertas.

Preséntanse unha serie de modalidades:

* Novo brutalismo.

Revaloriza o material bruto en se mesmo, sen manipulacións nin enmascaramientos.

Austeridade, afán de mostrar as estruturas.

Ex.: Escola de Hunstanton. Norfolk. ALISON e P. SMITHSON.

* Arquitectura Pop.

Construcións modestas sen formulacións políticas.

Destinadas ao consumo popular: edificios-anuncio.

* Opción estrutural.

Preténdense cubrir grandes espazos aproveitando as novas tecnoloxías.

Entre os logros técnicos máis importantes están as xigantescas cubertas en forma de cúpulas geodésicas e as estruturas celulares poligonales nas que a resistencia é máxima e o peso é mínimo.

Outras experiencias buscan a arquitectura móbil a base de módulos que o individuo pode orientar como queira.

* Ex.: Palacio dos Deportes. Méjico. Félix CANDEA.
* igrexa da nosa Señora dos Milagres. Méjico. Félix CANDEA.
* Palacio dos Deportes. Roma. Pier Luigi NERVI.
* Sala de Audiencias «Pablo VIN?. Vaticano. Pier Luigi NERVI.
* Estación terminal de autobuses. Nova York. Pier Luigi NERVI.
* Pavillón alemán. Exposición de Montreal. (1967). Otto FREI.
* Estadio olímpico. Munich. (1972). BERNISCH e PARTNER.
* Pavillón norteamericano. Exposición de Montreal. BUCY-MINSIER FULLER.

A partir dos anos setenta todo pódese reducir a dúas grandes tendencias:

* Neorracionalismo.

Trata de ordenar con lóxica e disciplina o quefacer arquitectónico.

* Arquitectura postmoderna.

É unha recuperación do símbolo en arquitectura a partir dun certo eclecticismo.

Até a Primeira Guerra Mundial.

Mantense o historicismo e eclecticismo do século anterior: neoplateresco, neomudéjar, neobarroco, modernismo.

Imponse unha arquitectura nacionalista de carácter monumental que centra a súa atención no ornamental.

Antonio PALACIOS (1876-1945). Ex.: Palacio de Comunicacións. Madrid. Edificio do Banco Central. Madrid.

Teodoro ANASAGASTI (1880-1938). Ex.: Monumental Cinema. Madrid.

Desde 1915 até 1936

Prodúcese un rexeitamento, por parte dos grupos máis avanzados, das tradicións historicistas e rexionalistas.

Chegan a España os primeiros ecos da arquitectura racionalista, impulsada principalmente polo GATEPAC (Grupo de Arquitectos e Técnicos Españois para a Arquitectura Contemporánea), fundado en 1930 e cuxo antecedente foi o GATCPAC catalán (1928) creado por José Luís SERT.

A obra máis ambiciosa deste momento é o proxecto da Cidade Universitaria de Madrid no que participaron varios arquitectos dirixidos por:

Modesto LÓPEZ OTERO (1885-1962). Ex.: Casa das Flores. Madrid. (1930). ZUAZO.

Novos Ministerios. Madrid. Hipódromo da Zarzuela. Madrid. (1935) Eduardo TORROJA.

Colonia do Viso. Madrid. Hospital Clínico. Madrid. Dispensario Central Antituberculoso. Barcelona. (1943-1936). José Luís SERT. Pavillón Español. Exposición de París. (1937). José Luís SERT.

Desde 1936 até a década dos 50

Como consecuencia da guerra civil instálase en España unha arquitectura dirixida de cuño estatal. Problemas derivados do illamento internacional.

Son rexeitados os intentos renovadores de tendencia racionalista e tómase o estilo herreriano-escurialense como expresión do nacionalismo do novo Estado.

Non faltaron arquitectos que seguiron traballando, dentro da escasa marxe que lles permitía a Administración, inspirados no espírito racionalista.

Ex.: Ministerio do Aire. Madrid. (1943-1951). L. Gutiérrez Soto. Universidade Laboral. Xixón. (1945-1956). L. Moya.

Basílica do Val dos Caídos. Madrid. (1940). Méndez e Muguruza. Edificio de Sindicatos. Madrid. (1949). Cabrero e Aburto.

A partir da década dos anos 50

Paralelamente a unha mala planificación urbanística, constrúense edificios acordes coas grandes correntes internacionais.

Ex.: Igrexa dos Dominicos, Alcobendas. Miguel FISAC. (1960).

Edificio Torres Brancas e Edificio BBV Castelá. Madrid. SAENZ DE OIZA

Igrexa de Guadalupe. Madrid. Félix CANDEA.

Torres de Colón. Madrid.

Os seus problemas, xa antigos, agudízanse cando xorden as dificultades de habitabilidade das cidades do século XIX.

A poboación das cidades creceu tan rapidamente que estas se alagaron dun modo anárquico, sen que importasen as condicións de vida dos antigos e dos novos cidadáns.

Desenvólvense os SLUMS, barrios insalubres, casas sen aireación, onde o hacinamiento

é a característica máis específica, as casas distribúense nunha cuadrícula perfecta, simplemente por razóns económicas, é dicir, por un mellor aproveitamento do espazo.

A medida que avanza o século XX prodúcese o fenómeno contrario: o home tenta abandonar a cidade e marchar ao campo.

Xorden así tres tipos de cidades:

* Cidades antigas que creceron rápida e desmesuradamente: conservan a praza maior como centro do casco antigo rodeado polas novas edificacións. Ex.: París, Barcelona, Madrid, Londres.
* Cidades antigas que non son modificadas apenas pola industrialización. Ex.: Salamanca, Toledo.
* Cidades de nova traza, tanto de tipo administrativo como comercial ou industrial, con máis dificultade poderíanse incluír aquí as «cidades dormitorios» ou «os complexos urbanísticos de descanso».

As solucións para evitar os problemas do hacinamiento e insalubridad, que á súa vez podían ser causa de conflitos políticos ou sociais graves, foron buscadas polos estadistas desde mediados do século XIX aínda que con diferente éxito. Aínda hoxe, sociólogos e ecoloxistas séguenas buscando para evitar o desastre e a autodestrución.


Ruskin, Owen e Engels defenderon o principio da cidade como algo orientado á Natureza como reacción contra o maquinismo e a concentración urbana.

Dobre obxectivo: manter o equilibrio psicolóxico dos habitantes e evitar o abandono do campo. Salvar a cidade e o campo simultaneamente.

Cidades pequenas percorridas por unha rúa de pouco tráfico e rodeadas polas grandes vías de comunicación que relacionan a unhas cidades con outras e a todas coa central.

A solución da cidade-xardín foi superada pronto polo racionalismo do século XX. Baseada nas teorías de HOWARD.


Achega do español Arturo SORIA. Eixo central longitudinal ao redor do cal se aliñan as casas e que serve de medio de comunicación.

Este tipo de construción determinaba o sentido no que ía crecer a cidade e evitaba o illamento con respecto ao campo. Válido para un número limitado de habitantes.

Ex.: Cidade lineal. Madrid.


É o máis simple e eficaz dos sistemas urbanísticos e o máis utilizado desde a antigüidade.

No século XIX combínase o sistema de cuadrícula coas grandes perspectivas teatrais do barroco: as grandes avenidas quedan pechadas por un gran monumento.

Tratouse de ver neste trazado un certo intento de funcionalidade: evitar disturbios, illar epidemias, dar máis realce aos desfiles militares.

Ex.: Barón HAUSSMAN: remodelación de París. Ildefonso PORCA: remodelación de Barcelona.


Xorde xa no século XX ante a urxencia de acomodar a cidade non só ao crecemento humano senón tamén ao dos medios de transporte.

Fíxase o concepto de urbanismo como proxección do concepto de arquitectura. Estes arquitectos-urbanistas racionalistas son eminentemente utópicos:

* dividen a cidade en dúas grandes zonas con funcións claramente diferenciadas e relacionadas polas convenientes vías de circulación.
* o sistema pódese considerar como modular: a cidade resulta facilmente ampliable.

Tony GARNIER. En 1901 deseña a «cidade industrial» na que xa aparece claramente a división da cidade segundo funcións: traballo, residencia, zona de recreo, vías de tráfico.

Anticipa solucións que despois achegará Lle Corbusier: casas sobre pilotes, ordenación rectangular, terrazas-xardín. Ex.: Zona industrial de Lyon.

Lle CORBUSIER. É o gran urbanista do racionalismo. Aplica ao urbanismo os seus principios arquitectónicos.

Defende a extensión vertical máis que a horizontal: colocando as casas sobre pilotes, o chan queda libre para trazar vías peonís, zonas de descanso.

Formula a teoría do «Sete V» (Sete Vías) a base de ordenar as vías de comunicación segundo a súa importancia e segundo a súa función con respecto á zona habitada.

A partir destas vías créase unha zona habitada, o «sector?, unicamente consagrado a vivendas pero cunha rúa comercial.

Defende a construción de «unidades de habitación».

Crea unha serie de proxectos: Plan Voisin (París), Buenos Aires, Sain-Die, Barcelona que non leva á práctica, outros se son realizados como a «Cidade Radiante» de sela e Chandigarh, capital de Punxab.

Estes proxectos cristalizan nun documento, a «Carta de Atenas?, publicada en 1941 como resultado dos estudos realizados polos CIAM (Congresos Internacionais de Arquitectura Moderna) a partir de 1933.

Os seus sucesores reducen o urbanismo racionalista a secos volumes illados, a vías de comunicación mal relacionadas.

Urbanismo orgánico.

Como reacción ao racionalismo deféndese a volta á natureza. Lloyd Wright resume as súas ideas no proxecto da cidade imaxinaria de Boadacre City. Propón en realidade unha reestruturación da antiga cidade-xardín.

Defende a vivenda unifamiliar fronte á «unidade de habitación» de Lle Corbusier. Busca unha cidade autosuficiente, con edificacións non moi altas separadas por zonas verdes, as vías de comunicación non están tan perfiladas como no sistema racionalista.

O resultado é unha cidade armoniosa pero utópica.

Solucións actuais.

Ante a necesidade de reconstruír novas cidades despois da Segunda Guerra mundial, téntanse conciliar os sistemas racionalistas e organicistas.

Os dous exemplos máis destacados neste sentido son a reconstrución de Londres por Abercrombie e Forshaw, E a construción de Brasília por Niemeyer e Costa.

En ambos os casos, grandes vías de comunicación dividen sen separalas zonas naturais e autónomas que á súa vez poden relacionarse co centro histórico, no caso de Londres, ou coa Praza do Tres Poderes en Brasília, na cal os edificios se conciben para dar a sensación de esculturas.

Séguense buscando novas solucións: a maior parte delas atopan como único medio para humanizar unhas cidades control do tráfico automobilístico. Así se fixo no centro de Róterdan, en Helsinqui, en Vallingby (cidade satélite de Estocolmo).

O gran problema para aplicar todas estas novas teorías urbanísticas é o dos intereses económicos, a especulación de terreos.

Caracteres xerais.

Do mesmo xeito que a pintura do século XX, tamén a escultura viuse afectada os principios teóricos dos novos ?ismos» e polo desexo de atopar novas fórmulas escultóricas superadoras dos principios formais vixentes da antigüidade.

Tamén a escultura manifesta cos seus cambios a evolución política, económica e social do século XX. Por unha vez prodúcese a perda do humanismo substituído polo afán tecnicista e experimental, por outra banda, xurdiu un forte individualismo que non só se aparta das normas tradicionais, senón tamén de todo aquilo que a súa poña relación cunha escola ou modo de facer determinado.

As características máis importantes desta escultura son:

* a procura das novas estruturas esenciais das figuras, humanas ou animais, despersonalizándolas para destacar a natureza do material.
* creación de novas formas para conseguir unha estrutura plástica case arquitectónica.
* experimentación co valor expresivo dos novos materiais: pedra, metal, plásticos, que algunhas veces chegan mesmo a combinarse.
* a gran importancia concedida ao espazo, ao baleiro.
* Os avances conseguidos fanse máis patentes se temos en conta que durante case dous milenios a escultura foi entendida como a arte de ocupar o espazo cun volume dun determinado material e como unha arte de ?imitación?. Agora concédese especial importancia ao baleiro e se despreocupan do modelo.
* Neste novo rumbo da escultura influíu decisivamente a arte negra africano e o das culturas oceánicas.

O panorama escultórico do século XX é moi complexo. Non resulta fácil o seu sistematización e tampouco é fácil clasificar a un artista dentro dunha determinada tendencia.

As innovacións plásticas do século XX son dunha audacia innegable. En síntese poderíanse resumir en varios principios:

* O oco: crea formas como o silencio na obra musical (Gargallo).
* A deformación: constitúe un recurso tradicional do artista co que se descobren novas posibilidades expresivas (Moore).
* A incorporación do espazo: a escultura fúndese co seu contorno (Pevsner).
* A abstracción: as formas sen apoio na realidade renovaron a linguaxe escultórica (Chillida).
* O movemento: unión da enerxía e a forma en esculturas-máquinas (Calder).


Primeiros anos do século XX.

Maniféstase a influencia de Rodin en numerosos escultores. Actitude conservadora e realista. Humanismo.

Antonio BOURDELLE (1861-1929). Francés. Discípulo de Rodin, mostrou gran interese pola escultura arcaica grega e a románica, a súa escultura é naturalista e clásica.

Caracterízase polo culto á forza: interese por representar o volume, de formas xeométricas e proporcionadas. Tema central: a figura humana.

Ex.: Hércules porteiro. Monumento ao Xeneral Alvear. Buenos Aires. Busto de Rodin.

Arístides MAILLOL (1861-1944). Francés. Móvese dentro da tradición clásica. Centra o seu interese nas formas puras, sen preocuparse por, os detalles e elementos accesorios.

Distínguese pola súa concepción do volume: simple, redondeado e de modelado liso para que resalte máis. Concepción arquitectónica do corpo humano, construíndo a figura segundo un esquema xeométrico.

Tema central: o espido feminino, robusto de formas opulentas, compactas e pesadas. Ex.: A noite. Venus do colar.

Manuel MARTÍNEZ HUGUÉ (1872-1945). Español. Rompeu coa escultura de aspecto hierático e fastuoso. As súas figuras son dun canon «rechoncho?, de pequeno tamaño, pero moi expresivas, de aspecto alegre e xuvenil.

Mateo FERNÁNDEZ (1885-1957). Español. Gran animalista: representa aos animais en repouso, con superficies brillantes e tersas.

José CLARA (1878-1957). Español. Representante do chamado estilo mediterráneo.

Evolucionou desde unha tendencia á estilización cara a un acentuado naturalismo, mostrando gran interese polo modelo real, aínda que representa unha «modernidade» dentro do seu clasicismo.

As súas esculturas caracterízanse polas formas estáticas e aplomadas, sabendo conxugar a beleza formal cun sentimento humano. Exalta o corpo feminino: aspecto robusto e san.

Ex.: Pomona. Mocidade.

José LLIMONA (1864-1934). Español. Distínguese polas formas concentradas e a forza expresiva. Tendencia á simplificación e á idealización.

Tema principal: espido feminino. Ex.: Desconsuelo.

Victorio MACHO (1887-1966). Español. Ex.: Monumento a Pérez Galdós. Monumento a Ramón e Cajal. Cristo do Otero. Palencia. Sepulcro de Menéndez Pelayo. Santander. Busto de Unamuno.

Mateo INURRIA (1869-1924). Español. Ex.: Estatua ecuestre do Gran Capitán.

Juan de ÁVALOS (1911- ) Español. Ex.: Estatuas do Val dos Caídos.


Centra o seu interese no contido espiritual do home: expresar os contidos anímicos máis profundos do ser humano como a traxedia, lle angustia a miseria. Deforma os corpos que deixan de ser masas pechadas e compactas.

Utilizan novos materiais: formigón, ferro, metais de refugallo.

Germaine RICHIER (1904-1959). Francesa, discípula de Bourdelle. Parte dun certo clasicismo cara a formas totalmente novas: figuras convulsionadas de membros moi alargados.

Alberto GIACOMETTI (1901-1966). Suízo, iniciado no naturalismo abandónao influenciado polas correntes de vangarda. As súas primeiras influencias foron do cubismo e da arte negro africano.

A súa obra de madurez caracterízase polo expresionismo. Deshumaniza as figuras: personaxes alargados, de aspecto torturado. Os corpos quedan reducidos a unha serie de ferros retortos. Desmaterializa o volume. Tema principal: o ser humano.

Ex.: Home andando. A muller culler (1928). Palacio ao catro da mañá. (1933).

Ernest BARLACH (1870-1938). Alemán. Quixo combinar estruturas cubistas cunha expresión dramática.

A súa arte vén definido polo emprego de fórmaa-cubo e a expresión de angustia, desesperanza e, en xeral, todo aquilo que poida transmitir un sentimento patético ao espectador.

Ex.: O terror. (1912). Os abandonados. (1913).

Abstracta figurativa.

Esta corrente se desentiende dos problemas espirituais centrando o interese no mundo das formas.


O movemento cubista, cos seus orzamentos teóricos, foi determinante básico na nova orientación da escultura. O cubismo apártase da estrita realidade figurativa reducíndoa a volumes xeométricos. O que lle interesa é a arquitectura plástica das formas.

Persegue a representación simultánea que dea perspectivas incrustando uns volumes noutros. Tamén se interesou polos baleiros ou espazos interiores.

Prestou especial atención aos materiais en canto confiren á obra unha calidade especial e unha significación determinada.

Do mesmo xeito que en pintura, introduciu os «collages» escultóricos. Foi practicado, nalgún momento, pola case totalidade dos escultores modernos.

Pablo PICASSO (1881-1973). Español. Busca a geometrización dos volumes. Evoluciona cara a novas fórmulas expresivas pero nunca abandona o cubismo.

Ex.: Cabeza de muller (1909). A copa de ajenjo (1914). cabra (1950).

Alejandro ARCHIPENKO (1887-1964). Ruso. Non se pode clasificar nunha tendencia determinada. A influencia cubista apréciase no geometrismo dalgunhas das súas formas nas que alternan curvas e triángulos.

Tende a combinar as formas cheas as baleiras. Interésase polos baleiros escavando o interior das esculturas e seccionándolas para que resulte visible o oco.

Foi o primeiro en desmantelar a forma compacta. Mestura a escultura e a pintura nalgunhas das súas obras. Inventou móbiles aos que chamou ?arquipinturas».

Ex.: Carrusel Pierrot (1913). Muller peiteándose (1915).

Jacques LIPCHITZ (1891-1973). Ruso. Sufriu unha gran evolución a largouno da súa vida. Adoptou do cubismo o seu geometrización e simplificación das formas reais, inventou a chamada ?escultura transparente» na que sobre todo contan os perfís e os seus superposiciones. Utilizou frecuentemente como material chapas de metal.

Ex.: Home con mandolina. (1917). Muller con guitarra (1927). Prometeo. (1936).

Raymond DUCHAMP VILLON (1876-1918). Francés. As súas primeiras obras manifestan a influencia de Rodin, posteriormente adhírese aos principios cubistas, especialmente ao grupo da «Section D?Or?.

Nalgunhas das súas obras consegue a síntese do movemento, do espazo e da forma, do orgánico e o mecanizado.

Ex.: Cabeza de Baudelaire. (1911).

Xullo GONZÁLEZ (1876-1942). Español, amigo persoal de Picasso. Introduciu a técnica do forxado, convertendo ao ferro, até entón desprezado, nun medio especificamente moderno de expresión.

Adheriuse ao cubismo pero posteriormente liberouse da súa influencia achegándose ao abstracto. Está considerado como un dos grandes escultores contemporáneos, orixe dunha nova concepción da escultura.

Ex.: muller peiteándose. (1932). Bailarina da paleta. (1933). Montserrat. (1938).

PABLO GARGALLO (1881-1934). Español.

Destaca, sobre todo, a súa escultura férrica. O seu estilo foi cada vez máis libre e expresivo aínda que menos abstracto que o de Xullo González. Gusta de representar os baleiros.

Ex.: Danzarina (1927). O profeta (1933).


Pode considerarse como unha variante do cubismo. Analiza os volumes, pero non nun sentido estático como o cubismo, senón nun sentido dinámico. Defende o emprego de toda clase de materiais. Fragmenta e distorsiona a figura.

Umberto BOCCIONI (1882-1916). Italiano. Na súa obra domina a expresión do movemento. Interésase pola interrelación do obxecto co espazo circundante.

É típico das súas obras o dar a impresión de inacabadas, conseguíndoo ao deixar abertas algunhas porcións da escultura ou ao dar toques crebados sobre as arestas.

Ex.: Desenvolvemento dunha botella no espazo. (1913). Forma única de continuidade no espazo. (1913).


Tamén é considerada como unha variante do cubismo, distinguíndose deste polo sentido de continuidade das superficies curvas de forma que os corpos constitúen un só volume.

Constantino BRANCUSI (1876-1957). Romanés. Apártase da figuración considerando que debe ser o material o que suxira o tema e a forma. Xoga con todo tipo de materiais.

Volumes de formas simples, esenciais, abstractas, de acabado pulido e perfecto. Formas ovais e fusiformes.

Ex.: Musa durmida (1910). Señorita Pogany (1913). Paxaro no espazo. (1928). columna sen fin. (1937).

Amadeo MODIGLIANI (1884-1920). Influenciado pola escultura negra e a súa simplicidade.

Ex.: Cabeza de pedra. (1912).

Henry MOORE (1898-1989). Inglés. Recibiu as máis variadas influencias: arte precolombino, Miguel Anxo, Brancusi, Archipenko, Picasso, Surrealismo, Constructivismo. Ten obras figurativas e abstractas. Alterna o baleiro con formas planas, convexas e cóncavas.

As súas obras, incluso as abstractas, están cheas de humanidade. Expresan a austeridade, a dor, a traxedia, as aspiracións eternas do home.

Ex.: Figura reclinada. (1929). A noiva. (1939). nai recostada con neno. (1960).

Hans ARP (1887-1966). Francés. Un dos fundadores do dadaísmo. Formas inacabadas e moi simples. Evolucionou cara a formas de aspecto monumental nas que o volume, as superficies curvas, a beleza da materia e a unidade de conxunto son os valores esenciais.

Inspírase na morfoloxía de elementos naturais (cantos rodados, cunchas puídas) que suxiren elementos orgánicos humanos. Anticipa o informalismo ou pura abstracción.

Ex.: Pastor de nubes (1953). Espido floral. (1957).

Henry LAURENS (1885-1954). Francés. O geometrismo da súa primeira etapa escultórica débese á influencia cubista. Evolucionou cara a volumes ondulados, curvos, establecendo xogos entre as masas e os ocos.

Anxo FERRANT (1891-1959). Español. Evolucionou desde unha figuración monumental e estilizado cara a unha expresiva dade máis rítmica da forma, pasando á abstracción.

As súas obras abstractas evocan monumentos megalíticos e esculturas da Prehistoria. Tamén fixo esculturas móbiles e outras nas que o espectador cambia á súa vontade as pezas. Empregou materiais moi diversos: cortiza, madeira, latón, ferro, pedra, etc.

Ex.: Tres mulleres.

Abstracta non figurativa.

O obxecto queda totalmente liberado de calquera referencia ao mundo circundante. A escultura é produto da pura invención do artista.

Antoine PEVSNER (1886-1962). Ruso nacionalizado francés. Defensor do «constructivismo» para o que o principal problema da escultura é a organización da forma e dos planos do espazo.

Rexeita os volumes compactos concedendo gran importancia ao baleiro, aos ocos. Dicía que «o espazo é parte integrante da obra». Tamén concede importancia ao movemento. Practica unha escultura abstracta e matemática.

Ex.: Mundo.

Alejandro CALDER (1898-1976). Norteamericano. Creador da escultura de «móbiles?, nome dado por Duchamp. O movemento viña dado por un motor, polo mesmo aire ou por un impulso inicial.

As obras están confeccionadas con arames e outros elementos de diversas formas, policromadas. Atópanse suspendidas e ao moverse adoptan formas máis variadas.

Ex.: Móbil. (1956). Peixe.

Jorge de OTEIZA (1908) Español. As súas progresivas abstraccións tenden ao volume e ao espazo encerrado en formas xeométricas. Factura moi coidada, pureza da forma, calidade da materia.

Ex.: Fusión de dúas políforos.

Pablo SERRANO. (1910). Español. Fluctúa entre o tradicional (figuración expresionista) e o vangardista.

Ex.: Unidades-yunta. (1969).

MARTÍN CHIRINO (1925). Español. Obras a base de bandas de ferro ou aceiro que se revolven en curvas e contracurvas, espirais.

Ex.: O vento. (1963).

Eusebio SEMPERE (1924). Busca o movemento.

Eduardo CHILLIDA (1924). Geometrismo. Parece buscar o punto de encontro entre escultura e arquitectura.

Ex.: Abesti Gogora.


Os postimpresionistas tentaran desligarse da arte meramente sensorial e transitorio dos impresionistas optando polo antinaturalismo. Este afastamento do natural e, sobre todo, da función utilitaria da pintura, que xa non poderá competir neste aspecto coa fotografía e o cinema, dirixirá ás artes plásticas á procura do elemental, da esencia das cousas máis que a simple reprodución.

A arte, durante este período, ten dúas características básicas:

* O antinaturalismo, que se manifestará de diferentes maneiras:

Mediante un intento de ordenación intelectual da natureza como se observa nas obras de Seurat e Cézanne. Pretenden pintar as cousas como son e non como a vemos: por iso, abandonan a visión única implantada polo Renacemento e tenden á visión múltiple dos modelos, ou mellor devandito, dos elementos xeométricos que forman estes modelos. A arte converterase a partir de agora no creador dun mundo subxectivo non na súa representación.

Por un proceso de idealización da natureza mediante unha linguaxe plástica altamente simbólico cuxo iniciador foi Gauguin e que se continuará co fauvismo, onde a cor alcanzará unha total independencia respecto da forma>aínda que seguirá mantendo unha referencia a esta.

A aparición da idea de que a pintura non debe imitar á natureza senón expresar os estados de ánimo do artista, os seus soños, etc. Dentro desta tendencia estarían o simbolismo, o surrealismo e mesmo o expresionismo. Esta visión individualista e subxectiva marcará toda a experiencia artística do século XX, tanto se se mantén no campo da figuración coma se opta polo abstraccionismo.

* Independización das regras tradicionais da expresión.

Esta independencia reflectísese en:

* O tratamento da cor, co abandono convencional deste ou o seu case total eliminación.
* A ruptura cos métodos tradicionais para representar:
* O volume: non utilización do claroscuro.
* profundidade: eliminación dos puntos de fuga.
* O espazo: emprego da visión múltiple en substitución da visión única.
* Abandono, máis ou menos acusado, da base sensorial como punto de partida da actividade artística desde Cézanne que parte dela para a súa propia experiencia artística, pasando polo cubismo que crea a partir dela un mundo obxectivo, até a abstracción que conseguirá a total independencia da experiencia sensorial, levando así até as súas últimas consecuencias a ruptura coa tradición grecolatina que estaba na orixe da arte occidental.

Esta liberalización da simple representación iniciada polos impresionistas, impulsará unha crecente procura de novas fórmulas expresivas, os sucesivos «ismos» que investigando os distintos aspectos da experiencia artística, non producirán un estilo globalizador a semellanza de épocas anteriores.

Estas características artísticas verán favorecido o seu desenvolvemento polos cambios políticos, sociais, económicos, ideolóxicos, que se producen a nivel mundial. Xérase unha arte internacionalista, individualista, aínda que ás veces téntanse formar grupos relativamente homoxéneos de artistas.

O fenómeno pictórico do século XX é moi complexo. Sucédense rapidamente as tendencias pictóricas, ás veces mesmo aparecen varias tendencias dunha forma simultánea.

A pintura de forma especial reflicte os cambios políticos, sociais, económicos, desta época.

Diversos factores inflúen no novo rumbo que toma a pintura:

* O desenvolvemento dos orzamentos pictóricos impresionistas e postimpresionistas.
* Os progresos da fotografía que se manifesta como o mellor medio para representar con total obxectividade a realidade.
* O descubrimento e divulgación da arte doutras culturas, principalmente o negro e o oceánico.

Os avances e descubrimentos técnicos e científicos, como, por exemplo, as teorías psicoanalíticas de Freud (especialmente as referentes ás representacións oníricas) e a teoría da relatividade de Einstein (demostra a perda de valor real da xeometría tridimensional, base da representación espacial tradicional). O individualismo, que empuxa a cada artista a forxarse o seu propio estilo, dificulta a análise da arte contemporáneo pola práctica imposibilidade de clasificar aos artistas nuns grupos concretos e sistematizados.

* Desenvólvese entre 1888 e 1903.
* Adoita incluírse neste movemento aos «Nabis» (profetas).
* Antinaturalismo, carácter fantástico, subjetivismo, decorativismo.
* O seu obxectivo era representar, mediante formas e cores simbólicas, o soño, o misterio, as experiencias místicas ou espirituais.
* Defende a «arte pola arte» seguindo o principio enunciado por Maurice DENIS:
* «Lémbrese que o cadro antes que un cabalo, unha muller, unha flor, é esencialmente unha superficie plana cuberta de cores dispostas nunha certa orde».
* Para eles a arte era un medio de manifestar a realidade profunda do home, por encima do seu pensamento convencional.
* Precedente inmediato é Gauguin que converteu á cor en símbolo. Tamén recibe influencias das estampas xaponesas.
* É un precedente do expresionismo.
* Odilon REDON (1840-1916).
* Maurice DENIS (1870-1943).
* Pierre BONNARD (1867-1947).


O nome procede do francés «Fauves» (feras), termo empregado polo crítico Louis VAUXCELLES ao contemplar, no Salón de outono de 1905, unha pequena estatua renacentista que contrastaba coas violentas cores das pinturas alí expostas; isto fíxolle exclamar: » Donatello chez lles fauves!». Tamén recibiron o nome de ?incoherentes» e «invertebrados».

É o primeiro movemento vangardista do século XX: reaccionan contra o modo de pintar entón vixente.

Iniciado en 1903, alcanza o seu maior auxe entre 1905 e 1907; a partir de 1909 os compoñentes do grupo dispérsanse seguindo cada un diferentes orientacións pictóricas.

* Antecedentes: Gauguin e Van Gogh polo seu cromatismo e o valor que dan á cor.

Fronte ao impresionismo defenden a cor e a expresión do mundo interior do pintor.

* Os seus dous principios básicos son:

* O DEBUXO: a base de grandes liñas de cor; ás veces utilizan varias cores no trazado dunha mesma silueta.
* A COR: é unha cor viva, estridente, violento, tons puros e fortes; emprégano dun modo totalmente arbitrario (sen relación coa realidade obxectiva); conceden á cor un valor subxectivo e emotivo, converten á cor nun vehículo para expresar emocións e sentimentos.
* Aplican a cor a base de manchas planas e anchas. Renuncian ao claroscuro e ao modelado.
* Composicións planas.
* Consideran ao tema como algo secundario: prefiren as paisaxes, as naturezas mortas.

* Henri MATISSE (1869-1954).

Principal representante do fauvismo.

Gran debuxante e colorista.

Organiza o espazo pictórico a base de planos de cores puras e tintas planas, dando o mesmo valor a todos os elementos e zonas, do cadro. Substitúe a perspectiva e o sombreado polos contrastes cromáticos.

Valora o curvo, tendendo ao arabesco.

Dá unha visión subxectiva da realidade. Obras:

* Luxo, calma e voluptuosidad (1904-1905).
* A alegría de vivir (1905-1906).
* Retrato da raia verde (1905).

* Maurice de VLAMINCK (1876-1958).

Caracterízase pola intensidade do colorido e os violentos contrastes.

Composicións exuberantes, cheas de expresividade colorística.

Distorsiona as formas.

Gran paisajista: obtén un gran efecto de dramatismo.

Ao abandonar o fauvismo practica o cubismo. Obras:

* A ponte de Chatou (1904).
* Rúa baixo a neve en Chandais (1925).

* Andre DERAIN (1880-1954).

É o máis conservador dos fauvistas.

Destacan as súas representacións de cidades contempladas desde un punto de vista moi elevado.

Achégase despois ao cubismo. Obras:

* Ponte de Westminster (1905).

* Albert MARQUET (1875-1947).

Destacan os contornos de gran forza e expresividade.

Principal paisajista.

Colorido menos brillante e puro.

* Francisco ITURRINO (1864-1924).

Incorporou a forza da cor e a liberdade poética ao realismo español. É, máis ben un precursor do fauvismo.

Temas frecuentes: touros e cabalos.

* Juan de ECHEVARRÍA (1872-1931).

Retratista dos personaxes da xeración do 98 e autor de excelentes bodegóns e paisaxes.

Destaca a riqueza do colorido e as coidadas pinceladas.

Desenvólvese entre 1905 e 1914, aínda que despois de 1920 aínda poden atoparse pintores expresionistas.

Xorde en Dresde (Alemaña) pero pronto se internacionaliza.

O nome procede do crítico H. Walden que o empregou como oposto ao de Impresionismo. Foi difundido pola revista «Der Sturm» («A tormenta») que o aplicou a todas as vangardas xurdidas entre 1910 e 1920.

Atópase dentro das chamadas correntes pictóricas subxectivas, aquelas que se interesan polo contido da obra de arte descoidando, ou non valorándoos aspectos formais.

As súas raíces máis inmediatas atópanse en Gaugin (a cor) e en Van Gogh (o xesto).

Coincidiu cronoloxicamente co Fauvismo, o Cubismo e o Futurismo.

Os artistas constituíron dous grupos distintos: «A Ponte» e «O Xinete Azul».

O principio básico é que o artista debe expresar no cadro o seu mundo interior. Debe prevalecer o sentimento fronte á razón.

Fronte á obxectividade impresionista aparece o expresionismo como unha arte totalmente subxectiva: as cousas son segundo sénteas cada un.

O debuxo fórmase con liñas rotas, figuras e obxectos distorsionados, siluetas intensas. Esta deformación da realidade acentúa a expresividade.

As cores son violentos, de tons escuros, aplicados a base de grosos e irregulares toques que lembran «poutadas». A súa función non é agradar os sentidos senón expresar o mundo interior.

Os seus temas posúen unha forte carga crítica tanto política como social. Queren expresar os problemas e sentimentos do home: medo, soidade, perversións, etc.


* Edward MUNCH (1863-1944).

Debuxo de liñas sinuosas, figuras distorsionadas.

Cores arbitrarias, de tons puros.

Representa rostros demacrados, de mirada extraviada, que reflicten o medo á soidade, a amargura, a dor, a angustia, etc.

Influíu decisivamente no movemento expresionista. Obras:

* O berro (1893).
* A danza da vida (1899).

* James ENSOR (1860-1949).

Rostros deformes e descompostos.

Cores alegres e luminosas.

Intención burlesca nas súas obras: unhas veces enigmáticas, outras irreverentes. Comprácese no absurdo e brutal para ridiculizar os defectos morais do home.

As máscaras e os esqueletos teñen unha gran importancia na súa obra. Obras:

* Entrada de Cristo en Bruxelas (1888).
* Baile de máscaras (1897).
* A morte e as máscaras (1897).

* A Ponte («Die Brücke»).

Xorde en 1905 en Dresde como ponte de unión entre todos os elementos artísticos revolucionarios.

Esaxeran as formas e os contornos.

Empregan cores puras, tons escuros, contrastes cromáticos. É considerado por algúns críticos como unha especie de «fauvismo germánico», mesmo ás veces máis extremista que o francés.

Practica unha arte subxectiva; as súas obras resultan tensas, emotivas, visionarias. Profundan baixo a superficie dunha sociedade que consideran hipócrita e queren transmitir as preocupacións políticas, sociais e éticas existentes na Alemaña prebélica.

* Ernest Ludwig KIRCHNER (1880-1938).

Debuxo: formas angulosas, goticistas.

Cor: estridente, especialmente ao principio.

Pintura dura, expresión da soidade e amargura dos homes da súa época.

Crea un tipo feminino desgarrado; resaltan tamén as súas escenas rueiras.

* Emil NOLDE (1867-1956).

Debuxo: moi simplificado; distorsiona e deforma os rostros (parecen máscaras) e os obxectos.

Cor: intensos, chillones, bruscamente yuxtapuestos. Evocan as forzas do instinto e do espírito.

Temas: relixiosos (tratados con irreverencia) e da natureza.

A súa pintura resulta violenta e tumultuosa, manifestación da súa personalidade mística e atormentada. Obras:

* Sol tropical (1914).
* Tríptico de Santa María Egipciaca.

* Óscar KOKOSCHKA (1886-1980).

Debuxo: figuras retortas e nerviosas; siluetas de grosos trazos negros.

Cor: triste, aplicado directamente co tubo ou coa espátula, dando como resultado superficies de arremolinadas manchas de cor.

Temas: retratos de personaxes de psicoloxía complicada, vistas de cidades. Obras:

* A noiva do vento (1914).
* Pagáns (1918).

* O Xinete Azul («Der Blaue Reiter»).

Desenvólvese entre 1911 e 1914.

O nome procede dun almanaque do mesmo título no que se reproduciron por primeira vez unhas obras do grupo en honra de Kandinsky (ao que lle gustaba pintar cabalos) e de Marc (o azul era a súa cor preferida).

Opuxéronse ao cubismo, rexeitando o fondo racionalista do mesmo.

Mentres que «A Ponte» critica a sociedade, «O Xinete Azul» a idealiza exaltan do os seus valores espirituais.

A este grupo débense dúas achegas fundamentais:

* Deron consistencia teórica ao movemento expresionista.
* Fixeron evolucionar a pintura desde o soporte figurativo á abstracción.
* Vasil KANDISKY (1866-1944).

Pertenceu á Bauhaus.

Evolucionou moito, sendo un da creadores da arte abstracto. Chegou a basear as súas composicións no trazado de liñas, ángulos, cadrados e círculos coloreados con pinturas planas.

Debuxo de formas xeométricas e planas. Gran colorista. Forma e cor son os instrumentos de que se vale para facer visible o seu mundo interior. Obras:

* Co arco negro (1912).
* Improvisación IV.

* Paul KLEE (1879-1940).

Pertenceu á Bauhaus.

Evolucionou cara á abstracción.

Distribúe con harmonía e delicadeza as liñas, as cores, as formas.

Practicou a abstracción, pero tamén a arte figurativo de formas máis ou menos abstractas.

Difícil de clasificar xa que unhas veces é abstracto e outras expresionista ou o seu realista.

As súas caligrafías «infantís» gardan certa relación coa pintura de Mirou. Obras:

* Ad Parnassum (1932).
* Senecio (1922).

* Franz MARC (1880-1916).

É o máis figurativo do grupo, aínda que tamén chega á abstracción nalgunhas obras.

O seu estilo pode ser definido polo esquematismo e a arbitrariedade da cor (vermellos, amarelos, azuis), ao que outorga un valor simbólico. Obras:

* Cabalo vermello e azul (1912).

* Georges ROUAULT (1871-1958).

Alterna o expresionismo co fauvismo.

Debuxo: contornos de liñas grosas moi marcadas a base de negro que lembran os planos das vidreiras góticas.

Cores: tons fortes e planos, opostos entre si.

Temática relixiosa debido ao seu fervente cristianismo. Algún crítico dixo del que é o maior pintor relixioso despois de Rembrandt. Obras:

* Jesús entre os doutores (1894).
* Os clowns (1917).

O Expresionismo en España e Hispanoamérica.

* Isidro NONELL (1873-1911).

Hábil debuxante.

Dota á cor, á atmosfera e a pincelada dun valor expresivo profundo, intimista e dramático.

Representa a miseria e a angustia da xente pobre nos barrios baixos de Barcelona.

* Ramón CASAS (1866-1932).

Emprega un colorido claro e é menos patético que Nonell.

* José GUTIÉRREZ: (1886-1945).

Debuxo a base de trazos grosos.

Cor: tenebroso, gamas terrosas.

Pintura pesimista que chega ao tétrico. Pinta a «España Negra» dos desherdados, os esmoleiros e marxinados. Gusto polo feo, o amargo, o doloroso e desagradable. Obras:

* As mozas da Claudia.

* Ignacio ZULOAGA (1870-1945).

Estilo enérxico e forte.

Influenciado por Solaina, executa unha pintura costumista áspera, aínda que menos dura que a daquel.

Reproduce tipos duros e terras secas; visións fantasmales de castelos ruinosos, pobos abatidos.

Algúns críticos considéranlle dentro do fauvismo.

* Rafael ZABALETA (1907-1960).

Combina o cubismo e o expresionismo co popular.

* Benjamín PALENCIA (1902-

Pintor da sobriedade e sinxeleza dos campos de Castela.

Fundou a «Escola de Vallecas».

* José Clemente OROZCO (1883-1949). Mejicano.

Inspírase no folclore e na arte azteca.

O seu realismo mestúrase co simbólico e visionario. Obras:

* Frescos do castelo de Chapultepec, Méjico.

* Diego RIVERA (1886-1957).

Mantivo contactos co cubismo.

Temas preferidos: os relativos á revolución mejicana e os populares. Obras.

* A civilización zapoteca. Frescos do Palacio Nacional. Méjico.



Desenvólvese entre 1908 e 1914 aínda que permanecerá latente en todos os movementos posteriores.

O nome foi posto polo crítico Louis de Vauxcelles ao comentar uns cadros de Braque expostos no «XXV Salón dos Independentes» e afirmar que estaban compostos por «pequenas masas cúbicas». Segundo algúns historiadores, o primeiro en falar de «cubos» para referirse a Braque foi Matisse; o crítico ouviuno e empregouno no seu escrito.

As primeiras manifestacións cubistas prodúcense en París en 1907: Picasso pinta o cadro ?As Señoritas de Avignon? (en realidade debería chamarse de «Avignó», nome dunha rúa de Barcelona), e Braque realiza unha serie de paisaxes baseadas no espírito construtivo de Cézanne. Son os dous creadores da estética cubista.


Cezanne co seu espírito construtivo, os seus intentos de reordenar os elementos da realidade v o seu principio de que a natureza debe ser considerada polas formas xeométricas puras que a forman.

A valoración nos ambientes artísticos da arte das culturas primitivas, especialmente da arte africano, co seu tratamento das figuras a base de planos angulares.

O neoimpresionismo ou puntillismo coa súa tendencia á estructuración xeométrica do cadro.


O cubismo foi unha reacción plástica contra o fauvismo: o cubismo non pretende retornar ao realismo pero se restablecer o volume na figura.

É unha arte intelectual. Publicáronse numerosos tratados teóricos sobre o mesmo.

Apollinaire principal teórico do cubismo, dicía que «o cubismo pretende pintar conxuntos novos con elementos tomados non da realidade da visión, senón da realidade do coñecemento». O cubismo intelectualiza a realidade representando non ao obxecto captado visualmente senón como é aprehendido polo entendemento. Para o cubismo a realidade é concibida como constituída por corpos xeométricos puros: pretende ver na realidade o reflexo dos volumes fundamentais da xeometría do espazo.

Representa a ruptura total coa pintura tradicional

Desaparece a perspectiva tradicional.

Utiliza cores apagadas: grises, pardos, verdes suaves, amarelos, brancos. Non son reais pola súa excesiva neutralidade. Gaya Nuño di: «Todos os pintores cubistas puxeron a súa paleta a pan e auga». Eugenio D’Ors afirma: «Despois do entroido impresionista imponse a coresma cubista».

Tratan de dar unha visión dos obxectos desde diversos puntos de vista: por iso é polo que xunten a visión de perfil e a de fronte dun rostro. Esta síntese de visións corresponde ao espazo-tempo, é dicir, ao afán de estabilizar o volume nun tempo determinado.

A suma de varios ángulos visuais efectúase sincrónicamente no cadro, cando na natureza isto non é posible: «Debe darse a volta en torno ao obxecto para tomar varias aparencias sucesivas que, fundidas nunha soa imaxe, lle reconstituyan».

Sérvense dos enganos ópticos, é dicir, da relatividade das formas, xa que ao yuxtaponerse aféctanse mutuamente, resultando diferentes. Así, unha elipse dentro dun polígono parece unha circunferencia. As formas dos cubistas adquiren o seu verdadeiro valor en función das lindeiras. Algo similar fixeran os impresionistas coa cor.

Descompoñen os corpos en formas xeométricas e despois recomponas.

Para o pintor cubista o tema, propiamente devandito, carece de importancia: o que lle interesa é a composición das formas. Introducen a técnica dos «collages»: incorpóranse aos cadros todo tipo de materiais (papel de xornais, anacos de revistas, teas, etc.) para lograr un efecto máis rechamante.

Algúns críticos consideran ao cubismo como a maior revolución plástica tentada desde o Renacemento.
Cubismo analítico

Desenvólvese entre 1908 e 1911. O artista leva a cabo unha análise intelectual do obxecto descompóndoo en figuras xeométricas e recompóndoo posteriormente asociando as distintas partes con total liberdade tal e como as lembra.

Prescinden do punto de fuga único, característico da perspectiva do Renacemento, e utilizan tantos puntos de fuga como sexa preciso para abarcar a visión total do obxecto.

O resultado é a representación de obxectos constituídos por unha serie de formas xeométricas diferentes e complementarias, fragmentadas por unha serie de liñas e planos.

Pretende dar con iso unha visión global do obxecto, axuntando todos os puntos de vista desde os que se pode contemplar o obxecto.

Esta descomposición do obxecto pode dar unha visión tan complicada do mesmo que algúns críticos lle chaman CUBISMO HERMÉTICO.

Utiliza unhas cores apagadas (marróns, ocres, grises); tende á monocromía
Cubismo sintético

Desenvólvese entre 1912 e 1914. O hermetismo en que desembocara o cubismo analítico provoca unha intensa reacción e téntase recuperar a obxectividade perdida facendo reconocible o tema representado.

O artista selecciona os puntos de vista máis esenciais do obxecto e procede a facer unha síntese dos mesmos, de maneira que o tema fágase reconocible.

Guy Habasque chama ao cubismo sintético cubismo EIDÉTICO para expresar que o que se pretende é representar só o «esencial» do obxecto.

Introduce a técnica do «papiers-collages» para conseguir determinados efectos estéticos ao mesmo tempo que se recobran fragmentos da realidade, que caracterizan esencialmente ao obxecto.

O collage contribúe tamén a dar un relevo de carácter escultórico á pintura.


* Pablo Ruiz PICASSO (1881-1973) Málaga.

1891. A familia establécese na Coruña. Picasso empeza a pintar.

1895. Novo traslado a Barcelona. Ingresa na Escola de Belas Artes (fixo nun só día o tema do exame de admisión, traballo para o que dispuña dun mes). Demostra un gran dominio do debuxo e da cor.

1896. Instala en Barcelona o seu primeiro taller.

1897. Consegue entrar na Academia de Belas Artes de San Fernando de Madrid.

1900. Primeira viaxe a París. Entra en contacto cos impresionistas e postimpresionistas. Realiza escenas de cabaret e rueiras con sentido crítico; liñas sinuosas e onduladas; cores de tons agres.

1901-1906. Época do Expresionismo social.

Alterna as súas estancias en París, Barcelona e Madrid. En 1904 establécese definitivamente en París. Alí reúne na súa casa do «Bateau Lavoir» a toda a vangarda parisiense.

Toma conciencia de que a pintura debe expresar, non imitar, e de que a cor debe ser vehículo fundamental para a expresión.

* Época Azul

Cor dominante o azul.

Pintura triste, reflexo da súa visión pesimista da vida: atmosfera de tristeza e dor nun clima abatido.

Figuras estilizadas, delgadas, esfameadas, pálidas; representa unha humanidade dolorida: esmoleiros, nenos e mulleres abandonados, artistas de circo ambulantes.

Especial interese polo tratamento das mans. Obras:

* A traxedia (19031).
* A planchadora (1904).
* Maternidade (1903).

* Época Rosa (1905-1906).

Combina o rosa cos tons azulados.

Perde forza o pesimismo anterior.

Figuras máis cheas e modeladas.

* Temas do circo.

Toma contacto con poetas como Apollinaire e Gertrude Stein. Obra:

* Familia de saltimbanquis.

* Época Negra ou Protocubista 1907.

Influencia de Cézanne e da escultura negra.

Interésase pola representación das formas no espazo sen referencias de perspectiva.

Estilo denso e macizo. Obra:

* As Señoritas de Avignon (1907).

* Época cubista 1908-1916

Xunto co seu amigo Braque impoñen os principios do novo movemento.

Evoluciona do cubismo analítico ao sintético.

A partir de 1912 introduce os collages. Obras:

* A muller do abanico (1908).
* As paisaxes de Horta do Ebro (1909).
* Botella de Pernaud (1912).
* Ma jolie (1914).

* Época do cubismo Neoclasicista 1917-1924.

Representa, baixo un aspecto cubista, formas suxeridas pola arte greca-romano renacentista.

Figuras femininas de aspecto escultórico e formas monumentais, modeladas dunha maneira moi clásica. Obra:

* O tres bailarinas.

* Época das «Metamorfoses» 1925-1934.

Personaxes violentamente deformados, formas retortas. Cor óso sobre fondo azul.

Garda una certa relación co surrealista, aínda que nunca chega a pertencer totalmente a este movemento.

Realiza unha serie de metamorfose nas que tenta representar certos síntomas da nova sociedade: a aparición dos fascismos, o consumismo desatado o totalitarismo comunistas.

As figuras se deforman e a pintura convértese en signos, en metáfora da realidade. Obra:

* Muller sentada ao bordo do mar 1934.

* Tauromaquias

Nelas reflíctese o dramatismo que subxace no fondo da humanidade.

Incorpora o cabalo branco, símbolo da inocencia e vítima indirecta das traxedias.

* Período expresionista 1936-1950.

Figuras angulosas e deformadas.

Representa o horror que só queda compensado coa dozura que emana dos rostros dos nenos.

Tamén se interesa polos temas mitológicos, especialmente o minotauro. Obras:

* O Guernica (1937).
* A muller que chora.
* Cranio de boi (1942).
* Homenaxe a Xullo González.

* Período ecléctico 1950-1973.

Mestura todos os estilos dando primacía ao cubismo.

Realiza recreacións de cadros clásicos baixo o punto de vista cubista.

Visión optimista da vida.

Realiza tamén traballos de cerámica, escultura, gravados.

* As Meninas.

1973. Morre en Mougins (Cannes) o día 8 de Abril.

É un auténtico símbolo da nosa época: reflicte os medos, as angustias, supersticiones e mitos do home do século XX.

Profesou un auténtico e profundo humanismo, comprometéndose cos problemas dos homes da súa época.

Nunca sentiu vinculado a unha estética determinada: toda a súa vida actuou con total liberdade, permanecendo nunha continua procura de fórmulas novas. Participou en todas as tendencias, pero interpretadas pola súa gran personalidade.

Isto dificulta a clasificación e sistematización da súa obra

* Georges BRAQUE (1882-1963)

Xunto con Picasso, foi o creador da estética cubista.

Diferénciase de Picasso en que prescinde case sempre da figura humana e dedícase á natureza inerte: botellas de viño e cervexa, guitarras, dados e naipes, xornais e cartas.

Os seus temas básicos foron os bodegóns e os interiores de habitacións aos que proporciona unha auténtica intimidade.

Contribuíu decisivamente ao uso e difusión dos collages.

Aínda que sempre foi fiel ao cubismo, a partir de 1945 evolucionou cara a unha maior claridade e sinxeleza, dando aos obxectos representados un valor cada vez máis destacado. Obras:

* Paisaxes de L?Estaque (1908).
* O portugués (1911).
* Composición coas de trevo (1912).

* Juan GRIS (1887-1927).

Nome verdadeiro: José Victoriano González.

Practicou un cubismo sintético, rexeitando os hermetismos anteriores.

Interesouse pola estrutura das obras con independencia da visión dos obxectos que as compoñen.

Valora o cromatismo e a simplificación formal.

Interesouse polo espazo interior.

Foi denominado o «Zurbarán do cubismo» polo ascetismo da súa pintura. Obras:

* Taboleiro de xadrez. Guitarra, vaso e frutero (1918).

* Amadeo MODIGLIANI (1884-1920).

Influído por Cézanne e pola arte negra achégase ao cubismo pero sen pertencer realmente a este movemento.

Figuras de estilización total. Obras:

* Mozo pelirroja con colar (1918).

* María GUTIÉRREZ BLANCHARD (1881-1932).

Practica un cubismo figurativo.

A súa pintura caracterízase pola melancolía e a tenrura. Obras:

* A convalecente.

* Daniel VÁZQUEZ DÍAZ (1882-1969).

Non é estritamente cubista pero manifesta nas súas obras interese pola construción arquitectónica da pintura.

Terminou practicando unha pintura tradicional e académica.

Gran debuxante.

Autor de grandes murais.

* Francisco GUTIÉRREZ COSSÍO (1898-1970).

Geometriza as representacións: retratos, bodegóns, mariñas.

Movementos derivados do Cubismo.

Preocupación polas formas xeométricas simples.

Tenta asociar a arte cos obxectos industriais, mecanizados: as súas formas parecen «mecanos».

Marca os contornos das figuras con fortes trazos negros.

* Fernand LÉGER (1881-1955).

* Os albaneis (1950).


Termo ideado por Apollinaire. Coincide co cubismo pero inclúe o colorido nas súas composicións e concede gran importancia á luz.

* Robert DELAUNAY (1885-1941).

Xunto con Kandinsky chegará a ser o pioneiro da pintura abstracta.

* Formas circulares (1912).

Sección D?Or ou grupo de Puteaux. Estudan a relación entre liñas e cores mediante medidas harmónicas constantes.

* Marcel DUCHAMP (1887-1968).

* Espido baixando a escaleira.


Esténdese entre 1910 e 1915. Xurdiu e desenvolveuse case exclusivamente en Italia. Non alcanzou a difusión internacional dos outros movementos.

MARINETTI, poeta italiano, publicou en «Lle Figaro» o manifesto do movemento futurista: exaltaba a beleza da velocidade e da máquina como novos valores da civilización e símbolos da sociedade industrial: un automóbil correndo é máis belo que a Vitoria de Samotracia.

Fai unha crítica da arte tradicional.

Propugna a queima de bibliotecas, museos, centros de cultura.

Defende a guerra, a violencia, o militarismo, o antifeminismo.

Ás teses de MARINETTI adheríronse en 1910, publicando outro manifesto, un grupo de artistas dirixido por Boccioni.

A actitude provocadora dos futuristas foi un anticipo da que adoptarán outros movementos como o Dadaísmo e o Surrealismo.

O movemento futurista tivo un contido político de carácter fascista, asociándose e servindo de propaganda ao fascismo italiano.

Obxectivo principal: representar a velocidade e o dinamismo en canto expoñentes da nova sociedade industrial.

Tenta plasmar o movemento mediante a cor e a multiplicación das posicións dun mesmo obxecto, dando como resultado unha serie de imaxes sucesivas vistas simultaneamente.

Desde o punto de vista técnico non achegou nada novo: os artistas non souberon atopar a técnica adecuada para levar á práctica as súas teorías.

Os críticos considérano como unha especie de «cubismo dinámico».

* Umberto BOCCIONI (1882-1916).

Teórico do movemento futurista.

Terminou orientándose cara á abstracción xeométrica.

Tamén foi escultor.

Mestura a técnica puntillista co uso da cor dos expresionistas, mentres que a relación entre figura e espazo é plenamente cubista.

* Visións simultáneas (1911).

* Giacomo BALLA (1871-1958).

Foi o máis orixinal de todos eles.

Pasou sucesivamente polo realismo, divisionismo e cubismo.

A súa forma de captar o movemento foille suxerida polo cinema: plasma as sucesivas posicións das pernas e dos brazos ao camiñar.

Derivou cara á abstracción xeométrica.

Compenetración iridiscente

* Paso de Mercurio ante o Sol.(1912-1914).
* Rapariga correndo por unha galería (1912).
* Dinamismo dun can con correa (1912).

* Gino SEVERINI (1883-1966).

Pintura alegre, brillante, de rico colorido.

Mediante a utilización de liñas curvas deriva cara á abstracción total.

* Danzarina azul.

* Carlo CARPA (1881-1966).

Escribe un manifesto: «A pintura dos sons, os ruídos e os cheiros?, defendendo a integración das diversas artes.

Anticipa o dadaísmo e a pintura metafísica.

* Os funerais do anarquista Galli (1911).
* Simultaneidade.


Desenvólvese durante os primeiros anos do século XX.

O termo francés «naif? significa inxenuo, infantil.

É unha reacción contra a arte intelectual, conceptual e simbólico.

Representa figuras de aspecto irreal nun espazo bidimensional.

A súa sinxeleza fixo que fose moi ben aceptado polo gran público.

* Henri ROUSSEAU (1884-1910).

Francés; chamado o «aduaneiro» en relación coa súa auténtica profesión.

É o iniciador do movemento «naif?.

Os temas, a cor, a luz, dan aos seus cadros unha atmosfera de maxia e misterio.

* Guerra (1894).
* A xitana durmida (1897).
* O soño de Yadwigha (1910).


Comprende o período entre 1910 e 1915. Xorde como reacción contra o dinamismo futurista. Giorgio de Chirico dicía que a súa arte era máis complexo e metafísico que o dos seus coetáneos.

Persegue a inmobilidade; defende a volta á serenidade clásica e á figuración.

Coloca as figuras en perspectivas ben construídas, nun ambiente de soidade e misterio.

As figuras son tan esquemáticas, despersonalizadas, tan parecidas a máquinas, que semellan imaxes oníricas e fantásticas, próximas ao surrealismo.

* Giorgio de CHIRICO (1888-1979).

Greco-latino. Pretende dar unha visión irreal utilizando ambientes xélidos e mesturando elementos reais e irreais.

Representa «interiores metafísicos?: especie de habitacións pechadas, con luz espectral e con elementos derivados da civilización, por medio dos cales quere simbolizar o labirinto interior do home moderno.

* O enigma do oráculo.
* Loita de lapitas e centauros. (1909).
* Xoguetes de príncipe. (1914).
* As musas inquietantes. (1917).



Os movementos pictóricos xurdidos entre as dúas guerras mundiais poden ser considerados como consecuencia do desenvolvemento das experiencias pictóricas anteriores. A Segunda Guerra Mundial puxo fin ás chamadas «vangardas históricas».

A partir dos anos 50 as correntes innovadoras multiplícanse buscando os artistas novas formas e modos de expresión.

Xorde en Zúric entre 1916 e 1921. Alí reuníronse un grupo de artistas, dirixidos polo poeta Tristán TZARA, co obxectivo de desmitificar e ridiculizar todos os valores da cultura.

A palabra non ten ningún significado artístico determinado. Dadá é unha palabra coa que os nenos designan aos seus «caballitos». Foi elixida abrindo ao azar un dicionario.

Non é propiamente un estilo artístico senón unha actitude de oposición á sociedade e ás artes vixentes.

Os seus seguidores defendían a irracionalidad, a rebeldía: sublévanse contra a arte, a moral e a sociedade vixentes.

Consideran que a arte se converteu nun artigo de luxo ao servizo da burguesía: por iso adoptan formas destrutivas, un humor crítico co que pretenden escandalizar e irritar á burguesía.

Defenden o «antiarte» do absurdo: segundo eles a pintura non hai que comprendela.

Utilizan o «collage», empregando toda clase de materiais de refugallo (trapos vellos, papeis sucios, cravos roñosos, rodas vellas de bicicleta) e o fotomontaje.

Influirá no surrealismo.

Diversos factores inflúen na súa aparición:

1. Os horrores e consecuencias da guerra.
2. O desencanto persoal duns pintores escasamente considerados.
3. O seu desexo de levar á pintura a destrución que arrasaba a Europa.

* Marcel DUCHAMP (1887-1968).

Militara anteriormente nas filas da Section D?Or pero por influencia do seu amigo Picabia iníciase no dadaísmo.

Introduciu o dadaísmo en Nova York.

Crea os «ready-made»: obxectos manufacturados de uso común, refugados, aos que engadía ou quitaba algún elemento para convertelos en obxectos artísticos.

Introduciu o movemento real iniciando o chamado ?arte cinético».

Ridiculiza a arte clásica, chegando ao extremo de facer unha versión da Gioconda con bigotes.

* Espido baixando a escaleira (1912).
* Roda de bicicleta. (1916).
* Fonte (un urinario) (1917).

* Max ERNST (1881-1976).

Practicou a técnica do «Frottage?: fregando con lapis en follas de papel aparecen pegadas que, unha vez completadas, suxiren obras misteriosas, poboadas de animais estraños e fantásticas vexetacións.

Ten tamén unha vertente surrealista.

En colaboración con ARP realiza unha serie de collages denominados FATAGAGAS.

* Hans ARP (1887-1966).

Combina o seu carácter de escultor co de pintor de collages e de composicións moi simples.

* Francis PICABIA (1879-1953).

Orixe hispana-cubano.

Ligado ao cubismo órfico pasa ao dadaísmo e, a través del, ao surrealismo.

* Udine (1913).
* O neno carburador.



Desenvolvido entre 1925 e 1945.

A palabra foi empregada por primeira vez por Apollinaire en 1917 para referirse a un movemento relacionado coa pintura Dadá e que ás veces tamén recibe o nome de Suprarrealismo ou Sobrerrealismo.

En 1924 André BRETON publicou o primeiro manifesto surrealista no que defendía o automatismo psíquico puro como medio para poder expresar, por escrito, verbalmente ou de calquera outra forma, o funcionamento real do pensamento, en ausencia de todo control exercido pola razón, fóra de toda preocupación estética ou moral

En 1925 celébrase a primeira exposición de pintura surrealista na Galería Pierre de París.

O inicio da Segunda Guerra Mundial supuxo o fin do movemento surrealista como tal, aínda que sobrevive até hoxe como tendencia.

Antecedentes inmediatos: a pintura metafísica e o dadaísmo. De, este herdou a actitude irracionalista, o gusto polo escándalo, os xestos teatrais e o espírito de rebeldía social.

O seu obxectivo é distinto ao do dadaísmo: tender unha ponte entre arte e sociedade, dar solución aos problemas expostos pola Primeira Guerra Mundial para que a arte reflectir mellor ao home moderno na súa totalidade.

Está moi relacionado coa obra de Freud, especialmente cos estudos realizados por este acerca dos soños.

Persegue a representación da realidade do mundo do subconsciente: conceden á realidade contemplada en estado subconsciente máis valor e veracidade que á percibida en estado de vixilia.

Automatismo na execución: movemento libre e incontrolado da man e do pincel para poder escapar ao control da razón.

Este automatismo aplicábase tanto á pintura como á escritura e combinábase con outros xogos como o do «cadáver exquisito», no que cada un dos participantes debía escribir unha palabra sen coñecer a palabra anterior á posterior. O xogo bautizouse así porque a primeira frase que se escribiu foi: «O cadáver exquisito beberá viño branco».

A pesar desta procura do automatismo os pintores surrealistas presentan unha certa cohesión de escola nos recursos que utilizan: animación do inanimado, metamorfose, illamento de fragmentos anatómicos, máquinas fantásticas, confrontación de cousas incongruentes, perspectivas baleiras, todo rodeado dunha atmosfera espectral e xélida.

Na pintura surrealista predominasen xerais debuxo sobre a cor.

Os temas están baseados no mundo das ilusións, nos pesadelos e obsesións mentais.
Surrealismo figurativo

Tendencia obxectiva, naturalista: os obxectos, a pesar de ser combinados de forma ilóxica, son reconocibles.

Empregan unha linguaxe figurativo e unha perspectiva ortodoxa.

Os obxectos transfórmase ao variarse as súas proporcións respecto ao ambiente en que se sitúan e créanse conxuntos de obxectos dispares nun contexto ambiental que unicamente se dá na mente.

* Salvador DALÍ (1904-1989).

A partir de 1929 instálase en París identificándose coa pintura surrealista, co surrealismo figurativo.

Excelente debuxante; técnica minuciosa, moi elaborada, descritiva e con gran dominio da perspectiva; realismo case fotográfico.

Considera que para comunicar as visións oníricas ao espectador, e que resulten inteligibles, hai que manifestalas coa máxima cantidade de medios pictóricos e tan explicitamente como sexa posible.

Asocia distintos elementos no cadro dun modo insólito: resultan escenas estrañas e alucinantes.

É un mundo de fantasía, onírico, con marcada inclinación ao sexual e erótico.

Nalgunhas obras a distorsión e o alongamento das figuras alcanzan efectos de gran dramatismo.

Di que a súa actividade é paranoico-crítica: para algúns críticos é unha actitude simplemente publicitaria.

Colorido brillante e luminoso.

A súa mellor etapa surrealista é a que se estende até 1936; a partir de é té ano comercializa a súa pintura.

* Seis aparicións de Lenin sobre un piano.
* A persistencia da memoria (1931).
* O nacemento dos desexos líquidos (1932).
* As tentacións de San Antonio.

* Max ERNST (1891-1976).

Dadaísta que se achega ao surrealismo tanto figurativo como abstracto.

Recordo do dadaísmo son a sátira amarga e a crítica social.

Investiga novas técnicas: o «frottage?: colocar debaixo do lenzo un obxecto áspero e fregar cun carboncillo ou pincel e o «dripping?: aproveitar as formas xurdidas ao azar sobre o lenzo ao caer sobre el a pintura contida nun recipiente furado.

Segue practicando o collage.

* Napoleón no deserto.
* O manto da noiva.
* O elefante das célebes (1921).
* A muller dos cen cabezas. (1929).

* Óscar DOMÍNGUEZ (1906-1957).

Difusor do surrealismo figurativo aínda que aos poucos achégase ao cubismo.

* A máquina de coser electrosexual (1935).
* Drago (1933).

* René MAGRITE (1898-1967).

Dota aos obxectos representados de propiedades que pola súa propia natureza non lles corresponden: pedras ardendo, corpos fragmentados.

Combina o insólito e o cotián, o erótico e o macabro: resultan obras intrigantes. Teimas de grandeza.

* O imperio da luz.
* O falso espello. (1928).
* A tumba dos loitadores (1960).

* Paul DELVAUX (1897)

Especializado en representacións nocturnas, de escenografías delirantes e atmosferas de ilusión, con sonámbulos inquietantes e figuras femininas de carácter erótico e como hipnotizadas.

A súa técnica aproxímase á tradición realista tanto no debuxo como na forma.

* Alba (1937).
* A cidade durmida.
* Surrealismo abstracto.

Tendencia antiobjetiva

As representacións, de carácter abstracto, lembran formas orgánicas combinadas sen lóxica aparente.

* JOAN MIRÓ (1893-1984).

Nos seus inicios estivo influenciado por Cézanne, Van Gogh e o fauvismo, pero a partir de 1925 practica un surrealismo que deriva cada vez máis cara á abstracción.

Desde os seus comezos exponse o problema da liberación do home a través da arte.

A súa pintura é aparentemente inxenua, de aspecto infantil, pero está moi elaborada tecnicamente.

Composicións de gran colorido: tons puros (amarelo, azul, vermello), harmonías cromáticas.

O desrealiza todo: inventou numerosos signos e símbolos que substitúen aos obxectos e constitúen unha auténtica linguaxe xeroglífico no que cada signo adquiren sentido pola súa relación cos demais.

Non plasma nin o volume nin a perspectiva.

Tamén practicou a cerámica.

* O ouro do azul do ceo.
* A corrida de touros.
* A alquería (1921-1922).
* O entroido do arlequín (1924-1925).
* Interior holandés.
* Decoración cerámica. Edificio da UNESCO. París.

* Ives TANGUY (1900-1955).

Dedícase á pintura por influencia de Giorgio de Chirico e en 1925 adhírese ao movemento surrealista.

Mestura as dúas visións do mundo: a surrealista e a metafísica.

Paisaxes poboadas de seres de ambigua natureza, ben vexetal, ben animal, ou talvez produto das alucinacións.

* O tempo amoblado.

* March CHAGALL (1887-1985).

O seu estilo é dificilmente clasificable: é unha síntese da arte folklórico ruso, do colorido fauvistas e da geometrización cubista.

É ao mesmo tempo fantasiosa, simbolista e expresionista pola intensidade coa que trata o problema humano.

Cadros de escenas visionarias nas que non se teñen en conta as leis da gravidade nin da verosimilitud, nin a lóxica asociativo (gato con cara humana, figuras ao revés).

Gran colorista.

* Á miña muller.
* París visto desde unha xanela.
* Autorretrato con sete dedos (1912-1913).


Recibe o nome de pintura abstracta aquela obra pictórica que non fai referencia a ningún ser ou forma coñecida da natureza, é dicir, a que non é figurativa. Non se consideran como figuras estritamente ditas as formas xeométricas. O pintor abstracto prescinde do obxecto mesmo como pretexto para pintar. A pintura abstracta non ten en conta ningún dos postulados da pintura clásica como o modelado, a perspectiva, a ordenación do espazo pictórico, etc.

O seu principal obxectivo reside na adecuada distribución v harmonía das cores e das formas n a realidade visual.

A abstracción é a tendencia máis oposta ao realismo: desaparece na obra artística o tema; no representado non hai alusión á natureza ou á figura humana.

Xa desde inicios do século XX o obxecto fora sometido a todo tipo de experimentos:

* O fauvismo reduciuno á cor.
* O cubismo o geometrizó.
* O expresionismo non dubido en distorsionarlo.
* O futurismo fíxoo vibrar dinámicamente.
* O surrealismo soñouno.
* A arte abstracta culmina este proceso procedendo á súa eliminación definitiva.

A abstracción ten presente o postulado do pintor «nabi» Maurice Denis: «Lembrade que un cadro antes que un cabalo, unha muller, unha flor, é esencialmente unha superficie plana cuberta de cores dispostas nunha certa orde».
Abstracción xeométrico

Iníciase durante a segunda década do século XX. Reduce o contido do cadro a puras composicións xeométricas de liñas e cores planas.

Existen diversas tendencias dentro da abstracción xeométrico pero todas teñen uns caracteres comúns:

Emprego de formas xeométricas con predominio da liña recta.

Ausencia de toda referencia ás imaxes da natureza. A arte non debe ser «representación» senón «construción».

Sometemento a unhas normas estritas de procedemento.

Utilización de cores puras e claros.

Baseado no cubismo e na obra de Robert Delaunay, membro fundador da Section D?Or.

Recibe xeralmente o nome de Constructivismo e evolucionou dunha maneira progresiva e ininterrompida até o momento actual.

Xorde en Holanda cara a 1917. Tamén é coñecido como movemento «Der Stijl? (O Estilo), nome da revista que o promocionou.

Está relacionado co cubismo, ao que se considera como inmediato precedente, pero distínguese do mesmo por negar o volume.

Defende a abstracción xeométrico e a simplificación. O seu obxectivo é harmonizar a espazosa forma e a cor.

Emprega formas xeométricas ortogonales a base de horizontais e verticais.

Cores: o tres primarios (amarelo, vermello, azul) e as non-cores (branco, negro, gris), valorando cada cor mediante a separación por liñas negras, polo tamaño da superficie coloreada e pola intensidade do ton.

As superficies coloreadas distribúense e yuxtaponen até formar unha organización e significación plásticas consideradas como «arte pura».

A influencia do neoplasticismo deixouse sentir na arquitectura, no urbanismo, no deseño.

O punto de partida no neoplasticismo é o espazo que ao estruturalo fai xurdir a forma.

* Piet MONDRIAN (1872-1944).

* Composición
* Tableau II.

* Theo Van DOESBURG (1883-1931).


Creado por Malevitch, en Rusia, cara a 1913 e dado a coñecer en 1915.

É considerado como unha rama do Constructivismo.

O nome deullo Malevitch ao preconizar a supremacía da sensibilidade ou percepción pura.

Pretende harmonizar as formas xeométricas totalmente simples (o cadrado, o círculo, o triángulo) de cores puras e situadas sobre un fondo plano.

Diferénciase do Neoplasticismo en que mentres que este crea a forma de estruturar o espazo por medio das cores suprematismo estrutura o espazo a través da forma.

Influíu na Bauhaus.

* Kasimir Malevitch (1878-1935).

Suprematismo 417, cadrado negro sobre fondo branco (1913). Cadrado branco sobre fondo negro (1918).

Parelelo ao suprematismo.

Defende a funcionalidade da obra artística.

Vai ser tan importante en pintura como en escultura.

* Vladimir TATLIN (1885-1952).

Creador do movemento constructivista.

* O LISSITZKY (1890-1941).

Combina formas planas con outras de carácter tridimensional.

Algunhas pinturas poden ser transformadas en esculturas e adquirir movemento.

* Proun.

* Antoine PEVSNER (1886-1962).

Xunto co seu irmán NAUM GABO, publica o «Manifesto realista» en 1920, base de futuros experimentos aplicables tanto á pintura como á escultura.
Abstracción expresiva

Xorde en Europa a partir da Segunda Guerra Mundial desenvolvéndose na década dos anos 50.

O termo expresionismo abstracto xeneralízase a partir de 1950 aínda que foi empregado por primeira vez en 1929 polo crítico Alfred Barr ao referirse ás «improvisacións» de Kandinsky.

Algúns críticos utilizan o termo l informalismo» como sinónimo do expresionismo abstracto»; con iso queren sinalar que se trata dunha pintura na que están ausentes as formas definidas.

O punto de partida do expresionismo abstracto son Kandinsky e o Expresionismo.

Diferénciase da abstracción xeométrico en que esta emprega formas ríxidas toma dás da xeometría mentres que a abstracción expresiva emprega formas flexibles, é dicir, formas que non poden ser definidas.

É unha pintura baseada na intuición e na subxectividade, que tenta reproducir sobre o lenzo os efectos dun determinado estado emocional xa que para eles o sentimento debe prevalecer sobre a razón.

Existen varias tendencias pictóricas pero todas teñen unhas características comúns:

É unha pintura de acción.

A obra é xestada no mesmo acto de pintar.

O azar, máis ou menos controlado, é parte importante do proceso creador.

* Vasily KANDISKY (1886-1944).

Parte do expresionismo pero aos poucos afástase del, achegándose só á cor que se ordena libremente a impulsos da inspiración.

Traballará na Bauhaus con Paul Klee.

Realizou non só obras prácticas senón tamén teóricas.

* Puntas de arco.


O nome procede do francés ?tache», mancha, e foi utilizado en 1954 para designar a unha pintura que emprega manchas e manchones de cores.

Algúns críticos denomínanlle «Art Autre» co fin de designar a unha pintura que debería diferenciarse de calquera outro xénero preexistente.

Valora a expresividade do artista e a súa proxección psicolóxica na obra artística.

É unha pintura na, que se anula, todo tipo de estrutura formal ou conceptual e que non se somete a ningún principio teórico.

Non se atopa nela forma algunha que lembre ao mundo exterior nin obxecto inventado.

* Jean FAUTRIER (1989-1964).

* A xudía.

?Action Painting? (Pintura de acción).

É o nome co que se coñece en EE.UU. ao expresionismo abstracto e deullo o crítico Harold Rosenberg en 1952 para resaltar que se trata dunha pintura na que se valora o acto físico de pintar.

Reaccionou contra o academicismo cubista e surrealista que triunfara entre as dúas guerras mundiais.

Leva até as súas últimas consecuencias técnicas do automatismo, valorando a espontaneidade do artista no momento de executar a obra; a acción» debe ser autónoma e incontrolada.

É unha pintura vigorosa. impetuosa, violenta, que emprega lenzos de gran tamaño e cores violentas, estridentes, agresivos.

Algúns pintores practicaron a técnica do «dripping?, chorreando pintura sobre tea de maneira que, polo menos parcialmente, esténdase ao azar.

* Jackson POLLOCK (1912-1956).

* Carreiros ondulados.
* Composición nº 13.

* Franz KLINE (1910-1962).

* Pintura nº 2. (1954).

* Willem de KOONING (1904)

* Muller II.

* Mark ROTHYO (1903-1970).

* Vermello, branco e marrón.

Pintura sígnica e gestual

Aínda que sígnico e gestual non son exactamente o mesmo, os críticos adoitan agrupar conxuntamente aos artistas de ambas as tendencias.

as súas raíces hai que buscalas no automatismo surrealista e no descubrimento das grafías e pictografías do Extremo oriente.

* Sígnica: utiliza un particular grafismo para crear «novos alfabetos.
* Gestual: basea a pintura na execución rápida e non controlada racionalmente.

Trazos típicos:

* rapidez na execución.
* impulso persoal irreflexivo.
* creación de signos abstractos: o cadro é unha especie de indescifrables caligrafías orientais.
* Alfred Otto WOLFGANG WOLS (1913-1951).

* Composición V.

* Georges MATHIEU (1921
* Jean DUBUFFET (1901-1985).

Foi o creador do concepto «Art Brut» para designar as obras dos psicópatas e dos nenos.

* Paisaxe filosófica.

Pintura matérica

Os materiais empregados na confección da obra deben ser os que centren a atención do artista, a única motivación do cadro.

A materia ocupa o primeiro lugar na escala dos valores artísticos; é o medio expresivo por excelencia, mesmo é máis importante que a forma.

Preocúpanse polo aspecto físico e técnico da obra, desinteresándose do debuxo e a composición.

A obra é confeccionada cos máis diversos materiais: cortizas, trapos, arpilleras, teas metálicas, farrapos de tecido cosidos sobre un armazón metálico, area, serrín, vernices, etc., unidos e pintados para conseguir efectos sorprendentes.

A utilización de materiais deste tipo e outros moitos de refugallo faise cada vez máis frecuente (Pop Art, Arte Povera). Os primeiros exemplos desta nova importancia dada á «materia» atópanse xa en determinados traballos dos primeiros surrealistas e entre os dadaístas.

* Alberto BURRI (1915

* Saco nº 5.

* Antoni TAPIES (1928

* Branco e laranxa.

* Manolo MILLEIROS (1926-1972).

Representantes españois

Fórmanse dous importantes grupos que toman como punto de partida o Surrealismo:

* DAU Ao SET, nacido en Barcelona en 1948.
* Modest CUIXART (1925).
* Antoni TAPIES (1928).
* EL PASO, celebra a súa primeira exposición en 1957 en Madrid.
* Antonio SAURA (1930
* Manuel MILLEIROS (1926-1972).
* Rafael CANOGAR (1934
* Manuel VIOLA (1919
* Martín CHIRINO (1925



A partir da década dos anos 60, Norteamérica impón a súa primacía no terreo artístico, tomando a iniciativa coa invención de novas técnicas e linguaxes artísticas.

Este período caracterízase pola procura de novos camiños. Os artistas utilizan toda clase de métodos naturais ou non naturais (por exemplo, as drogas), así como materiais non considerados como artísticos até agora (plásticos, chatarras, obxectos usados).

Ás veces resulta difícil establecer se se trata de esculturas ou pinturas xa que os cadros introducen os elementos máis variados.

Concédese gran importancia á luz, ao movemento e ao son nas novas experiencias plásticas.

As correntes ou tendencias aparecen e desaparecen rapidamente, algunhas mesmo non pasaron de ser infrutuosos intentos de novas experiencias.

Como reacción contra as tendencias geometrizantes e abstractas anteriores, téndese, a partir de 1960, a unha nova figuración aínda que non se esquezan totalmente as experiencias pasadas.

Comprenden aquelas tendencias cuxas representacións son identificables coa realidade obxectiva.
Neofiguración ou Nova Figuración

Foi unha reacción contra o expresionismo abstracto, tentando recuperar a realidade pero sen caer no realismo académico.

Pretendíase facer unha arte alcanzable ás maiorías.

Composicións desordenadas, cores vibrantes, perspectivas estrañas e non convencionais.

Temas: principalmente interesa a figura humana contemplada baixo un punto de vista pesimista, para o que distorsiona os membros das figuras.

* Francis BACON (1910

* Retrato de Henrietta Morais
* Retrato do Papa Inocencio X de Velázquez.

* Antonio SAURA (1930

Tonalidades moi sobrias.

* Retrato de Brigitte Bardot.

* Jean DUBUFFET (1901

* Ser e parecer.


«Popular Art», entendendo por «popular» o vulgar, coñécese tamén como novorrealismo.

Desenvólvese fundamentalmente en EE.UU. aínda que xorde en Inglaterra.

Antecedentes: dadaísmo e os ?ready-made» de Duchamps.

Baséase na inclusión na obra de arte de obxectos tomados da sociedade de consumo (botellas de Coca-Cola, latas de cervexa, elementos de obxectos de uso común, materiais de refugallo); até entón considerados indignos de figurar nunha obra de arte e aos que se tenta dotar dun valor artístico.

Tamén emprega materiais «kitsch?: termo alemán equivalente a obxecto ou acción de mal gusto.

Inspírase nos cómics, nos anuncios publicitarios, nas fotonovelas, etc.

Pódense presentar dúas correntes: unha de carácter conformista e outro crítico-social.

* Robert RAUSCHENBERG (1925

Mantén a técnica do frottage surrealista.

* Odalisca.


Realiza serigrafías a base de ampliacións de cómics.

* Felices soños, meniña.

* Tom WESSELMANN (1931

* Gran espido americano nº 98.

* James ROSENQUIST (1932

Mestura publicidade e pintura.

Anteojeras para cabalo.

* Andy WARHOL (1930-

Realiza series nas que repite obxectos da vida cotiá: botellas de Coca-Cola, latas de sopa, etc.

* Marilyn


Tamén chamado realismo radical ou fotorrealismo.

Xorde en Norteamérica en 1966 ao celebrarse no Museo Guggenheim de Nova York unha exposición sobre fotografía. A Europa chegará cara a 1972.

Trata de conseguir que a realidade pintada sexa tan real como a realidade da natureza, de tal forma que poidan mesmo confundirse.

Mesmo en ocasións pon de manifesto que hai aspectos da realidade que o ollo humano non pode percibir.

Técnica: sérvese de proxeccións ampliadas de diapositivas e fotográfallo que se traduce nunha falsa creatividade pois, aínda que as imaxes están tecnicamente moi coidadas, parecen copias.

* John C. KACERE (1920
* Noel MEHAFFREY (1944
* Richard BLACKWELL (1938
* Antonio LÓPEZ GARCÍA (1936

Realismo social

Tamén coñecido como «Crónica da sociedade».

As súas obras posúen un sentido crítico da problemática moderna e un forte sentido político.

Temas: a violencia, o terror, a desmitificación de acontecementos históricos e culturais.

Técnicas moi variadas, herdadas de movementos anteriores.

* Juan GENOVÉS (1930-

* Fila rota, Ao redor dunha prohibición.

* Rafael CANOGAR (1934

Desmitificación das grandes obras de arte como As Meninas.

Op Art.

Abreviatura de Optical Art. Termo utilizado, en contraposición ao de Pop Art, para designar a arte visual interesado sobre todo nos fenómenos perceptivos e cinéticos.

O seu antecedente foi a abstracción xeométrico.

Non pretende representar o movemento senón dar a sensación de movemento.

baséase en principios científicos e utiliza medios estritamente pictóricos: reproduce figuras xeométricas capaces de orixinar efectos ópticos de movementos mediante a interacción de liñas e cores.

Este efecto óptico incrementar ao desprazarse o espectador.

O seu excesivo tecnicismo provoca unha arte un tanto impersonal.

Diferénciase da arte cinético en que as súas obras non posúen un movemento real.

* Víctor VASARELY (1908
* Bridget RILEY (1931
* Carlos CRUZ-DEZ (1923

Arte Cinético.

É un reflexo da obsesión da cultura moderna polo movemento.

É a arte do movemento producido mediante mecanismos incorporados á obra, ou ben pola acción do aire producido ao desprazarse o espectador ou ao manipular este a obra de arte.

Perséguese crear unha arte global e público.

En ocasións incorpora a luz física: arte cinético-lumínico.

* Xullo LLE PARC (1928
* Nicolás SCHÓFFER (1912


O que caracteriza aos movementos artísticos da década dos anos 70 é o seu afán de profundar no proceso creador, dando preponderancia ao concepto de arte sobre o obxecto artístico en si.

Desaparece a distinción entrei escultura e pintura, creándose obras tridimensionales que participan de ambas.

Minimal Art.

«Arte Mínima», «Primary Structure», «ABC Art?, son varios dos nomes que recibe esta arte.

O termo foi creado por Richard Wolheim en 1965. O tema desaparece das obras: non pretende crear unha escultura ou unhas pinturas non realizar formas visuais reducidas ao mínimo tanto perceptiva como formalmente e onde o importante é o «todo».

Utiliza estruturas simples e elementais, xeométricas a maioría das veces, destacando a claridade estrutural.

Antecedentes: o suprematismo de Malevich ao adoptar o cadrado e o cubo como as formas máis elementais, máis simples, e ao mesmo tempo «mínimas» en canto a estruturas.

Materiais: simples, a miúdo bastos, non sofisticados (aceiro, ferro, aluminio, plástico, madeira, etc.), pero sempre de enormes dimensións. O artista só realiza o bosquexo ou deseño, deixando a execución en mans doutras empresas. Desta maneira dáse máis importancia ao proceso de creación que á realización física da obra.

* Donald JUDD.

Arte Conceptual

Outros nomes: «arte microemotivo, arte situacional?.

O termo foi utilizado por primeira vez por Sol Lle Witt en 1967.

Arte teórica ou do concepto que tenta substituír á arte tradicional ou do obxecto. Os seus seguidores considérano non como arte, senón como unha actividade creadora sen materia.

Perde interese pola materialidad da obra. Coa idea basta.

O que se fai é dar a coñecer a teoría: escritos, documentos, catálogos, fotografías e, fundamentalmente, vídeo. Tenta desmitificar o feito da creación artística.

Garda una certa relación co pensamento oriental (Zen).

* Robert BARRY.

Arte Povera

Tamén coñecido como «Process art? ou «Arte procesual».

Desenvólvese en Italia, fundamentalmente en Turín, a partir de 1967.

Utiliza materiais pobres (andrajos, madeira, yeso, palla) e evita os sistemas complicados co fin de que o espectador poida refacer facilmente o proceso seguido polo artista.

Coincide co Minimal Art en que se interesa máis polo proceso da obra que pola súa elaboración. Difire en que as súas formas non son xeométricas e acabadas se non ambiguas e casuais.

Tamén difire da pintura matérica en que os materiais utilizados non son transformados senón que se conservan en estado natural.


Arte ecolóxica

Tamén recibe os nomes de «Land Art?, ?Earth art», «Earthwork?.

Naceu a finais de 1967 en Norteamérica.

Trátase de realizar operacións artísticas dirixidas a transformar as paisaxes naturais (campos, pradarías) por medio de divisións espaciais (gabias, surcos, muros de terra).

Está estreitamente vinculado á arte conceptual co que coincide no rexeitamento dos tradicionais medios artísticos e en dirixir a súa atención cara a novas posibilidades expresivas.

Válese da fotografía ou do cinema para fixar as operacións sobre o terreo.