Robert Gober
Robert Gober (Wallindorf, Connecticut, Estados Unidos, 1954) es un artista que ha convertido sus propios traumas vitales en obra de arte, en una suerte de camino catárquico para poner en evidencia el miedo humano a la muerte, a la transformación que se sufre con la educación, con la relación con otros seres humanos, y con los elementos represores a los que nos enfrentamos en el día a día, con esas tragedias que a fuerza de cotidianas ya a nadie importan o a las que apenas si prestamos atención.
La familia como ámbito de represión es algo que se pone de manifiesto en la obra de Gober, nacido en el seno de una familia de rígidos principios cristianos, y en ese ámbito recibió una educación que luego toma forma en su obra, por ejemplo, de cuna con los barrotes torcidos en una suerte de alegoría acerca de la represión, del aislamiento. Objetos muchos de ellos que remiten al La fuente de Duchamp, aquel urinario que colocó en posición invertida en una pared dando lugar a una de las obras más subversivas de la historia del arte.
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Won Ju Lim
Won Ju Lim (Corea del Sur, 1968) Actualmente vive en Los Angeles, donde es profesora en la Universidad de California. Su primera exposición individual en España tuvo lugar en 2005 en el Domus Artium, Salamanca. Lim también expuso sus obras de forma individual en espacios como la galería Pilar Parra & Romero (Madrid), el Centro de Arte Contemporáneo DA2 (Salamanca), la galería Emily Tsingou (Londres), o la galería Max Hetzler (Berlín). Asimismo, recientemente ha tomado parte en muestras colectivas realizadas en países como EE.UU., Suiza, Austria, Alemania y Corea.
Lim es otro ejemplo de la rapidez con la que un artista puede hoy hacer carrera internacional. Terminó sus estudios en el Art Center College of Design de Pasadena hace sólo siete años. Su primera individual es de 2000, y desde entonces no ha dado un paso en falso. Trabaja con una prestigiosa galería californiana, y ha mostrado ya su obra en instituciones de tanta solvencia como la Art Gallery de Vancouver o la Kunstlerhaus Bethanien. Estuvo entre los agraciados por Taschen en su Art Now, y la influyente revista británica Contemporary la incluyó el año pasado en su número especial Sculpture, con lo que se puede dar por seguro su éxito crítico y de mercado. Debemos felicitar a Pilar Parra por la rapidez con la que ha reaccionado a este interés general por la artista, aunque, en un paréntesis, podríamos también sugerirle que, dada su buena conexión con el Domus Artium de Salamanca, donde en fechas recientes se han organizado individuales de Masbedo, Tim White y Won Ju Lim -artistas con los que trabaja la galería-, se distancie más en el tiempo y en la selección de las obras respecto a las exposiciones institucionales (recomendación que extendemos a otras galerías). Leer más
Ernesto Neto
Ernesto Neto, uno de los grandes artistas contemporáneos brasileños.
Ernesto Neto pertenece al amplio grupo de artistas que sigue la senda marcada por esa otra generación de creadores brasileños que rompió con los esquemas modernistas a finales de los cincuenta y principios de los sesenta, artistas que, como Helio Oiticica y Lygia Clark, tratan de eliminar el carácter absoluto del arte para acercarlo a la vida (en su manifiesto Neo-concreto, Oiticica y Clark hablan, entre otras cosas, de la necesidad de percibir el arte no como un objeto sino casi como un cuerpo). Esta nueva noción de la creación artística proponía la experiencia y la interacción del espectador, argumento que se encuentra en el centro de las preocupaciones estéticas de Ernesto Neto.
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Anish Kapoor
Anish Kapoor ( * Bombay, 1954 ) es uno de los escultores indios más influyentes de su generación. Kapoor ha vivido y trabajado en Londres desde principios de los 70, cuando se mudó a esta ciudad para estudiar arte, primero en el Hornsey College of Art y más tarde en la Chelsea School of Art Design.
Se educó en sus primeros años en India en la “Doon School”. Más tarde se muda a Gran Bretaña y concurre al “Hornsey College of Art” y al “Chelsea School of Art & Design” en el RU.
Kapoor alcanzó rápidamente fama desde 1980s. Desde entonces ha ganado la aclamación internacional, exhibiendo ampliamente en todo el mundo en lugares como la Tate Gallery y la Hayward Gallery en Londres, Kunsthalle de Basilea, Múnich, Deutsche Guggenheim de Berlín, el Reina Sofía en Madrid, MAK Viena, el ICA de Boston y el Kunsthale de Basilea.
Exposiciones únicas de su trabajo se han celebrado en la Tate y Hayward Gallery en Londres, Kunsthalle de Basilea en Suiza, el Reina Sofía en Madrid, la Galería Nacional en Ottawa, Musée des Arts contemporains (Grand-Hornu) en Bélgica, el Museum of Contemporary CAPC Arte en Burdeos y en el Centro Cultural Banco do Brasil en Brasil. Sus trabajos se exponen en todo el mundo, en particular: Museo de Arte Moderno de Nueva York, Tate Modern de Londres, Fundación Prada en Milán, Guggenheim en Bilbao, De Pont Foundation en los Países Bajos, y Siglo 21 Museo de Arte Contemporáneo de Kanazawa, Japón.
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Andreas Gursky
Andreas Gursky nació Leizpig, 1955 Fotógrafo alemán.
Con corta edad, su familia se traslada a Dusseldorf donde su padre le inicia en la fotografía. Estudia en la Academia de las Artes de esa ciudad y en la Folkwangschule de Essen, fundada por Otto Steinert. En sus comienzos adopta un estilo próximo al de sus maestros, Bernd y Hilla Becher, quienes desarrollan a finales de los 50 una nueva estética fotográfica caracterizada por temas de arquitectura industrial anónima y abandonada que hoy es conocida como la nueva objetividad. En 1984 abandona este estilo y retoma una observación más espontánea de la realidad, con escenas inundadas de luz que recuerdan la obra de jóvenes artistas americanos como Stephen Shore o Joel Sternfeld. Su obra da un giro decisivo en 1990, a raíz de un viaje a Japón en el que fotografía el centro bursátil de Tokio y que le lleva a recuperar los precisos métodos de los Becher y de los fotógrafos comerciales. En el transcurso de la década de los noventa incorpora a su obra la manipulación digital. Su obra se ha puesto en relación con el discurso de la posmodernidad; realiza un agudo análisis del comportamiento social estandarizado, producto de un mundo transformado por la alta tecnología y la globalización, de ello que la serialización como tema en sus imágenes, usualmente de gran formato, sea frecuente. Ha expuesto en instituciones de todo el mundo, como por ejemplo: Kunsthalle Zurich (1991), De Appel de Amsterdam (1992), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. MNCARS (2001), Centre Pompidou (2002), MoMA de Nueva York (2005), ICA London (2006) o Kunstmuseum Basel (2007), entre muchos otros.
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Philippe Halsman
Halsman nació el 2 de mayo de 1906 en Riga en el seno de una familia judía y estudió ingeniería en Dresde. En 1928 fue acusado públicamente de parricidio; su padre que tenía por nombre Morduch cayó y murió durante una excursión campestre en los alpes austríacos, sin embargo la gente de los alrededores no dudó en acusarlo de haber cometido asesinato, influidas por su origen judío y del antisemitismo existente y a falta de otras pruebas. Sería llevado a juicio y condenado a cuatro años de cárcel y de no ser por la presión de un destacado grupo de intelectuales, entre los que se encontraban Sigmund Freud, Thomas Mann y Albert Einstein, hubiera pasado entre rejas más tiempo de los dos años que de por sí estuvo. Después se instaló en París donde trabajó como fotógrafo de moda independiente y colaboró en la revista Vogue. En 1940, comenzada la Segunda Guerra Mundial y ante la inminente llegada del ejército alemán marchó a los Estados Unidos con ayuda de Albert Einstein, donde alcanzaría fama mundial, llegando a realizar más de cien portadas para la revista Life. En 1947 obtuvo la nacionalidad estadounidense.
Si por algo se caracterizó Halsman fue por su ingenio, materializado sobre todo a través de la técnica del “jumping style” o “jumpology”, a la que él dio origen. Se trataba de retratar a la persona saltando, para así conseguir una imagen de ésta mucho más real, más verdadera, sin artificio ninguno, sin que el cerebro pudiera controlar la expresión del rostro. «En un salto, la máscara se cae. La persona real se hace visible», explicaba Halsman. El resultado era una imagen de la persona bien distinta a como solía aparecer, y por ello con gran atractivo para el público, estas «imágenes de saltos» se publicaron en 1949 alcanzando gran éxito. No todo eran saltos, pero siempre sus fotografías mostraban situaciones divertidas, y algunas, algo provocadoras.
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