En su obra aparecen tanto el propio artista, como otras personas que colaboran con él, en absurdas poses esculturales, en la mayoría de los casos con el empleo de objetos cotidianos. Sus imágenes no son otra cosa que la documentación de una performance. Con este proceder trata de revisar constantemente el concepto de escultura en dos aspectos: de un lado, reubicando los objetos para humanizarlos y, de otro, objetualizando el cuerpo humano.

Lo incongruente y lo insólito gravitan alrededor de la obra de Erwin Wurm (Bruck, 1954) y el espectador se debate entre la perplejidad y la risa. Los objetos cambian de función y las personas cambian de sentido. Arriba es abajo y abajo es lateral. Las percepciones son puestas a prueba y se crea un mundo paralelo donde las preguntas del artista se asemejan a las del filósofo; ¿dónde estamos?, ¿quiénes somos?, ¿por qué el mundo? A pesar de los interrogantes, Wurm confiesa con honestidad: “Cada tiempo tiene su propia verdad. Eso es lo que los artistas y los filósofos buscan. Sin embargo, ambos fracasan constantemente”.
A la edad de 15 supo que quería ser un artista. Su padre trabajaba como detective en la policía y su visión sobre los artistas era más que sospechosa. El hecho de que su hijo quisiera ser uno era un tema tabú. “Mi padre le gustaba a todo el mundo, hasta a las personas que ponía tras las rejas. Ellos le mandaban pequeñas esculturas de torres o de iglesias hechas con fósforos o con pitillos. Tenía toda una colección de miniesculturas. Quizá eso me hizo querer ser artista”.
Es precisamente el acto escultórico el que ha estado en el centro de sus preocupaciones. Tratar, por ejemplo, el volumen, el peso, el equilibrio y la forma fuera de un podio, como en sus Esculturas de un minuto, donde el público sigue instrucciones para producirlas por un tiempo determinado: “Abra su pantalón y póngale un ramo de flores”, “Métase dos lápices por la nariz y una grapadora en la boca”, son algunos de las consignas a seguir, y así interactuar con la idea del artista. El video y la fotografía dan cuenta de estos episodios efímeros. El concepto de escultura en la obra de Wurm cruza fronteras y se mezcla con la acción para crear imágenes poderosas que tienen un impacto directo.
Su obra se ha presentado en los escenarios del arte internacional más representativos y pertenece a los artistas más relevantes del presente.
La muestra La memoria en la era de la globalización: perspectivas de la mirada desde afuera, curada por Sàrolta Schredl, recoge trabajos de los 20 años del quehacer artístico de Erwin Wurm y se presenta en el marco de los 200 años de la Independencia gracias a la Embajada de Austria en Bogotá en colaboración con el Ministerio Federal de Austria para asuntos europeos e internacionales.
¿Su búsqueda artística es la misma que al inicio de su carrera?
Básicamente es la misma, porque desde el principio estaba interesado en las nociones de la escultura. ¿Qué significa, qué es? Y tratar de acercarla a objetos del cotidiano, relacionarla con la vida diaria. Eso sigue ahí, pero hay cosas que han cambiado, porque al principio era un método para crear el cuerpo de la obra. Poco a poco eso ha dejado de interesarme, porque el arte para de pensar en sí mismo…

¿Cuál es su mayor transgresión en su obra?
Tengo dos momentos que marcaron un punto de inflexión. En 1991, cuando empecé a trabajar con objetos que tenían un comienzo y un fin. Existían por una semana, por dos o por un mes. Eso fue muy importante para entender intelectualmente mi trabajo. Después, en 1997 cuando creé las Esculturas de un minuto.

Con las ‘Esculturas de un minuto’ la gente puede estar haciendo el ridículo o sentirse parte de una obra de Wurm… ¿Cómo lo ve usted?
Al principio era muy interesante, porque significaba cruzar las fronteras. Todo el mundo quiere sentirse cool, interesante, exitoso en la vida. Pero siempre tenemos una parte secreta u oscura que no queremos que los otros vean: miedos, ansiedades, problemas. Y estas esculturas permiten dar a conocer ese sentido del ridículo, pero al mismo tiempo afirmarse en él. Y eso nos da más fuerza y certeza. No sólo se trata de mostrar el lado fuerte, sino el débil también. El otro efecto es que siempre nos encontramos muy serios en nuestro rol en la vida tanto personal como profesional. Me interesa transformar todo esto a otro nivel y hacerlo divertido.

¿Y qué pasa con la distorsión en ciertas de sus esculturas y en las situaciones absurdas de sus fotografías?
Siempre se nos ha dicho cómo es y cómo debe ser la realidad y cómo está el mundo construido. A través de las últimas crisis en las que el mundo se ha visto confrontado, vemos otras realidades. Me parece que la imagen que tenemos del mundo funciona como una pantalla de protección y que esta imagen es distinta a como de verdad funciona la realidad. Eso me parece fantástico.

¿Es el humor un material o el resultado?
Es un material o una manera de expresar las cosas. El gran pathos no me gusta, muchos artistas hablan de él, del proceso de envejecer, de morir, del padecimiento, de la tristeza. A mí no me gusta eso, me gusta evitarlo. El humor depende también mucho de las personas y las culturas. A algunas personas les parecerá gracioso, mientras que a otros no les agrade. Por otra parte, es una manera de llegarle a más gente y de quitarle un poco de solemnidad al concepto de arte.

Ha trabajado el dibujo, el video, la fotografía, la escultura, la performance ¿La forma es un vehículo para sus ideas?
Sí, creo que cuando tengo una nueva idea, encuentro el mejor medio para realizarla. De repente me doy cuenta de que cuando hago videos, estoy pensando en términos de videos y pasar a otro soporte no es evidente, porque me encuentro inmerso en este universo. Me pasa lo mismo con la fotografía y con la escultura. Pero es refrescante e importante saltar de una a otra, porque renueva mi perspectiva como artista.

El arte contemporáneo es amplio y vasto como la misma palabra. El público en general lo percibe como un concepto difícil de entender. ¿Cómo lo ve usted, cómo se siente dentro de él?
Llevo varios años dentro de él. El arte contemporáneo ha sido un medio para pensar nuestra sociedad, pensar nuestro tiempo y reflejarlo. Eso lo he creído por muchos años. Pero ahora también pienso que es un medio para crear algo nuevo. Personalmente me gusta utilizar el lenguaje de la ciencia ficción y de los cómics, que al final resulta un lenguaje fácil para que la gente entienda y acceda a mi trabajo. Entrar a mi arte es fácil en un primer nivel, pero hay capas dónde se necesitará un poco más de esfuerzo y dónde están las preocupaciones y las preguntas sobre nuestra sociedad.

¿Y cuáles son esas preocupaciones y preguntas que trata en su obra?
Hacer piezas que no estén limitadas por la realidad física de lo tridimensional, sino por una realidad imaginaria que sale de los sentimientos, de los pensamientos, de los efectos psicológicos… otras dimensiones. Es difícil de explicar.

Fuente: www.elespectador.com

Ernesto Neto pertenece al amplio grupo de artistas que sigue la senda marcada por esa otra generación de creadores brasileños que rompió con los esquemas modernistas a finales de los cincuenta y principios de los sesenta, artistas que, como Helio Oiticica y Lygia Clark, tratan de eliminar el carácter absoluto del arte para acercarlo a la vida (en su manifiesto Neo-concreto, Oiticica y Clark hablan, entre otras cosas, de la necesidad de percibir el arte no como un objeto sino casi como un cuerpo). Esta nueva noción de la creación artística proponía la experiencia y la interacción del espectador, argumento que se encuentra en el centro de las preocupaciones estéticas de Ernesto Neto.

Nacido en Río de Janeiro en 1964, Ernesto Neto ha expuesto su obra en muchos de los grandes centros y galerías de todo el mundo. En España pudimos ver su obra en la galería Elba Benítez en 2000 o en la colectiva “El final del Eclipse” de 2001 mientras el CGAC de Santiago nos ofrecía una exposición individual hace 5 años. Mientras expone en la Konsthall de Malmü, tiene una pieza importante en la gran muestra Tropicalia del Barbican Center de Londres. Además, ha representado a su país en las Bienales de Venecia, Sao Paulo y Sydney.

Neto trabaja con tejidos que suscitan una enorme sensación de levedad. Con elloscrea grandes instalaciones que afectan a todo el espacio. Pero el suyo no es el típico ejercicio de intervención tan al uso actualmente. Ernesto Neto crea lugares que afectan psicológicamente al espectador. El proyecto, significativamente, se llama The Malmü Experience. Si la obra de Ernesto Neto se ha entendido siempre como una activación de espacios, de lugares, este proyecto último de la Malmü Konsthall (ya hablamos en su día de esta institución con motivo de un proyecto de Olafur Eliasson) subraya la idea de paisaje en la que el espectador verá multiplicada su experiencia sensorial. Hay en Neto un interés evidente por lo orgánico. él mismo cuenta que su obra refleja su interpretación del cuerpo desde dentro. El visitante que se introduzca (en el más amplio sentido de la palabra) en sus obras, podrá pasear, tocar y oler, porque muchas de estas formas orgánicas contienen especias. Esta exposición esta pensada para crear un recorrido laberíntico de tejidos y formas que se integra en el espacio íntegro del centro. Para ella, Ernesto Neto ha optado por utilizar los colores del arco iris y la creación de pequeñas piezas que se integran en los grandes espacios también por él creados, pequeñas piezas que conforman el gran todo de la exposición, de la experiencia.

Al igual que otros artistas callejeros como Julian Beever o Edgar, Wenner ha sabido destacar por su técnica perfeccionista, refinada y estilo barraco del que dota a todas y cada una de sus creaciones. A diferencia de Julian Beever quién utiliza diferentes elementos cotidianos del entorno callejero para generar una realidad manipulada con obras llenas de sentido del humor, o los gigantescos escenarios tridimensionales de Edgar Mueller, la técnica y estilo de Kurt Wenner sin duda consiguen que sus creaciones sean vistas como auténticas obras de arte sobre lienzos improvisados.

Sus trabajos a pie de calle, en lugares emblemáticos o comerciales, han servido también para que muchas empresas y marcas utilicen su trabajo como estrategia de marketing y parte de un espectáculo creativo para generar impactos y experiencias emocionales en clientes y consumidores.

Como prueba de ello, hemos recogido una selección con algunas de las obras más populares y originales de este artista que seguro no te dejarán indiferente.

El arte de Charles Ray tiene mucho que ver con la relación entre el arte y el cuerpo. A principios de los noventa, cuando los artistas volvieron a fijarse en su cuerpo, esta vez no como soporte explícito como en los tiempos del Body Art sino como contexto de exploración del subconsciente, lugar en el que experimentar, más cerca de lo antropológico, lo orgánico y lo biográfico. En este nuevo contexto, en el que destacan figuras como Cindy Sherman, Robert Gober o Paul McCarthy, se mueve como pez en el agua Charles Ray, norteamericano de Chicago nacido en 1953, autor de varias de las piezas más importante de este periodo.

Ya en los años setenta Charles Ray comenzó a trabajar con su propio cuerpo en el ámbito del Body Art. De ese periodo es aquella pieza paradigmática, “Plank Piece I” (que se puede ver en esta exposición) en la que combina las estrategias corporales del Body Art con una clara filiación minimalista. En estos trabajos se funden el sujeto y el objeto, algo central en su trabajo de los años setenta y primeros ochenta. Más adelante realizaría piezas más relacionadas con la subjetividad y los entresijos de la mente humana, trabajos en los que su propia presencia comienza a diluirse para dar paso a un juego eminentemente escultórico en el que se acentúa la relación interna entre los objetos. En esta época realizó maniquíes con su propio rostro, autorretratos que, dispuestos en serie, aludían también a una serialidad minimalista. Estas piezas bien podrían haber sido las representaciones formales de esa literatura del clon practicada por Michel Houllebecq.

Su profesora de arte suplicó que a Hirst le permitieran la entrada en el sexto curso, donde obtuvo buenas calificaciones, logrando un nivel “E” en la asignatura de arte. Asistió la Universidad de Leeds, en Arte y Diseño, aunque la primera vez que lo solicitó se le denegó la admisión. Trabajó durante dos años en la habilitación de solares de construcción en Londres; luego estudió Bellas Artes en Goldsmiths, Universidad de Londres (1986-89), aunque de nuevo vio rechazada su primera solicitud. Siendo estudiante, Hirst trabajaba a tiempo parcial en una morgue, una experiencia que influyó posteriormente en su elección de temas y materiales.
Hirst ha admitido siempre serios problemas de drogas y alcohol, al menos durante diez años, del periodo de los 90 en adelante: « Empecé a consumir cocaína y a beber… Me trasformé en un balbuceante naúfrago de mierda ». Durante este tiempo fue reconocido por su salvaje comportamiento y actos escandalosos, incluyendo, por ejemplo, colocarse un cigarrillo en la punta del pene delante de los periodistas. Fue un asiduo del elegante Groucho Club, en el Soho londinense, del que fue expulsado y vetado alguna vez por su mal comportamiento.

En 2002, Hirst dejo de fumar y beber, sin embargo el resultado a corto término fue que su esposa Maia « tuvo que mudarse debido a que yo me había vuelto insoportable ». Hirst había conocido a Joe Strummer (el antiguo cantante de The Clash), en Glastonbury, en 1995; se habían hecho grandes amigos, e incluso celebraban las fiestas familiares juntos. Justo antes de la navidad de 2002, Strummer murió de un ataque cardíaco fulminante. Este acontecimiento tuvo un profundo efecto en Hirst, quien declaró: « Ésta es la primera vez que me he sentido mortal ». Tras esta desgracia, donó mucho de su dinero y dedicó gran parte de su tiempo a la fundación de caridad Strummerville, dedicada a ayudar a jóvenes músicos. Asimismo, últimamente Hirst ha demostrado gran interés por el cristianismo.
Está casado con la californiana Maia Norman con quien tiene 3 hijos: Connor, nacido en 1995, Cassius, nacido en el 2000, y Cyrus, nacido en 2007. Desde el nacimiento de Connor, ha pasado la mayor parte de su tiempo en su conocida casa de campo, una posada de 300 años de antigüedad, situada en el norte de Devon.

La muerte es el tema central de su trabajo. Es conocido sobre todo por sus series de Historia natural (“Natural History”), en las cuales, animales muertos (como tiburones, ovejas o vacas) son preservados, a veces diseccionados, en formol. Uno de sus trabajos más icónicos es La imposibilidad física de la muerte en la mente de algo vivo (The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living). Se trata de un tiburón tigre de 14 pies de largo inmerso en una vitrina con formol. Debido a la descomposición del tiburón tigre, fue reemplazado con un nuevo especimen en 2006.

Su venta por 10 millones de dólares, en 2004, hizo de él el segundo artista vivo más caro, después de Jasper Johns. En junio de 2007, Hirst logró superar a Jaspers en este apartado con la venta de su “Cofre de medicinas” (Medicine Chest, en la exposición Lullaby Spring), por nueve millones seiscientas cincuenta mil libras esterlinas, en la casa de subastas Sotheby’s en Londres. El 30 de agosto de 2007, Hirst superó su anterior venta de Lullaby Spring con su trabajo Por el amor de Dios (For the Love of God), una calavera humana auténtica, toda ella incrustada de diamantes, 8.601 en total, que alcanzó los cincuenta millones de libras esterlinas (74 millones de euros), pagados por un grupo inversionista desconocido (posteriormente, se supo que el propio Hirst, su manager y uno de sus galeristas pertenecían al consorcio) (diario El País, 05/01/2008).Otra gran venta fue la conseguida por El becerro de oro (The golden calf), por la que obtuvo en Sotheby’s 10.34 millones de libras (unos 14 millones de euros). Se le calcula una fortuna superior a los mil millones de dolares, siendo más rico que otros conocidos magnates británicos como Mick Jagger o Elton John.
También es conocido por sus pinturas girantes («spin paintings»), hechas en una superficie circular girante, y pintura de puntos («spot painting»), los cuales consisten en filas de círculos coloreados al azar; estas obras han sido muy imitadas en gráficos comerciales.

Durante los años noventa estuvo relacionado con el coleccionista Charles Saatchi, pero las fricciones se incrementaron hasta el punto de acabarse la relación en 2003.
Siendo la muerte el tema central en su obra, ésta siempre ha estado rodeada de gran polémica, más o menos premeditada, y por consiguiente de un gran seguimiento mediático. Por ejemplo, las autoridades de Nueva York le negaron en su día el permiso para exponer su Pareja muerta follando dos veces, dos cadáveres de un toro y una vaca flotando en formaldehído. Muchos han dicho que está loco por las obras que hace, pero sus obras son impresionantes.

Nació en Baumgarten, cerca de Viena, en el seno de una familia de tradición artesana que, en parte, reflejaba la pluralidad nacional del Imperio austrohúngaro. Su madre era vienesa, y su padre, Ernst Klimt, orfebre de origen bohemio que orientó a sus tres hijos varones –del matrimonio nacieron también cuatro hijas- hacia su mismo camino profesional.

De esta forma, Gustav Klimt, el mayor de los varones, ingresa en 1876 en la Escuela de Artes Aplicadas del Museo Imperial de Arte e Industria de Viena, institución fundada pocos años antes con el fin de mejorar la situación de las artes industriales en el Imperio. Allí se hará con una sólida formación técnica y teórica y, al terminar sus estudios en 1883, constituye con su hermano Ernst y su compañero Franz Matsch la “Compañía de artistas”.

La Administración imperial estaba empeñada en la promoción de las artes decorativas, y el proyecto monumental de la Ringstarre –una avenida circular en torno al casco histórico de Viena donde se localizarían los principales edificios institucionales y culturales del Imperio-, entonces en plena realización, proporcionaba una inmejorable oportunidad a artistas, arquitectos y artesanos. Después de foguearse en algunos encargos lejos de la capital –como la decoración del Teatro Municipal del Fiume, en Croacia, entre 1883 y 1885-, los tres socios decoran la escalinata del Burgtheater entre 1886 y 1888 y, tres años después, su éxito les vale el encargo de las pinturas decorativas para las enjutas e intercolumnios de la escalera del Museo de Historia del Arte, otro de los grandes edificios de la Ringstrasse.

En 1888, por otra parte, Klimt había pintado para el concejo vienés una vista interior del viejo Burgtheater que le valió en 1890 el Premio del Emperador. Con menos de treinta años, Klimt era ya uno de los artistas más prestigiosos de Viena.

La muerte de Ernst en 1892 pone fin a la “Compañía de artistas”, pero la reputación de Klimt alcanza su cima apenas dos años después, con el encargo de tres paneles sobre la Filosofía, la Medicina y la Jurisprudencia para el techo del Aula Magna de la Universidad, también en el Ringstrasse vienesa. A partir de entonces, el idilio de Klimt con la Aministración imperial empieza a enturbiarse. Así, en 1897, el pintor encabeza la fundación de la Secesión, un grupo de artistas y arquitectos vieneses que se separa de la Asociación de Artistas con la declarada voluntad de afirmar la modernidad artística y poner la escena vienesa en contacto con las nuevas tendencias europeas.

En 1905, Klimt y otros artistas próximos a él abandonan la Secesión, aunque mantienen los mismos ideales, expresados en la gran exposición de la Kunstschau de 1908.

Klimt no se casó, aunque tuvo varios hijos naturales, de los que reconoció al menos tres.

La obra de Gustav Klimt reúne: la singularidad, la impresión de que en ella se encierran claves íntimas; pero, al mismo tiempo, es una síntesis casi exhaustiva de las inquietudes, tendencias y lenguajes de la convulsa escena artística moderna europea de los años del cambio de siglo. Klimt alentó la modernización y la apertura del arte austriaco a las tendencias europeas; en él confluyen la influencia del Jugendstil alemán de Munich, el Modern Style escocés de Mackintosh y la lección de impresionistas y posimpresionistas franceses con la herencia simbolista del romanticismo alemán y nórdico.

El objetivo de Klimt era un arte idealista y autorreferencial, liberado de hipotecas y compromisos más allá de sus exigencias intrínsecas.

Salvo contadas excepciones, consagró sólo a mujeres su celebrada faceta de retratista y sus personajes alegóricos encuentran una traducción femenina. El significado de lo femenino en Klimt siempre ha sido un asunto controvertido para la crítica. La mujer es el catalizador mítico del simbolismo de Klimt, imagen de la vida y de la muerte; amenaza y promesa a un tiempo.

La obra de Klimt se ha identificado con la suntuosa decoración basada en dorados y elementos ornamentales de vivos colores, aunque también con formas fálicas encubiertas que indican el carácter de los dibujos en que se inspiraban. En la primera versión de Judith, por ejemplo, aunque también en El beso y, sobre todo, en la Dánae de 1907 aparecen elementos abstractos de un carácter sexual inconfundible. Siendo la mujer uno de los temas más recurrentes de Klimt, resulta lógico que el artista representase muchas de las facetas del carácter femenino, aunque sentía especial predilección por un tipo de mujer agresiva y dominante que podría identificarse con el modelo icónico de la femme fatale. Los historiadores del arte coinciden en señalar el carácter ecléctico de su estilo pictórico; y se han apuntado, entre otras, referencias al arte del antiguo Egipto, a la cultura Micénica, a la Grecia clásica y al arte bizantino. Hombre de formación clásica, Klimt no sentía sin embargo reparo en manifestar su entusiasmo por el arte de artistas medievales -como Durero- o exóticos -como los artistas de la escuela Rinpa japonesa. Sus obras de madurez se caracterizan por un rechazo de sus inicios naturalistas, siendo así que se ha señalado el progresivo desarrollo de motivos simbólicos o abstractos que enfatizaban la libertad de espíritu que impregnó todas las vanguardias artísticas de principios del siglo XX. Del mismo modo, resulta significativo el valor de la línea en su obra. Sus dramáticas composiciones -utilizando a veces extraños puntos de vista, planos verticales y cortes atípicos- subrayan el carácter innovador de su plástica, y anticipan el valor expresivo de la línea que caracterizará el expresionismo posterior.

La obra de Klimt tuvo una enorme influencia sobre todo el grupo de la Secesión Vienesa. En su papel de líder del grupo, Klimt no sólo fue una poderosa influencia para artistas como Egon Schiele, sino que trató de apoyar la obra de estos jóvenes talentos con la institución del Küntshalle, en 1917, con el que pretendía evitar el éxodo de artistas al extranjero. Su relación con la aristocracia y la intelectualidad vienesas le permitió un contacto estrecho con las personalidades más importantes del continente, como Oskar Kokoschka y Alma Mahler, entre otros. Su estética inconfundible, y cierto aroma decadentista con que se suele identificar su obra, lo han convertido en un referente ineludible de la moda y la estética contemporáneas. Las astronómicas cifras alcanzadas en subastas de sus obras prueban, en cierto modo, que el éxito comercial de Klimt no ha decaído, un siglo después de su muerte. También se han realizado películas sobre su vida -la más conocida de ellas, protagonizada por John Malkovich, fue estrenada el 28 de enero de 2006 durante el Festival Internacional de Cine de Rotterdam (Holanda).

YayKa

Una rápida consagración
Nació en Felanitx (Mallorca, España) en 1957. Es una de las figuras más destacadas de las artes plásticas en su país. Estudió en la Escuela de Artes Decorativas de Palma de Mallorca y en 1974 en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. Al año siguiente volvió a su ciudad natal y formó parte de Taller Lunatic, un grupo de arte conceptual. El reconocimiento internacional le llegó luego de su participación en la Bienal de São Paulo de 1981 (donde sus obras mostraban influencias del neoexpresionismo alemán y la transvanguardia italiana) y en la Documenta de Kassel de 1982.

Barceló ha avanzado a lo largo de su vida por caminos muy variados, lo que lo ha convertido en un artista versátil y en constante evolución, tanto en la técnica como en los materiales. Los dibujos de insectos y moluscos de sus primeras exposiciones dejaron paso a cajas con materiales en descomposición. Su obra abarca la pintura, la escultura, la cerámica y la fundición.

Es un artista que en sus obras revela una preocupación por la investigación experimental. Una de sus principales características es el tratamiento de la materia pictórica, que plasma en sus cuadros para lograr efectos de relieve. Su obra refleja, desde un primer momento, un notable interés por los motivos procedentes de la naturaleza, tanto terrestre como marítima, donde emplea una paleta oscura, en tonos ocres con una gran densidad cromática, que ha ejercido una gran influencia entre sus colegas más jóvenes.

Fueron sus viajes y estancias por Europa, Estados Unidos y áfrica Occidental (Mali) los que han marcado su trayectoria artística a lo largo de los últimos años. Pero vale destacar que en todas sus obras está presente la luz de su isla natal.

Su voz
“Hay que saber reconocer en la vida diaria los hallazgos inesperados, hay que tener el ojo entrenado. Las cosas ocurren cuando uno está atento. Es como reconocer en un cuadro una mancha desencadenante de sentido, pero si uno no está ahí pintando no sucede nada. Yo quiero pensar que las cosas siguen sucediendo incluso cuando no estoy, mi problema es no tener varios yo, uno que viva en Mali, otro en París, otro aquí: tengo la sensación de que cuando llegue a Mali encontraré que mis cuadros se han ido pintando. Siempre he admirado a Pessoa, me parece tentador tener heterónimos. Ahora asocio esos yo con mis talleres”.
“Nunca pinto la muerte como espantapájaros. En áfrica estoy rodeado de calaveras, que incluso colecciono. Siempre me he alimentado de la cultura europea y cuando pensaba que huía de ella no lo podía conseguir, siempre iba cargado de libros de Shakespeare y Lowry. Sigo siendo un producto de esta cultura”.

En sus palabras, en su prolífica obra se caracteriza su unión, su afín con la literatura, por lo que no resulta extraño que el mismo Barceló sea el autor de los prólogos de sus catálogos así como también de cuadernos dibujados donde reflexiona sobre el arte en general y sobre el proceso de la creación de su obra en particular.

En su personal universo tiene como elementos recurrentes la visión del mundo como una vorágine y la obsesión por plasmar y reivindicar la presencia de lo orgánico en todas sus formas. Es el año 1988 el que marca un punto de inflexión en la trayectoria de Barceló: hace su primer viaje a áfrica. A partir de entonces, no sólo incorporó materiales y temáticas de ese país en su obra, sino que estableció un taller, además del de París y el de Mallorca, en algún punto de Mali que prefiere no revelar. Por eso áfrica, le ha servido como fuente de inspiración, base de sus texturas, colores y creatividad visceral.

Es, sin duda, el pintor español con mayor proyección internacional. Su estilo personal es reconocido en todos los ámbitos artísticos. Siempre a la vanguardia, este artista mallorquín no duda en comenzar nuevos proyectos como la ilustración de la Divina Comedia para Círculo de Lectores.

Inspirado en el gran viaje de su vida, áfrica, en 1992 ilustró el libro “Muy lejos de casa”. El 12 de junio de 2003 fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes. El jurado que otorgó a Barceló este premio lo ha considerado uno de los nombres máximos de la pintura europea contemporánea. Además lo destacó por vivir consagrado a su obra, haberse vinculado con la mejor tradición española y reflejar desde una mirada mediterránea la proximidad a la realidad vital.

Sus enormes lienzos figurativos de finales de los años setenta con temas de animales de marcado expresionismo reciben la influencia de Joan Miró, el action painting (“pintura de acción”), Jackson Pollock, Antoni Tàpies, el arte conceptual y el art brut.
Posteriormente da paso a una pintura más entroncada con la tradición y así surgen las series de las bibliotecas, los museos y los cines de forzadas perspectivas y denso tratamiento pictórico.
Entre las características de su obra hay que destacar la inspiración en la naturaleza, consiguiendo relieve a través del uso de unos empastes densos y generalmente oscuros. El Mediterráneo y África han sido dos de sus más importantes referentes. El descubrimiento de África en un viaje a Mali ha hecho que sus gentes y la vida del desierto sea uno de los temas más desarrollados en su obra en los últimos años, siempre reflejando una gran preocupación por la naturaleza, el paso del tiempo y los orígenes.
En la última época ha evolucionado hacia referentes más intelectuales y abstractos. En marzo de 2007 la catedral de Mallorca ha inaugurado la capilla elaborada por él en arcilla. Consta de dos mundos: Los frutos del mar y los frutos de la tierra. En mayo de 2007 también comienza los trabajos de decoración de la Cúpula de la sala XX del Palacio de Naciones Unidas en Ginebra. Esta sala acogerá las reuniones del Consejo de los Derechos Humanos y pasará a llamarse Sala de los DDHH y de la Alianza de Civilizaciones.
La literatura ha sido siempre también una de sus inspiraciones. Ha sido ilustrador de libros y él mismo suele redactar los prólogos de sus catálogos. La imagen de la cabecera diario Público, editado desde septiembre de 2007, es obra del autor mallorquín.

Se educó en sus primeros años en India en la “Doon School”. Más tarde se muda a Gran Bretaña y concurre al “Hornsey College of Art” y al “Chelsea School of Art & Design” en el RU.

Kapoor alcanzó rápidamente fama desde 1980s. Desde entonces ha ganado la aclamación internacional, exhibiendo ampliamente en todo el mundo en lugares como la Tate Gallery y la Hayward Gallery en Londres, Kunsthalle de Basilea, Múnich, Deutsche Guggenheim de Berlín, el Reina Sofía en Madrid, MAK Viena, el ICA de Boston y el Kunsthale de Basilea.
Exposiciones únicas de su trabajo se han celebrado en la Tate y Hayward Gallery en Londres, Kunsthalle de Basilea en Suiza, el Reina Sofía en Madrid, la Galería Nacional en Ottawa, Musée des Arts contemporains (Grand-Hornu) en Bélgica, el Museum of Contemporary CAPC Arte en Burdeos y en el Centro Cultural Banco do Brasil en Brasil. Sus trabajos se exponen en todo el mundo, en particular: Museo de Arte Moderno de Nueva York, Tate Modern de Londres, Fundación Prada en Milán, Guggenheim en Bilbao, De Pont Foundation en los Países Bajos, y Siglo 21 Museo de Arte Contemporáneo de Kanazawa, Japón.

Tall Tree and the Eye.Museo Guggenheim, Bilbao
Kapoor representó a Bretaña en la XLIV Bienal de Venecia en 1990, cuando le fue concedido el Premio Duemila y en 1991 recibió el Premio Turner. Ha llevado a cabo una serie de grandes instalaciones en macro escala y comisiones incluidas Marsia para el Salón de la turbina, que Cecil Balmond (aclamado de la empresa de ingeniería ARUP) le ayudó a colocar, la Tate Modern. Aclaimed público incluyen esculturas “Puerta de Nubes”, Millenium Park, Chicago, y el espejo del cielo en el Rockefeller Center, Nueva York. Se le concedió un CBE en 2003.
Kapoor tiene obras ubicadas en la Lisson Gallery, Londres; Gladstone Galería, Nueva York y la Galería Continua, y en la Galleria Massimo Manini, de Italia.
En 2009, Anish Kapoor, Carsten Höller y Giuseppe Penone se pidió la creación de tres “obras permanentes, el emplazamiento, en armonía con la luz y los colores” del Parque Nacional Pollino, el parque nacional más grande en Italia, como la primera edición del proyecto “ArtePollino-Another South”. Kapoor trabajo, “Cinema di Terra” (Tierra Cine), en la zona de spa termal activa de Latronico, es una 45m corte largo y 3 m de profundidad de ancho y 7 metros en el paisaje de hormigón y de la tierra. La gente puede entrar por ambos lados y caminar por ella hasta llegar a una pequeña plaza desde donde se puede ver el paisaje desde el interior. Cinema di Terra abrió oficialmente al público en septiembre de 2009.

GRAN EXPOSICIÓN DEL ARTE MODERNO ALEMÁN

arte moderno alemán

En el 2009 Alemania conmemoró  el 60º aniversario de la ratificación de la Constitución de la República Federal Germana (ley garante de la libertad artística) con una gran muestra,  en la Martin Gropius Bau, y que analizó la evolución estética y formal de las artes visuales alemanas desde 1949 a través de sesenta de sus obras más significativas, entre pinturas, grabados, esculturas, fotografías e instalaciones. Cada una de las piezas mostradas fue seleccionada por considerarse representativa de la época en que fue creada. La presentación de los trabajos expuestos fue acompañada de paneles que recordarán a los visitantes los eventos políticos y sociales más destacados que han sucedido en el país en las últimas seis décadas y el modo en que influyeron en la producción artística del momento.

Entre los creadores seleccionados para formar parte de la histórica muestra encontraremos, entre otros, a Stefen Balkenhol, Georg Baselitz, Joseph Beuys,Günther Förg, Andreas Gursky, Hans Hartung, Georg Herold, Karl Hofer,Candida Höfer, Rebecca Horn, Jorg Immendorf, Anselm Kiefer, Martin Kippenberger, Imi Knoebel, Markus Lüpertz, Jonathan Meese, Marcel Odenbach,Albert Oehlen, Sigmar Polke, Tobias Rehberger, Gerhard Richter, Thomas Schütte, Wolfang Tillmans, Rosemarie Trockel o Hans Uhlmann, entre otros.

Coincidiendo con la celebración de esta exposición, el profesor Bazon Brock realizará diariamente una actividad pedagógica bautizada como “La escuela del visitante”, ya ensayada por el propio Brock en la década de los sesenta y en diversos eventos culturales como Documenta. En sus explicaciones hará hincapié en los influjos sociales del momento histórico correspondiente en cada una de las obras expuestas con el propósito de “profesionalizar al público del arte”, tal y como se hace con los artistas en las academias y conservatorios, de modo que el espectador pueda estar a la altura de lo que exige la contemplación de una pieza, entender a fondo su composición y desarrollar facultades similares a las que adquieren los creadores tras cursar años de estudios.